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El cineasta estadounidense David Lynch

El cineasta estadounidense David Lynch

A mediados de octubre de 2013, David Lynch –el mítico director de cine, pero también fotógrafo, pintor, escultor, diseñador, músico y moderno gurú de la meditación trascendental– participó en el festival Trans-Rizoma de Madrid, una muestra interdisciplinar que se celebra anualmente en la capital de España, y a la que entonces pude asistir.

La visita del realizador de obras maestras como Blue Velvet, Mulholland drive o Inland Empire, tenía como finalidad divulgar las virtudes de la Meditación Trascendental, que él lleva más de 30 años practicando. Pero, ¿cómo afecta la meditación trascendental en la creación artística?, le preguntaron al maestro. “Cuanto más feliz es uno, más creativo se vuelve”, respondió un Lynch sereno y luminoso. Y fue en ese momento cuando llegó la pregunta pertinente: ¿por qué, entonces, sus películas son tan inquietantes? “Es cierto que mucha gente afirma que mis películas son muy oscuras, pero yo estoy aquí hablando de la felicidad … Yo me enamoro de las ideas que me enamoro, y estoy convencido que para mostrar el sufrimiento, no es necesario sufrir”, defendió con total convenimiento.

Alejado del cine desde la película Inland Empire, David Lynch, sin embargo, adelantó en Madrid –y recientemente lo ha confirmado a través de su cuenta en Twiter– que volverá a dirigir una nueva temporada de la afamada serie Twin Peaks. Una obra televisiva que explora, como suele hacer en la mayoría de sus films, un mundo enfermizo y subterráneo, tan angustioso como sugerente. Y es que, definitivamente, el cine creado por Lynch es un cine de sensaciones, pero poseedor al mismo tiempo de una “lógica interna” y una rigurosidad encomiable.

Especialista en recrear atmósferas inquietantes y claustrofóbicas, sus películas no dejan a nadie indiferente. Es capaz de transmitir al espectador, en un mismo instante –y casi siempre con las soberbias bandas sonoras de Angelo Badalamenti– la más amplia gama de sentimientos: desde la más refinada dulzura hasta el dolor más intenso. Y para conseguirlo, el maestro de Montana construye un universo visual y sonoro absolutamente personal, partiendo del diseño de personajes excéntricos, muchas veces deformes, que bordean lo absurdo y lo surreal.

Secuencia de

Secuencia de “Blue Velvet”

Blue Velvet, por ejemplo, es la primera película donde Lynch hace una demostración de cómo hacer extraño cualquier hecho cotidiano. Sin duda, esta fue la obra que llevó a Lynch a la fama y que llegó en un momento adecuado para él, después del desastre que supuso Dune. La película es también un claro antecedente de Twin Peaks, ya que Lynch volvería a utilizar a muchos de los actores y actrices de Terciopelo azul (Kyle MachLachlan, Laura Dern, Jack Nance) y los eternos temas: las oscuras pasiones ocultas bajo la superficie de nuestra hipócrita civilización y la violencia sexual.

De su más conocida filmografía:  Eraserhead (1976), The Elephant Man (1980), Dune (1984), Blue Velvet (1986), Twin Peaks (1989), Wild at heart (1990) –Palma de Oro en Cannes–, Twin Peaks: Fire Walks With Me (1992), Hotel Room (1993), junto con J.Signorelli, Las français vus par … (1993), un filme de episodios, dirigido también por H.Herzog, A.Vadja y L.Comencini, Lost Highway (1996), The Straight Story (1999), Mulholland Drive (2001) e Inland Empire (2006), mucho críticos cinematográficos coinciden en señalar a Dune como su peor película o, mejor dicho, como la prueba palpable de que también los genios se equivocan. Lynch intentó plasmar en la pantalla este totémico clásico de ciencia ficción de Frank Herbert, pero a pesar de su grandiosidad y de su enorme presupuesto no deja de ser una obra confusa e incoherente.

Yo, personalmente, también creo que Dune –junto a Wild At Heart— pueden ser los eslabones más débiles de la obra de David Lynch, pero películas como la impenetrable Inland Empire, Eraserhead (que tras su fracaso comercial se ha convertido con el paso de los años en una obra de culto), la hermosa y desgarradora The elephant man o The Straight Story, que no es la típica película de Lynch, pero que en mi opinión es una de sus mejores obras. Por supuesto, en el top-ten de su filmografía –o mejor dicho, ocupando los tres primeros puestos de la lista– estarían Twin Peaks: Fire walks whith me, una película que parece mejorar con el tiempo; Blue Velvet y Mulholland Drive, que originalmente fue concebida como el regreso de Lynch a la televisión, y posteriormente se convirtiría en su película más gratificante. Mulholland Drive es, para mí, su indiscutible obra maestra.

Mr. Arriflex

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¿Quién es Timothy Carey? ¿Por qué es el “peor” actor secundario del mundo? Probablemente, sólo un puñado de personas conozca la respuesta, pero 179 de ellas además lo admiran y lo celebran a casi 20 años de su muerte.

timothy

Reconozco que un posteo de Facebook gatilló el tema de esta columna; un posteo impersonal y cotidiano que apareció en mi carpeta de mensajes. Llegó desde un grupo al que adhiero con entusiasmo: el de los fans del actor Timothy Carey.

Sólo somos 179 miembros y una administradora, Marisa Young, una fan oriunda de Portland que también maneja el sitio “Timothy Carey Experience”. Como si fuera poco, Marisa además prepara un libro sobre el actor que falleció en 1994.

El posteo en cuestión es un video de Carey (rescatado de alguna vieja cinta VHS) en un comercial de chicles “Hubba Hubba”, que la televisión gringa emitió en 1981. En plan western, el actor interpreta a un villano que desafía al héroe a un duelo… de globos de chicles. Bueno, como el suyo no es “Hubba Hubba”, se revienta antes que el de su rival (que además no se le pega en la cara) y no le queda más remedio que retirarse derrotado junto a sus secuaces.

