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Louise Caroline Bourgeois, una de las artistas mas influyente del siglo XX, murió en Nueva York el pasado 31 de mayo a la edad de 98 años. Bourgeois había nacido en París en 1911, estudió matemáticas en la Sorbona pero abandonó la carrera para matricularse en  Bellas Artes. Posteriormente  trabajó con Fernand Léger antes de instalarse definitivamente en la ciudad de los rascacielos.

La siguiente entrevista la concedió Louise Bourgeois, el 11 de abril de 1989, en la Robert Miller Gallery.

Soy una especie de reclusa y no necesito continuar y continuar cada vez más rápido, ni necesito enseñar mi trabajo, ni explicarlo. Si el trabajo no se comunica contigo por sí solo, relájate. ¿Tienes que definirte a ti mismo? Es muy difícil definirse y es mucho más difícil mostrarse.

No estoy interesada en otros artistas, disfruto con algunos inmensamente, pero es un placer sin relación con mi trabajo. De hecho es casi como unas vacaciones cuando salgo a ver una exposición.

Tengo una casa de campo en Suiza, a la que cualquiera puede ir, pero he descubierto que quieren que haga crítica de su trabajo. Bien, esto es ridículo. Yo torturo mi cerebro para la crítica, hago crítica constructiva y ellos se lamentan porque no quieren ser criticados, ellos quieren ser amados y animados.
Esto no es posible, no se puede animar a todo el mundo. Puedo pasar horas hablando de su trabajo pero ellos no pueden pretender que lo ame. Y algunas veces no me gusta. No puedo comprometerme a decir que me gusta algo que no lo hace. Aprecio esas tardes pero siento al final de ellas que algo ha fallado. Siento que toda esa gente ha venido por algo que no ha conseguido. La gente espera demasiado; pretenden que les estimule a convertirse en Picasso, el cielo es el límite. Esto es lo que veo en los estudiantes, ellos desean el show y las grandes ventas, y no hay límite en esto.
Me recuerda a un viejo cuento de hadas: un niño quería dejar su casa, olvidarse de ella, y corrió hacia el bosque hasta las seis de la tarde, después quiso volver pero no pudo rehacer sus pasos.
La idea de vender es nueva, en el pasado los artistas trabajaban, hacían sus exposiciones y después llevaban sus trabajos de vuelta a casa. –nada se vendía, naturalmente.  Esto me ha sucedido a mí. Un montón de artistas abandonaban, pero era una gran experiencia ver el trabajo lejos del estudio en una exposición.
Recuerdo que cuando Stuart Davis tuvo éxito y le hicieron una gran exposición en el MOMA, él dijo: “nunca podré pintar de nuevo” y eso era cierto. No sé qué clase de síndrome es éste, pero muchos artistas no pueden soportar el éxito. Y tampoco puedes vivir continuamente en el fracaso… de modo que puedes decir que el arte es una adicción que no puedes controlar.

"Mamá", una de sus más famosas esculturas, frente al Museo Guggenheim de Bilbao.

El material es sólo el material, está ahí para servirte y dar lo mejor de sí, si quieres o esperas algo más, simplemente cambias de material. El mármol es interesante para mí porque posee una magnífica resistencia y al mismo tiempo es frágil, se rompe. Uno busca una cosa y encuentra algo diferente; si quieres algo demasiado rompes la piedra.

La resistencia del material es semejante a la resistencia de las personas; cuando quieres seducirlas y ellas no lo desean, lo que tú quieres es la base, pero tienes que ajustar.
El romance con la materia es absurdo, una noción académica, los materiales son lo que son, no son un fin sino un medio para conseguir un fin, ha de servirte. La finalidad es conseguir lo que quieres decir. Tanto si lo que quieres es entender como si lo que quieres es entenderte el material no es el fin.

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El cine realizado por mujeres conoce actualmente una eclosión sin precedentes. La importancia y el número de directoras, los festivales y las convocatorias específicas, dan al fenómeno una singularidad digna de atención.

La directora inglesa Beeban Kidron

Mujeres realizadoras las hubo desde los comienzos del cine, en contra de lo que pudiera parecer. No podríamos decir lo mismo de mujeres directoras de fotografía, por ejemplo. En ciertos ámbitos de la creación cinematográfica la mujer ha sufrido un verdadero ostracismo. Detrás de la cámara, la mujer ha estado relegada a trabajos muy determinados, en continuidad –la famosa «script girl»– o en salas de montaje, donde normalmente ha desempeñado tareas de ayudante. En algunos casos optaron por cambiar sus nombres por otros masculinos, como la célebre guionista italiana Sus Cecchi d’Amico, colaboradora de Zavattini, De Sica, Antonioni y, sobre todo, Visconti, con quien trabajó desde Bellissima (1951) hasta El inocente (1976).

Pioneras de la dirección fueron Alice Guy-Blaché –que debutó en 1900–, o Dorothy Azner, ya en el cine sonoro: Dos excepciones en su tiempo a un cine realizado casi exclusivamente por hombres, significativas como conquistas individuales posibilitadas por la generalizada apertura profesional que la mujer lleva a cabo desde los años del sufragismo. Mucho más determinante que estos y otros ejemplos del pasado sería la imagen que el cine, y más concretamente Hollywood, ha ofrecido de la mujer a través de su historia, una visión distorsionada, reflejo de proyecciones fantasmáticas masculinas. El cine ha explotado hasta la saciedad los clichés de ingenua y perversa reservados para el trabajo de las mujeres delante de las cámaras.

La famosa película de Sofia Coppola

En los años 80 ya cabría hablar de un asalto de las mujeres a la dirección cinematográfica. En España, a los nombres de Ana Mariscal, Pilar-Miró, Josefina Molina, Cecilia Bartolomé y Emma Cohen se sumaron más tarde el de las realizadoras Isabel Coixet (Demasiado viejo para morir joven fue su primera obra) y Ana Díez. Actualmente destacan nombres como los de Icíar Bollaín, Patricia Ferrerira, Yolanda García Serrano, Mónica Laguna, Eva Lesmes, Laura Mañá, Dolors Payás, Helena Taberna, Núria Villazán y Carla Subirana, entre otras.

Sería injusto olvidar a Helena Cortesina, la primera mujer que dirigió una película en España, en 1921, y fundó su propia productora. Cortesina nació en Valencia en 1904, y falleció en Buenos Aires en 1984. Otra pionera del cine español fue la catalana Rosario Pi. Nacida en Barcelona en 1899 fue desde siempre una mujer emprendedora que buscó buscó nuevos horizontes, se asoció con el méxicano Emilio Gutiérrez Bringas y el español Pedro Ladrón de Guevara y fundaron Star Films, una productora en la que ella figuraba como presidenta.

Francia es el país europeo que cuenta con un mayor número de mujeres realizadoras, algunas de ellas actrices que, como Jeanne Moreau, se han colocado detrás de las cámaras. El mismo camino que siguieron antes otras mujeres en el cine: Ida Lupino, por ejemplo, y posteriormente Barbara Streisand, Diane Keaton, Liliana Cavani, Anjelica Huston (hija del legendario John Huston) o Glenda Jackson. Es el caso también de Arielle Dombasle, la rubia de La buena boda, el filme de Eric Rohmer. Junto a ella destacan las realizadoras francesas Virgine Fhevenet, Aline Issermann, Mireille Darc y Marie-France Pisier.

En el último cine americano tampoco faltan las mujeres realizadoras de éxito, como Susan Seidelman (Smitheieens/La chica de Nueva York, Buscando a Susan desesperadamente y Fabricando al hombre perfecto) y Elaine May (Isthar), ambas provenientes del cine independiente, aunque se hayan sometido a los designios de la industria, como Penny Marshall (Big), Claudia Weil (Ahora me toca a mí) y Ronda Haines (Hijos de un dios menor). Otras realizadoras americanas e inglesas se sitúan al margen de Hollywood, como Sara Driver (Tú no eres yo) Beeban Kidron y Sheita McLaughlin (Las visiones de Agata).