Carey como el soldado Maurice Ferol en “Senderos de Gloria”

Carey se roba la escena con su presencia, como lo hizo en cada una de las películas en la que actuó, desde Al este del paraíso (1955, Elia Kazan), pasando por Senderos de gloria (1957, Stanley Kubrick) hasta El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976, John Cassavetes).

Es que lejos de las muletillas del Actor’s Studio o los estereotipos de representación hollywoodenses, Carey era capaz de desarmar a cualquier espectador con su mera presencia; con ese look excéntrico que rondaba lo siniestro y lo humorístico al mismo tiempo; un histrionismo agresivo y, principalmente, una voz grave y expresiva… de ultratumba.

¿Tenía talento? Ciertamente. Pero se podría decir que era un “mal” actor secundario, básicamente porque opacaba a los protagónicos. Hasta Marlon Brando se sintió “amenazado” por él en el rodaje de One-Eyed Jacks (1961), según cuenta el libro Brando rides alone, de Barry Gifford.

Su vida no es menos interesante que sus apariciones en pantalla. Se dice que rechazó actuar en El Padrino porque no le vio potencial o que apareció en un estudio de Hollywood con armaduras para llamar la atención de algún productor. La fama le fue siempre esquiva. Los Beatles lo incluyeron en la mítica carátula de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band pero la foto quedó fuera del collage final. Quentin Tarantino lo convocó para Perros de la calle, pero Harvey Keitel amenazó con retirarse de la producción si tenía que actuar con él.

Sometido a los caprichos de la industria, Timothy Carey buscó su verdadero hogar en el underground, con una película insólita que dirigió y protagonizó en 1963: The world’s greatest sinner, en la que interpreta a un hombre común y corriente de los suburbios que decide formar una secta religiosa y reclutar fieles a fuerza de rock and roll. También tiene sexo con mujeres viudas que financian la organización. Pero el culto termina convirtiéndolo en un monstruo; un tipo arrogante y megalómano que se enfrenta a Dios en la escena final. Aunque Frank Zappa –quien hizo la banda sonora– la calificó como “la peor película del mundo”, entre los fans del filme están Scorsese y el mismísimo Elvis Presley. Pero pocos han visto The world’s greatest sinner, que tuvo un estreno solitario en algún cine periférico de Los Angeles. Hoy no está disponible en DVD y hace algunos años sólo se podía conseguir directamente con los familiares de Carey.

Ir a la caza de actores secundarios puede ser un deporte adictivo, pero Timothy Carey se merece más que el baúl de las trivias y las rarezas. Él cruzó tres décadas importantes del cine estadounidense (50,60 y 70) y dejó una de esas joyas cinematográficas que parecen no pertenecer a su época. Marisa Young y los que somos parte de su círculo lo sabemos. Porque, aunque murió hace 19 años, nunca es tarde para unirse al club.

 

Por Andrés Nazarala

Fuente:  http://www.mabuse.cl/

 

Ayer  23  de agosto del año 2010, partió nuestro amigo Francisco de la Puente, aquel pintor de barbas largas amigo de todos, ese pintor con el cual compartí momento inolvidables en su taller de Santiago y su rincón secreto ubicado en las montañas del Ingenio, suena extraño saber que ya no está, que su obra se fue, que sus risas estarán guardadas en lo más profundo de nuestra alma.

Cómo recuerdo que mi Tata Pablo –amante del arte y la pintura–  me decía que me acercara al taller de Pancho y  lo ayudara a limpiar sus pinceles que,  de esa forma aprendería pintura y algo para desasnarme, como decía mi abuela…..cosa que nunca hice.

Siento su muerte como propia, siento que se  fue una parte de mí….  Me recuerdo de su habilidad para la cocina, un gozador siempre atento de prepararte algo rico con las cosas más sencillas y compartirlas con un tinto, el cual nunca faltaba en la mesa y en la conversa.

Conocí el éxito de su carrera artística del cual no hablaré ahora, pero él siempre humilde y acogedor, cariñoso con su hermana Carmen, su cuñado Sergio y sus sobrinos Jorge, Sergio y Tomás, y conmigo…, como sobrino agregado.

Capa, te fuiste a comer a la mejor mesa tomando el mejor vino y nos dejaste, pero por algo lo hiciste. Siempre tuviste las cosas tan claras y decididas, tu forma de vida te llevó a no transar tus principios en nada, lo cual es un gran mérito.

Fuiste  testigo presencial en la noche que reencontré  a la Malu en el Ingenio, estaba en tu mesa, en tu casa, bajo el cielo más estrellado que existiera.

Cuando el domingo pasado fui a buscar el balón de gas a la casa de Jorge y vi tu  auto Citroen viejo y añoso estacionado, me alegré mucho por que estabas ahí, te saludé y te juro que me hubiera quedado toda una tarde hablándote y riéndonos, con la fuerte risa de Jorge de música ambiental, pero nos despedimos rápido, porque para variar yo estaba apurado y me miraste de frente con la vista fija y me dijiste ADIOS.

José Miguel Ferrada Montt

Mi querido amigo Francisco, el Marqués de Garriga, me mandó una maravillosa exploración en 3D de “Guernica“, la obra magna de Pablo Picasso, que pueden ver aquí.

Lena Gieseke, una artista de Nueva York, quien domina las más modernas técnicas de la infografía digital, decidió proponer una versión en 3D de la célebre obra y colocarla en Internet, en forma de video.

El resultado es fascinante y nos permite visualizar los detalles que, de otro modo, nos pasarían desapercibidos.  Recomiendo verla en pantalla completa.

“Guernica” es una obra impactante –una tela pintada al óleo de 782×351 cm– que Picasso presentó en 1937 en la Exposición Internacional de París.

La pintura, en blanco y negro, representa el dolor y la tragedia que sufrió la ciudad del mismo nombre por el bombardeo desde aviones alemanes el 26 de abril de 1937.  Esta obra actualmente está expuesta en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía, en Madrid.

Jumillano

Joseph Pearce (1961) es desde 2005 escritor residente y profesor de Literatura de la Universidad Ave María de Naples, Florida (USA).. Es conocido por sus biografías “best sellers” sobre literatos que pasaron por un proceso racional de conversión  al catolicismo.

Pearce, nos relata el proceso vivido por C.S.Lewis, J.R.R. Tolkien, Evelyn Vaugh, Chesterton, T.S.Eliot, Hilaire Belloc, Graham Greene, Christopher Dawson, Malcolm Muggeridge, Ronald Knox, Robert Benson, Dorothy Sayers, Edith Sitwell, Maurice Baring, Siegfred Sassoon, Alex Guinnes, Ernest Milton, Oscar Wilde, entre tantos otros, y el propio Pearce, quien -en su juventud- tuvo una fuerte historia de rebeldía y de violencia.

Pearce fue un agresivo skinhead y pertenecía a un movimiento racista inglés llamado National Front. Por sus acciones extremistas estuvo dos veces en la cárcel y fue allí que cayó en sus manos un libro de G.K. Chesterton, que le hizo reflexionar profundamente dándole un giro radical a su vida. Poco después se convirtió al catolicismo y busco un nuevo sentido a su existencia.

“Escritores conversos”

Para el autor, esta obra se justifica por la fuerza de las ideologías enfrentadas en el siglo XIX y en gran parte del siglo XX. Se plantea la influencia que ejercieron las ideologías en diferentes escritores y literatos, desde la revisión constante de sus contenidos y desde el espíritu libre y crítico que demostraron.

Pearce analiza la trayectoria de diferentes escritores conversos y desde la profundidad de sus escritos, describe su reacción ante la incredulidad y el laicismo manifiestos del mundo que les ha tocado vivir.
No se trata sólo de escritores sino de las influencias recibidas y del círculo de amistades y conocidos que poco a poco fueron cambiando su manera de ser y de pensar y compartieron sus inquietudes y creencias. Nos referimos a autores como C.S.Lewis, J.R.R.Tolkien, Evelyn Vaugh, Chesterton, T.S.Eliot, Hilaire Belloc, Graham Greene, Christopher Dawson, Malcolm Muggeridge, Ronald Knox, Robert Benson, Dorothy Sayers, Edith Sitwell, Maurice Baring, Siegfred Sassoon, Alex Guinnes, Ernest Milton, Oscar Wilde y tantos otros.
Es una obra que narra las experiencias y vivencias de múltiples personajes que encontraron en la verdad del cristianismo, el soporte y la claridad necesaria para avanzar en su madurez, a pesar de los dramas personales y del padecimiento de dos guerras mundiales que los marcaron profundamente.

No es una obra sobre un autor concreto, analiza la conversión de grandes literatos del siglo XIX y del XX, que tuvieron la necesidad imperiosa de exponer su decisión y explicar todo el proceso. Se cita constantemente a John Henry Newman, converso del anglicanismo y cardenal, porque muchos de los escritores son contemporáneos y le conocían o estuvieron influenciados por él.
El subtítulo parece sugerente y la lectura y el análisis del contenido lo confirman, “la inspiración espiritual en una época de incredulidad”.

El autor -Joseph Pearce- puede añadirse, debe añadirse a estos escritores conversos porque también se trata de su propia experiencia reflejada en estos grandes escritores conversos y de los que se declara deudor y prójimo.
A través de las obras de Chesterton, Pearce llegó al catolicismo en 1989, pero antes había destacado como activista anticatólico, y un firme opositor a la visita de Juan Pablo II a Inglaterra.

“Tolkien, hombre y mito”


Pearce escribió el libro “Tolkien, hombre y mito” al surgir una fuerte controversia -tras una encuesta realizada en Inglaterra- cuando “El Señor de los Anillos” fue escogido el mejor libro del Siglo XX
Pearce expresó entonces que “Tolkien puede ser el más popular de los escritores pero, también, el más incomprendido”. El libro ahonda en la personalidad de Tolkien y en los valores que surgen en “El Señor de los Anillos” que -para Pearce- son valores que manan del Evangelio: “Se da la percepción de que la Divina Providencia está del lado de la Comunidad y que, al final, ésta prevalecerá contra todos los pronósticos”. Como Tolkien dice: “Sobre todas las sombras cabalga el Sol”.

Jean D’Ovigny

Durante mi última visita al fascinante puerto de Hamburgo y, tras una típica y copiosa cena al más puro estilo alemán en el restaurante “Paulaner”, decidí dar una vuelta –junto a un grupo de amigos– por el mítico y marinero barrio de Sant Pauli, cercano al hotel donde nos alojábamos. Nos llamó la atención la gran cantidad de gente de todo tipo y edad que pululaba por sus calles, mezclados con grupos de turistas con su infaltable guía al frente. Decidimos seguir a uno de ellos –formado por italianos– a través de un estrecho callejón donde, inesperadamente,  nos topamos  con una placa conmemorativa en el lugar donde se encontraba el “Star Club”, el local donde comenzó a brillar el grupo musical más grande que ha dado la humanidad.

starclub amigos

Mis amigos de Hamburgo

Cualquiera conoce a los Beatles, pero no todos saben que su carrera empezó en Hamburgo. En 1960, los chicos de Liverpool llegaron a la ciudad. Hoy, su paso por estos lares se recuerda con monumentos y un nuevo museo.