Llamativo resulta el caso de la inquieta Laurie Anderson, que combina experimentos en lo musical, lo escénico y lo cinematográfico (Home of the brave). La actualidad nos trae nombres como los de Sofia Coppola (Lost in Translation, Las Vírgenes Suicidas), Jane Campion (El Piano), Jodie Foster (Little Man Tate), Penny Marshall (Despertares) y Kathryn Bigelow, la primera mujer de la historia en obtener el Oscar a la mejor dirección por En tierra hostil, por citar a las más renombradas.

La realizadora italiana Liliana Cavani

Por lo que respecta a excelentes directoras provenientes de países con muy escasa o nula tradición cinematográfica, es obligatorio citar a la directora marroquí Farida Benlyazid, por su película La vida perra de Juanita Narboni, basada en la novela homónima del escritor hispano-tangerino Ángel Vázquez. La siria Nidal Abu Al Dibs, autora de la excelente Bajo el techo. Y también a las cineastas Anca Mitran (Rumanía) Bina Paul Venugopal (India), Suad Amidu (Marruecos), y Carole Abbud (Líbano). Ya mucho más conocido es el nombre de la bengalí Mira Nair (Salaam Bombay, Monsson Wedding).

Finalizamos con los nombres de directoras que, a nuestro juicio, van a experimentar un gran avance estético en la calidad de su cine: Agnieszka Holland (The Secret Garden, Total Eclipse), Maria Novaro (Lola, Danzón), Claire Denis (Trouble Every Day, Nénette Et Boni) Julie Taymor (Titus, Frida), y las directoras chilenas Emilia Anguita, que reside en Estados Unidos, y cuyo cortometraje Red Bird es excelente, y sobre todo, Alicia Scherson, (también residente en USA) que ganó con su película Play el gran premio de la segunda edición del Festival Internacional de Cine de Mujeres de Salé, que se celebra anualmente en esta ciudad colindante con Rabat, la bella capital de Marruecos.

Mr. Arriflex

“Recordar el ayer nos hace nacer. Imaginar el mañana nos hace nacer. Nacemos siempre en el presente. Siempre nacemos,  jamás envejecemos.  Siempre nacemos…”

María Luisa_Bombal

La escritora chilena  María Luisa Bombal Anthes nace en Viña del Mar el 8 de junio de 1910 y muere en Santiago el 6 de mayo de 1980. Su obra, relativamente breve en extensión, se centra en personajes femeninos y su mundo interno con el cual escapan de la realidad. Sus obras más conocidas son “La última niebla” y “La amortajada“.

Inició sus estudios en el Colegio Monjas Francesas, pero tras la muerte de su padre en 1923, se traslada a París donde ingresó, primero, al Convento de Notre Dame de l’Assomption y posteriormente, College Sainte Geneviève. Sus estudios superiores los realiza en la Facultad de Letras de La Sorbonne. Así consigue la Licenciatura en Filosofía y Letras, escribiendo su tesis sobre Próspero Mérimée.

Regreso a Chile en 1931 con intención de escribir para el teatro y luego en 1933 viaja a la Argentina donde vive en casa de Pablo Neruda en Buenos Aires. Allí conoce a Jorge Larco, con quien se casa tiempo después. El matrimonio fue breve tras la temprana muerte de su marido. Fue en Buenos Aires donde también conoció a Jorge Luis Borges y escribiendo para la revista literaria “Sur“, bajo la dirección de Victoria Ocampo, publica sus primeras historias de énfasis psicológico en un estilo que media entre la realidad y un mundo de ensueños.

Es la adelantada del llamado “realismo fantástico“, en que sobresale después Gabriel García Márquez (que declara influencia de sus lecturas de María Luisa Bombal), y últimamente Isabel Allende, también de Chile, que la leía desde niña.

Al igual que Borges, juega con la realidad y la fantasía y en sus obras es difícil distinguir cuándo está hablando lo real, cuándo lo fantástico. Contrapone María Luisa Bombal el terreno de la magia y del sueño de un mundo femenino con la brutalidad de un cierto mundo masculino.