Era el 17 de agosto de 1960. Sobre un escenario de la norteña ciudad de Hamburgo tocaban cinco desconocidos músicos de Liverpool. Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stuart Sutcliffe se hacían llamar por aquel entonces los “Silver Beatles” y nadie sospechaba aún que aquel día se estaba empezando a escribir un nuevo capítulo en la historia del pop y el rock.

En Hamburgo, los Beatles recaudaron sus primeros éxitos. Aquí nació su legendario e inconfundible “sonido”. “Hamburgo era uno de uno de esos sitios en los que las cosas transcurrían de un modo salvaje. La ciudad nos permitió desarrollar nuestro talento. En ella teníamos éxito”, dijo Peter Best, quien pronto fue sustituido en la batería por Ringo Starr.

“I don´t care too much for money”

El “Star-Club” les dio a los Beatles el “último empujón”. Mientras que en su ciudad de origen los Beatles apenas lograban contratos, Sant Pauli los integró desde el principio en su panorama nocturno. En este marinero barrio, marcado por las drogas, el sexo y la violencia, los de Liverpool recibían vítores y aplausos, los clubes hacían cola para verlos subidos a sus escenarios y el grupo tocaba una media de seis a ocho horas cada noche por un salario de 30 marcos. Las actuaciones eran duras: la cerveza, los bocadillos de Frikadellen (carne picada asada) y las pastillas las hacían más llevaderas.

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“Vivíamos en el cine Bambi, cerca de los cuartos de baño. ¡Es cierto!”, recordaba Paul McCartney. También la comisaría de policía la frecuentaban con regularidad, acusados de alterar el orden público. Los Beatles dejaban en los bares un reguero de deudas tras de sí, se subían al escenario en ropa interior y gafas de buceo o armados con banderas británicas para recalcar su patriotismo. Los enfrentamientos con el público eran habituales.

“A shot of rhythm and blues”

Escuchando a los Beatles, los jóvenes alemanes se rebelaban contra la melosa música popular que les gustaba a sus padres. “Éramos artistas sobre los escenarios de los bares hamburgueses. ¡Tocábamos un rock fantástico!”, aseguraba John Lennon, y el arte de fascinar a las nuevas generaciones lo dominaban tan bien que Horst Fascher acabó contratándolos para que animasen las noches de su Star-Club. “¡Aquí recibieron el último empujón!”, cuenta Fascher.

En Hamburgo, los Beatles grabaron su primer disco y, con una versión de My Bonnie is over the ocean, escalaron hasta el quinto puesto de las listas de éxitos alemanas. El fin de año de 1962, los cinco británicos dieron el que debía ser su último concierto en el Star-Club: los Beatles estaban listos para comerse el mundo.

“Get back to where you once belonged”

En 2008, el alcalde de Hamburgo inauguró una escultura: Harrison, Lennon, McCartney y Starr eternizados en acero y, al fondo, Sutcliffe, el quinto Beatle que murió en 1962 en Hamburgo a consecuencia de un derrame cerebral. Alrededor del monumento: unas 70 canciones del grupo grabadas en el suelo.

Hamburgo está orgullosa de haber servido de pasarela a los Beatles. El pasado 29 de mayo, casi medio siglo después de su primera actuación sobre un escenario hamburgués y tras 10 meses de intenso trabajo, la ciudad inauguró una exposición permanente dedicada al cuarteto: allí donde todo empezó, en las calles de Sant Pauli, un viejo museo del erotismo se retira y brinda cinco plantas de espacio para el culto a la “Beatlemanía”.

Autor: Michael Marek/ Luna Bolívar
Editora: Claudia Herrera Pahl
Fuente: http://www.dw-world.de/dw/article/0,,4296259,00.html

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“El arte de la fuga” (“Die Kunst der Fuge” BWV 1080) es una obra maestra de Johann Sebastian Bach: un único tema musical que se persigue a sí mismo –y también a sus múltiples variaciones– en un diálogo intenso, rico en simetrías, inversiones, ritmos y tiempos diferentes.

“El arte de la fuga” ( “Die Kunst der Fuge” BWV 1080) es una obra maestra de Johann Sebastian Bach: un
único tema musical que se persigue a sí mismo –y a sus múltiples variaciones– en un diálogo musical intenso, rico en simetrías, inversiones, ritmos y tiempos diferentes.

Glenn Gould – Die Kunst der Fugue – Contrapunctus I

Después de una obra inmensa, en cuanto a calidad y nobleza de ideas, Bach coronó su vida con el mensaje incompleto de su importante obra didáctica «El arte de la fuga», producción que sobrecoge a los técnicos por su inmensa trascendencia. Fue escrita en el último año de la vida del cantor de Leipzig (1749‑1750). Poco antes había compuesto para Federico II su «Ofrenda Musical». No obstante, «El arte de la fuga» sobrepasa en belleza a la obra anterior. Al referirse a esta producción, se habla de rigor matemático y de abstracción metafísica. Pero aclarado ya el horizonte lleno de brumas que desdibujaba y oscurecía la obra inmortal del autor de las «Pasiones», esta obra se nos aparece clara, refulgente y centelleante de viveza y espiritualidad.

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En los tiempos de Johann Sebastian Bach se juzgaba «El arte de la fuga» como una producción tan docta y complicada que solamente los elegidos eran capaces de comprender, y dado su carácter se la motejaba de música para la vista y no para el oído. Nada más lejos de la verdad. Bach se valió de una técnica perfecta y profunda para explicar ideas diáfanas y sublimes.  A medida que Bach arquitecturaba este monumento musical, se grababan las «fugas» siempre bajo su dirección. Los achaques físicos, la gravedad de sus males, se agudizaron de tal manera que ya completamente ciego y atacado de parálisis tuvo que abandonar esta obra. Murió sin verla acabada. No dejó tampoco ninguna nota aclaratoria a la presentación de estas «fugas», algunas de ellas muy difíciles de interpretar. Las escribió en cuatro claves diferentes. Ello hizo suponer a los musicógrafos de entonces que se trataba de una producción puramente teórica y pusieron sus manos pecadoras en esta partitura sublime, escrita originariamente para clave. Ayudó a esa profanación el hecho de que la última fuga de la obra apareciera sin acabar. Fallecido el cantor, su familia añadió al original de Bach, sin causa que lo justificase, todo lo que el gran maestro había compuesto en sus últimos meses de vida. Se encargó al musicógrafo Marpurg que escribiera el prólogo de la obra, cosa que hizo en términos tan malintencionados, que pese a los elogios que dedicó a esta obra el célebre Mattheson, en cuatro años sólo se vendieron treinta ejemplares.

El libro del Arte de la Fuga se compone de quince fugas y cuatro cánones, o más bien, a juicio de Spitta, de una gigantesca fuga en quince capítulos. La fuga aparece aquí en sus más diversos y ricos aspectos, desde la sencilla, doble, triple, hasta la «erizada por un doble contrapunto, complicada con alteraciones rítmicas o melódicas».  Algunos contemporáneos de Bach comentan que la obra del gran compositor era demasiado elevada para este mundo. Y esta creación, ante la cual sólo podemos admirarnos y asombrarnos, está arquitecturada y descansa sobre un único tema en re menor, «bastante insignificante e inferente por sí mismo».

La homogeneidad del inacabado opus es tan grande que las fugas requieren una ejecución conjunta. Interpretadas aisladamente pierden algo de su peculiar grandeza, y tan solo brillan esplendorosas cuando suenan agrupadas.

¿Qué ideas informan esta unión de piezas casi inseparables? Las más excelsas en Johann Sebastian Bach. Estas ideas suyas, que nos evocan, solemnes y gozosas, un mundo maravilloso de paz espiritual, alejado de nuestro mundo terreno y en el cual reina la serenidad y la pureza más viva de sentimientos, donde todo es bello, porque todo es bueno, bañado de misticismo, de cristiano fervor. Música que sosiega nuestro ánimo y nos habla de paraísos asequibles sólo a aquellos que, como Bach, poseen un alma noble y transparente.

La inacabada fuga del cuaderno ha intrigado siempre a los investigadores de la obra el gran maestro alemán. Algunas veces –demasiadas, por desgracia– se ha querido poner un personal colofón a la obra que la muerte dejó incompleta. Georg Darmstadt, compositor germano, lleva transcritas todas las fugas del libro para las diferentes variantes orquestales, e incluso la inacabada partitura del Arte de la fuga fue terminada por Darmstadt, prestándole un conjunto digno y majestuoso. También el músico inglés Donald Francis Tovey (1875‑1940), puso sus manos en esta obra y la acabó, pero en forma pianística.

Fuente: el-atril.com

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Castillo de Jumilla – Foto: Juanma Domínguez

El convento de Santa Ana de Jumilla perteneció -antes de la restauración de la Provincia franciscana de Cartagena- a la Custodia de los descalzos de San Pascual Bailón del reino de Murcia.

La fundación de este convento tuvo lugar el 4 de agosto de 1573, siendo Custodio el P. Francisco Ximénez, tomando posesión de la ermita de Santa Ana edificada en el siglo XV en presencia de autoridades y clero, dos frailes franciscanos de La Reforma Alcantarina.

Su estructura es barroca de los siglos XVII-XVIII, conservando el aspecto austero de estilo conventual. En su interior se conserva, en retablo del s. XVII, la antigua imagen de “La abuelica Santa Ana” con la Virgen y el Niño, obra probable de siglo XV con restauraciones sucesivas desde 1612 en que se doró y estofó por Fr. Cristóbal Moya.

La Iglesia, en el  cuerpo central de la fachada consta de  dos torres gemelas construidas en ladrillo y en la parte superior hay una imagen de la titular del templo. La reconstrucción de la fachada data de 1902.

El atrio exterior está rodeado de los pasos necesarios para rezar un “vía crucis“, todos ellos hechos con azulejerías valencianas.

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El convento de Santa Ana del Monte de Jumilla

La iglesia es de una nave central y otra lateral, que es capilla del Cristo atado a la Columna, de Salzillo.

El coro está situado sobre la puerta de la entrada y el crucero está separado del resto de la nave por una pequeña reja y un Cristo Crucificado, denominado Cristo de la Reja del siglo XVII. La ubicación del Cristo está planificada para que los monjes puedan contemplarlo desde el coro cuando realizan sus oraciones mientras se lleva a cabo la ceremonia.

El crucero está flanqueado por dos magníficos relicarios del año 1613 que contienen las reliquias  traídas por el Marqués de Villena a principios del siglo XVII desde Italia.

El retablo del altar mayor está presidido por una imagen de la abuela Santa Ana del siglo XV. Contiene ocho tablas. En el ático, sobre la imagen del  niño  de Santa Ana, la Impresión de las Llagas de San Francisco. A la izquierda del que mira el retablo, San Juan Bautista y debajo de él, San Jerónimo en la cueva de Belén, de rodillas, con la piedra en la rodilla derecha. A la derecha del que mira, con el Cáliz y el escorpión saliendo del Cáliz  y debajo el Doctor San Buenaventura en contemplación. En la predela  hay dos tablas pintadas con motivo de la vida de Santa Ana, Natividad de la Santísima Virgen  y Presentación de María niña al Templo.