La belleza de sus obras y la imaginación aparte que exploró María Luisa Bombal en sus textos, hacen exclamar al célebre autor house ofargentino Jorge Luis Borges: “No se ha escrito ni se escribirá prosa semejante“. Se devolvió a la distancia en la década de 1980.

En 1935 publicó “La última niebla” y  en el 38 publicó “La amortajada“, por el que obtuvo el “Premio de la Novela de la Municipalidad de Santiago” en 1941.

Ese año, al saber nuevamente de su gran amor -el anticomunista Eulogio Sánchez Errázuriz-  y la noticia de que éste se había casado, le produjo un desequilibrio emocional que la llevó a intentar asesinarlo hiriendolo gravemente: “Al matarlo mataba mi mala suerte, mataba mi chuncho“, diría más tarde.  El destino trágico de María Luisa Bombal se expresó en el despecho por el abandono de su amante Eulogio. Con ocasión de una invitación a su casa con su hermana, decidió suicidarse con una arma de él. Sólo se provocó una herida en el hombro derecho. Fue detenida y posteriormente absuelta por la justicia.

Tiempo después se trasladó a California, ya que Hollywood compró los derechos de “La última niebla“. Trabajó con John Huston, director del proyecto, que convocó a Lauren Bacall y Humphrey Bogart para los roles protagónicos. En 1947 reescribió la novela con el título “The House of Mist”, y escribió el guión de la película, pero el macartismo o caza de brujas, iniciado por senador Joseph R. McCarthy, detuvo los proyectos del director. La escritora abandonó Hollywood, lo que la llevó a radicarse en New York, donde conoció a Raphäel de Saint-Phalle, importante banquero francés perteneciente a la nobleza con el que posteriormente se casó. De esta relación nació Brigitte de Saint Phalle Bombal, única hija de la escritora.

María Luisa Bombal abandonó los Estados Unidos en 1971 tras la muerte de su esposo. Se trasladó a Buenos Aires y posteriormente, en el año 1973, regresó definitivamente a Chile.

En 1974 obtuvo el “Premio Ricardo Latcham” y en 1976 fue condecorada con el “Premio Academia Chilena de la Lengua”. Finalmente, en 1978 ganó el “Premio Joaquín Edwards Bello”.

Sus últimos años los pasó en la casa de reposo de Héctor Pecht. Sumida en el alcohol, visitó constantemente el hospital afectada de crisis hepáticas. María Luisa Bombal falleció el 6 de mayo de 1980 en la ciudad de Santiago de Chile, víctima de una hemorragia digestiva generalizada.

Jean D’Ovigny

“Es joven, graciosa y muy bella; tiene los cabellos color ceniza, como Isabel, y los ojos negroazules como los suyos…” Así describe el conde Waliszewski a la princesa Tarakanova, la pretendida y misteriosa heredera a la corona de todas las Rusias –se decía hija de la zarina Isabel– muerta en prisión por orden de su “prima” Catalina II.

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La princesa Tarakanova en su celda, obra de Constantin Flavitsky

En 1867, el pintor Flavitsky, expuso en París un cuadro dramático. Representaba a la princesa Aurora Tarakanova suntuosamente ataviada, de pie sobre un catre medio deshecho y junto al muro de una celda, mientras las aguas del Neva, desbordado, invadían el suelo de la prisión. La crecida inexorable del río y la imposibilidad de que sus carceleros se apiadasen de la suerte que le esperaba, daban al rostro de la prisionera una expresión de trágica resignación.

Para reconstruir este hecho, acaecido bajo Catalina II y en el que la realidad y la leyenda se aliaron, es preciso remontarse a 1772, cuando una tal Aly Emeté Vlodomirskaya hizo su primera y sensacional aparición en París. Esta Vlodomirskaya (que meses más tarde afirmaría ser la princesa Tarakanova) era una bellísima mujer de unos veinte años y rasgos circasianos, con cabellos de un rubio ceniza y ojos de oscuro color azul. Cada gesto y cada palabra de la bella extranjera revelaban una educación, una cultura y unos gustos refinados, en tanto que el lujo de que le gustaba rodearse denunciaban un origen noble, así como un patrimonio inagotable. Se expresaba correctamente en francés y alemán y afirmaba que en el transcurso de sus numerosos viajes había tenido ocasión de aprender también el italiano, el inglés, el árabe y el persa.