En la capilla del Cristo de la Columna,  se encuentra  la talla de madera de ciprés policromada del mismo nombre, obra de Francisco  Salzillo (1707-1783) y tallada entre 1755 y 1756.

cristo-de-la-columna2Cristo de la Columna – Foto: Juanma Domínguez

Contemplándola se puede observar  la majestuosidad y profunda religiosidad  de esta obra, que queda descripta por el P. Salmerón de esta manera: “En la capilla de la Purísima  o de la comunión de la iglesia de Santa Ana del Monte, frente al Altar del Cristo del P. Malcebón  está el Cristo de la Columna, imagen de perfecta estatura, muy llagada y ensangrentada, y que mueve mucho a compasión, y está colocada en un nicho“. Es la obra más querida y más admirada por todos y la única que en la actualidad se baja y sube al convento en romería.

Salzillo, del que se conmemora este año el tercer centenario de su nacimiento, fue el hijo de un escultor llegado a Murcia desde Italia. Realizó casi toda su obra en madera policromada sobre temática religiosa, sin apenas moverse de la ciudad donde encontró los modelos y el color para sus bellas imágenes barrocas. Su prolífica producción se encuentra repartida en iglesias de Murcia (sobre todo), Cartagena, Jumilla, Lorca y Orihuela, entre otras ciudades. Además, su arte tuvo un epílogo en el de discípulos como Roque López.

Hoy en día, la Semana Santa murciana sigue mostrando en un puesto preferencial muchas de las imágenes que salieron de la gubia del artista. San Juan, San Pedro, La cena, La dolorosa, El beso de Judás, El prendimiento, La oración en el huerto son algunos de esas piezas de perfección barroca. Imágenes de gran vida y religiosidad, cuidadas hasta el más mínimo detalle, reflejo de la devoción del artista y la perfección de su arte.” El Cristo amarrado a la columna“, venerado en Jumilla y las imágenes de los Cuatro Santos, de Cartagena, son otras de sus obras destacadas.

Fuente y fotos de: regmurcia.com  y Juanma Domínguez

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Olsen, en su estudio del barrio madrileño de Lavapiés

El artista plástico, fotógrafo y escritor neozelandés afincado en Madrid, Charles Olsen –su pasión por la guitarra flamenca fue el motivo que le impulsó a elegir España como país de residencia– ha venido construyendo una obra de creación absolutamente innovadora empeñada en demostrarnos que el elemento lingüístico no es imprescindible para la comunicación literaria o pictórica. El artista sabe que la palabra es a lo sumo un elemento visual más, pero no el único ni el más importante. Si hemos de creer a San Agustín, quien afirmaba que la situación humana viene determinada por la experiencia de la oscuridad que nos envuelve, hemos de concluir que es justamente la palabra –aun la más inocente– la que mejor se presta al hermetismo, o a lo ya no significante en su propia estructura, a la destrucción. Así, la obra de Olsen –desconocida todavía para el gran público– se centra en la experimentación como concepción de un mundo que debe ser visto y también dicho de otra manera, y cuya mirada ha sufrido incomprensiones y desfiguraciones de todo tipo por parte de quienes entienden lo poético como algo restringido a la palabra. “La aspiración al arte puro –escribió Ortega y Gasset en los años veinte– no es como se cree a menudo, una forma de soberbia, sino al contrario una forma de gran modestia”. Y este es el caso de Charles Olsen –un artista modesto en el sentido orteguiano– que ha entendido que la función de la obra es la de manifestarse como una forma destruidora de formas, como una negación de las relaciones lógicas de la estructura convencional del lenguaje y todo ello sin la altanería retórica de algunos críticos, pero sí con la genialidad de un creador que ha sabido hacer de su arte una extraña forma de vida.

Los poemas visuales de este peculiar artista parecen seguir aquel verso tan radical de Alberto Caeiro: “Yo ni siquiera soy poeta: veo”. Así la mirada apacible de este artista –más irónica y desmitificadora que la del heterónimo pessoano– nos brinda una lección poética de quien, como este heterodoxo, no necesita la palabra ni el pincel para mostrar el mundo con intensidad, honestidad y ternura. “Cierro los ojos y percibo el mundo con el olfato y el oído… bailo, leo, sueño”, ha dejado escrito en el muro de su página web.

Casto Escópico

Me sorprendió mucho que durante la última reunión que mantuve en mi casa con un grupo de buenos amigos –todos músicos aficionados–, uno de ellos preguntara de quién era ese maravilloso blues que habíamos interpretado con tanta pasión y que, incluso, logró disimular nuestras imperfecciones en la ejecución del tema. Al tratar de explicarle quién era ese extraordinario guitarrista y cantante, caímos en la cuenta de lo relativamente desconocido y de lo poco que se ha hablado de él fuera de los círculos jazzisticos –si lo comparamos con otros grandes del blues– excepto por su inigualable interpretación y estilo que influyeron enormemente en muchísimos géneros musicales como el Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Es por ello que con la inestimable fuente de información que brinda Wikipedia, quiero dejar una pequeña reseña de este genial artista.

Luis Irles

 

La tumba de Muddy Waters en Aslip, Illinois

 

McKinley Morgan Field, más conocido como Muddy Waters, fue un músico de jazz estadounidense considerado por muchos el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Mississippi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Mississippi -por Alan Lomax- para la biblioteca del Congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio la guitarra acústica por guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación -para Chess Records- mostraba a Waters solo y guitarra , apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter, para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el “Jefe de Chicago“. Todas sus bandas fueron conformadas por los grandes del Blues de Chicago, tales como  Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros..

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: “Got My Mojo Working”, “Hoochie Coochie Man”, “She’s Nineteen Years Old” y “Rolling and Tumbling” son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Sus tours por Inglaterra -a principio de 1960- marcaron, posiblemente, la primera vez que una banda amplificada hacía Hard-Rock en ese pais. Los Rolling Stones tomaron el nombre por la canción de Waters de 1950 “Rollin´ Stone”, también conocida como “Catfish Blues”.

El gran hit de Led Zeppelin “Whole Lotta Love” está basado en la canción de Muddy Waters “You Need Love”, escrita por Willie Dixon, quien también escribió algunas de sus temas mas famosos “I Just Want to Make Love to You,” “I’m your Hoochie Coochie Man” y “I’m Ready.”

Otras canciones características de Muddy Waters son “Long Distance Call,” “Mannish Boy,” y el himno del rock/blues “I’ve Got My Mojo Working”

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

Muddy Waters  – Hoochie Coochie Man

 

Estimados Compipas: Hace más de tres mil años, en una caleta de pescadores, un soñador reunió a un grupo de hombres; les contó sus sueños y juntos iniciaron un proceso que cambió gran parte de la historia de occidente. Tres milenios después nos reunimos los Guachacas, para contarnos nuestros sueños que simbolizamos en este acto. Hoy inauguramos en La caleta el Membrillo de Valparaíso, El Primer Ascensor a la luna. Nuestros ingenieros Guachacas, han dicho, después de exhaustivos estudios, que este es el lugar apropiado para iniciar las obras de construcción.  Aquí frente al océano Pacifico, con la brisa de la costa. Aquí donde los navegantes confunden las estrellas con las luces del puerto, aquí donde está la gente humilde de Valparaíso. Sus pescadores.Muchos se preguntaran, ¿Qué significa esto? ¿Que importancia puede tener en un país cada vez más pragmático, que nos juntemos a inaugurar un ascensor a la luna?¿ Es acaso otra locura de gente irresponsable? Y nosotros respondemos que sí. Si es una locura, pero una locura hermosa, que no mata, no discrimina, ni contamina. Es una locura de gente enamorada, enamorada de la vida y de nuestra patria. En este ascensor pueden subir, todos quienes voluntad de belleza y vocación de justicia. Aquí entran todos nuestros sueños y nuestros anhelos. Aquí tienen pasaje gratis, todos quienes tienen alma de niño. 

¡Este ascensor es el Arca de Noe Guachaca! Y nos vamos a la luna con claveles y copihues, con longanizas de Chillan, con un buen pipeño para el camino. Llevamos cuecas y manzanas confitadas, sanguches de potito y chorrillanas. Y nos vamos a la luna, porque dicen que ahí no hay gravedad, y seamos honestos, aquí abajo hay demasiada gravedad. Como que la vida pesa demasiado, como que la vida se ha transformado en una seguidilla de problemas, encadenado uno tras otro, que ni siquiera nos deja tiempo para mirar las estrellas ni para enamorar un copihue. Quisiéramos aprovechar la presencia de tantos compatriotas, que como viñas salvajes se han extendido más allá de nuestras fronteras, para que lo cuenten. Díganlo fuerte, en Chile, en Valparaíso, se inauguró el Primer Ascensor a la Luna, y lo hicieron los Guachacas. Con el paso de los días, vendrán a este lugar muchos hombres y mujeres enamorados a contarse sus sueños y a fotografiarse frente a esta locura que nos hace más humanos, más hermosos y más chilenos. Si es así, habremos cumplido nuestra labor y nada habrá sido en vano. Quisiéramos concluir, citando un viejo proverbio chino que dice “Los Chinos nunca hemos hecho un proverbio” Y con una frase del “taquilla” zapatero de Lontue que señala “Ningún hombre a visto la esperanza, ni siquiera se imaginan como es, pero sin ella ninguna caravana, habría atravesado el desierto”

En Valparaíso, en el día trece del séptimo mes, del tercer milenio. Se da por inaugurada las bases del primer ascensor a la luna. Para honor y gloria de quienes mantienen en alto sus sueños e ideales.

¡Viva Valparaíso, Capital Guachaca de la Humanidad!!¡ Viva el primer ascensor a la Luna!!¡ Vivan Los Guachacas!!¡¡¡ Viva Chile, Mierda!!!

Discurso oficial de inauguración del Primer Ascensor a la Luna.(Texto de la alocución del Guaripola Guachaca Dioscoro Rojas)

Hace siete años, mientras se celebraba en Santiago la Cumbre Presidencial, Dióscoro Rojas, Raúl Porto y sus amigos, reunidos en el bar La Piojera, centro de operaciones del grupo, decidieron entre pipeños y risas celebrar la Primera Cumbre Guachaca. Un evento inédito en el cual, por primera vez en siglos, fuera de las fondas dieciocheras y en plena capital del país, el pueblo tendría la libertad de expresarse y compartir con todo el mundo sin tapujos, sus gustos, su música, sus dichos, sus comidas, sus ideas, sus anhelos y sus tragos.

“Humildes cariñosos y republicanos, chilenos todo el año”

Ya son una verdadera tradición las celebraciones que se realizan en el Centro Cultural Estación Mapocho, para reunir a una diversa galería de cantores, poetas, cuequeros y variados artistas en torno al ambiente y manifestaciones propias de la cultura popular urbana de bares, peñas, picadas y quintas de recreo. Se trata de las Cumbres y Fondas Guachacas. La iniciativa de Dióscoro Rojas y sus secuaces, surgida hace siete años, ya se proyecta no sólo como festividades anuales, sino también como un movimiento, que con humor y creatividad, sale en defensa de una chilenidad farrera y picaresca, aficionada al vino, la conversación, la guitarra y el romance.

La honrosa identidad guachaca, que saca la lengua a los “cuicos”, al desprecio clasista y a la negación extranjerizante.

Pero el asunto no se queda en pura fiesta, y el grupo se ha articulado como un movimiento en la lucha por el rescate y valorización de la tradición guachaca, entendida como lo más genuino y espontáneo de la cultura popular urbana. Apoyándose en la pluma ingeniosa de Porto, los guachaca se han dedicado a amasar durante todo este tiempo una serie de propuestas, reinvidaciones y lemas que han infiltrado en la opinión pública no sólo a través de sus tradicionales Cumbres, sino también de inverosímiles cruzadas de las que el Parlamento no ha podido escapar. 