En la corte y entre la alta sociedad parisiense corría el rumor de que la fascinadora extranjera era la sobrina de un aristócrata ruso; a la discreta difusión de esta noticia contribuía un anciano barón llamado Von Embs, al que ella presentaba como pariente suyo. Entre las personalidades más destacadas que frecuentó en aquellos tiempos, es decir, alrededor de 1770, había varios nobles, emigrados políticos del reino de Polonia (que gemía entonces bajo el yugo de Catalina II), de Prusia y de Austria. Entre ellos figuraba el príncipe Miguel Oginski, al que los exiliados habían elegido como su caudillo, confiándole la misión de obtener del rey de Francia la ayuda necesaria para derrocar a Stanislas Poniatovski, favorito de Catalina y por ella colocado en el trono polaco.

Catalina II de Rusia

Catalina II de Rusia

Cuando la supuesta princesa Tarakanova mostró un documento –se trataba del testamento de Isabel Petrovna en el que la emperatriz de Rusia designaba como heredera del trono a Isabel II, la única hija nacida de sus esponsales con Razumowski– el príncipe Radziwill, a pesar de ser hombre de experiencia tan astuto como desengañado, y que conocía los recovecos de todas las cortes de Europa, no dudó ni un sólo instante de la sinceridad de la Tarakanova. También él, como Domanski y Oginski, quiso ver en ella la criatura enviada por la Providencia para servir a la causa polaca. Si, efectivamente, lograsen reivindicar para la hija de Isabel los derechos de la sucesión, desenmascarar a la usurpadora Catalina y expulsarla del trono de Rusia, derrocarían al propio tiempo a Stanislas Poniatowski del trono polaco y proclamarían, siguiendo sus ideales, la República aristocrática de Polonia.

Cuando la princesa impostora huyó súbitamente de París y apareció en Roma en 1775, la emperatriz Catalina, envió al Conde Alexei Orlov con la orden de llevarla de nuevo a Rusia. Orlov tuvo éxito en su misión. La supuesta Romanov apenas había tenido tiempo de posar sus pies sobre la nave a la que había sido invitada cuando el comandante del navío le anunció que estaba arrestada. Habiendo caído en la celada que con tanta habilidad le había tendido, la Tarakanova emprendió seguidamente, muy a su pesar, un viaje por mar rumbo a su reino imaginario.

Llegó a San Petersburgo en mayo de 1775. La misión de interrogarla en la fortaleza de San Pedro y San Pablo, donde fue encarcelada, había sido confiada al príncipe Galitzin, pero éste sólo consiguió arrancarle una confusa biografía que repetía, la acostumbrada historia de su origen ruso-persa. Las súplicas de la prisionera a Catalina, sus peticiones de audiencia, por otra parte jamás concedída, iban firmadas con un orgulloso «Isabel».

Entre tanto, su salud declinaba. Desde el comienzo de su encarcelamiento, la fiebre jamás la había abandonado. Los médicos de la cárcel diagnosticaron, finalmente, un avanzado estado de tuberculosis. La princesa Aurora Tarakanova, pretendiente al trono de Rusia, falleció el 4 de diciembre del año 1775, dejando tras de sí una estela de dudas que nadie ha conseguido jamás disipar.

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   Habitación de Gabriela Mistral

Cumpliéndose hoy 120 años del nacimiento de Gabriela Mistral y encaminándonos al Bicentenario de Chile, cabe alegrarse por cuánto ganaremos gracias a la supervivencia de sus manuscritos. El celoso esmero de Doris Dana y la generosa inteligencia de Doris Atkinson permiten que Chile pueda ir recobrando los espléndidos filones de su obra.

Lo válido es averiguar cuándo, dónde y cómo se gestaron sus poemas, los editados y los inéditos, atendiendo siempre a la transmutación de su vida en arte. Es decir, catando su genio poético. La prosa tanto como la poesía. Ambas continúan en secuencia de aparición, de deleite por venir.

Fiesta aparte son sus copiosos y variados epistolarios. Permiten apreciar la mudanza de lo circunstancial a lo trascendente, y nos acercan a su habla escrita, asombrosamente expresiva, que camaleonizaba la carta según a quien iba. Y despliegan la historia de Chile en los trechos que le convivieran y asimismo desde la querendona distancia, un país reflejado en los percances de su política y de su economía. Poeta cónsul, propagó una versión subjetiva y objetiva, lírica y documentada de nuestro país ante lectores extranjeros.

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Su poesía nos convida a leerla más allá de “Desolación“, adentrándonos en “Tala” y en “Lagar” I y II. Su prosa convida a gozar el esplendor de sus ensayos o “recados” sobre pintura, escultura, literatura, viajes, educación, política y religión. El altísimo voltaje verbal de esa prosa en colores y en cinco sentidos acompaña la fuerza y musicalidad de su poesía. Son dos regiones expresivas que se iluminan mutuamente.

Aprovecharemos a Gabriela Mistral mediante su poesía y prosa recuperadas; nos puede a la vez atizar la indolencia y alhajar la mente, amadrinando a Chile para sus doscientos años. Y por doscientos años más.

Luis Vargas Saavedra
Académico y editor de “Almácigo”.

Fue una casualidad que la escritora norteameriana Joan Schenkar encontrara un buen día en una pequeña biblioteca de París más de 200 cartas firmadas por Dolly Ierne Wilde. La autora de las misivas pertenecía a la familia Wilde, y como casi todos sus parientes se trataba de una persona algo excéntrica, con magníficas dotes literarias, bohemia, a la que le gustaba llamar la atención con su original indumentaria.

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Dolly había nacido en 1895 y era hija de Willy, el hermano mayor de Oscar Wilde, la figura más importante del clan, aunque como el resto de la familia un ser agobiado por los problemas; en aquella época se le juzgaba en Londres por su homosexualidad, que en uno de los mayores escándalos e injusticias que se conocen le llevó a la cárcel.

Pues bien, a Joan Schenkar, que ya había oído hablar de nuestra protagonista y en busca de más datos sobre ella había realizado un viaje a París, el contenido de las cartas –en su mayoría de amor– le intrigó y cautivó de tal manera que a partir de estos documentos y de testimonios de la época decidió reconstruir la vida del singular personaje, protagonista de los aires locos y glamourosos de las primeras décadas del siglo XX.

Asegura la biógrafa que Dolly se parecía mucho a su tío. La presenta como una mujer optimista, muy alegre, aficionada a “la conversación incisiva, las conquistas de emergencia, los coches veloces, las películas extranjeras, la literatura experimental y a las actrices alcohólicas». Una mujer de armas tomar, una adelantada de su tiempo que se hacía querer y que incluso dos décadas después de su muerte la gente que la conoció seguía recordándola y sintiendo muy reciente el dolor por su desaparición (que se produjo en la primavera de 1941 en Londres). Dolly Wilde fue una mujer de las que dejan huella.

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Las cartas, verdaderos documentos sociales de una época, llevaban 60 años ocultas, sin embargo su lenguaje las actualizaba, era de una calidad excelente, aunque a veces su estilo gramatical resultaba algo ampuloso. En ellas hablaba de su relación con Natalie Clifford Barney, una expatriada estadounidense, dueña de un salón literario en el mismo centro de París, que introdujo a la sobrina de Wilde en el circuito parisino y con la que mantuvo una relación amorosa. A partir de esta «amistad», Dolly conoció a gente como Joyce, Proust, Truman Capote, Isadora Duncan o Marguerite Yourcenar, entre otros. Amistades de las que siempre sacó lo que pudo, porque lo suyo era vivir a expensas del dinero ajeno.

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