El gran Fermento Guachaca:
 

La ley que estipula el corto de pisco a la subida de los ascensores, para evitar la puna; la “Ley del medio pato”, propuesta como alternativa al Seguro de Desempleo; la denominada “Ley del bigoteado” que establece la “chuica común”, así como la que autoriza la construcción de un tranvía en Valparaíso, ciudad declarada “Capital Guachaca de la Humanidad”, que haga el circuito nocturno entre los bares Cinzano, Valparaíso Eterno y J. Cruz forman parte de sus múltiples, descabelladas y divertidas iniciativas legales enviadas al congreso. Otra de sus loables iniciativas es la celebración del mes de la patria con una gran fonda con asado y espectáculo incluido, para 500 patriarcas del Hogar de Cristo.

El “Día de los Inocentes” no podía quedar fuera de sus gestiones, el 2002 su mensaje central para los medios de comunicación fue decir que “aqui somos más los inocentes que los culpables, que queremos desarrollo y justicia social, pero sin soltar la mano de la inocencia”. Bajo esta premisa realizaron una misa en la Catedral de Santiago, con la participación de 1200 personas, incluidas cuecas y entrega de 800 pañuelos. La actividad fue cerrada con una visita a La Moneda, donde le hicieron llegar una carta al entonces Presidente de la República, Ricardo Lagos.

En fin, el humor no puede quedar afuera de cada una de las gestiones de la Delegación Guachaca. Mucho güendy.

 

Fuente: Corporacion Patrimonio Cultural de Chile (nuestro.cl)

El 11 de agosto de 1956 –es decir, hace exactamente 52 años– moría en un trágico accidente de automóvil ocurrido en la localidad de Springs, en Nueva York, uno de los artistas plásticos más importantes e influyentes del siglo XX. Nos referimos al gran pintor estadounidense Jackson Pollock, el miembro más destacado –junto a De Kooning— del llamado expresionismo abstracto.


Nacido en Cody, Wyoming, Pollock estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El artista estuvo viajando por el país, realizando cientos de dibujos de la geografía física y humana de los Estados Unidos. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York). A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, tendencia pictórica de la que fue el representante más conocido y destacado,  desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar colocados en el suelo… Después los trabajaba o extendía con palos u otras herramientas, e incluso a veces dándole una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Pollock fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

Sus obras, que siguen ejerciendo una gran influencia en la pintura actual, son cada vez más valoradas y se hallan expuestas permanentemente en los principales museos de arte moderno del mundo, especialmente en el MOMA y en el Guggenheim de Nueva York.

De casualidad, y a través de un correo de mi querido amigo Frank Jagger  -el último explorador de Africa-, tuve conocimiento de este extraordinario músico africano, que transmite en sus canciones esa fuerza, resignación, esperanza y llamada de auxilio a todos los pueblos, sobre la tremenda indiferencia, abandono e insensibilidad -por parte de todos nosotros-  en que los tenemos.

 Los que hemos tenido la suerte de conocer ese maravilloso continente, de extraordinaria variedad de pueblos, paisajes y culturas, captamos en su canto, además,  un profundo lamento de dolor y rabia en contrapunto con una inmensa ternura.

Les recomiendo vean en youtube sus conmovedoras composiciones.

Luis Irles

 

Este músico y pintor, nacido en Níger (1956), pasó la mayor parte de su infancia y juventud en Senegal, donde creció musicalmente escuchando mbalax  y discos de Otis Redding, Wilson Pickett, o Jimi Hendrix, que encontraba en las colecciones de sus hermanos.

La carrera musical de Ismaël Lo está salpicada de anécdotas, siendo la más famosa aquella con la que se ganó el apodo de “hombre orquesta” al aparecer en televisión con una guitarra de una sola cuerda, creada con sus manos a partir de un trozo de madera y un hilo de pescar, una armónica, y su voz. Aquel joven quinceañero, al que pronto llamarían “el Bob Dylan africano”, ya que había decidido que su vocación era la música.

De origen muy humilde, actuó durante casi un año en el club Coco Loco, de la Playa del Inglés (Islas Canarias), donde también le dejaban colgar los cuadros que pintaba, antes de ser considerado uno de los grandes de la música de Africa. Ismaël se hizo notar, en los primeros años 80, militando en la clásica banda de Dakar “Super Diamono”, y desde hace ya más de una década, cuenta sus historias en solitario. En algunas ocasiones no necesita más que una guitarra acústica y una armónica. En otras, una sólida banda le anima la retaguardia.

Ismaël Lo es un artista de la ciudad y sus canciones así lo reflejan, tanto en las letras como en la música. Es un trovador contemporáneo que canta a las cosas que le rodean y los sentimientos que le provocan, generalmente en francés, wolof u otros dialectos de su tierra. Su sonido es una mezcla de ritmos tradicionales actualizados y elementos más propios de occidente, sobre los que destaca su voz: vital, sedosa y emocionada, especialmente cuando canta baladas que son lo más importante de su repertorio.

El director de cine español Pedro Almodóvar eligió el tema Tajabone de su disco Jammu Africa. Es la única canción de autor que figura en la banda sonora de su película ganadora del Oscar “Todo sobre mi Madre”.

Formación:

Ismaël Lo – Voz, guitarra y armónica
El Hadj Malick Diouf – Guitarra Solista
El Hadj Oumar Faye – Percusión
Abib
 

 Fuente:  Musicas del Mundo

                                        Ismaël Lô  –  Jammu Africa –

Me esperaba mi querido amigo patagón, Fernando, –en el aeropuerto de Balmaceda, en su viejo y destartalado jeep–  para por fin, después de tanto soñar con ello, poder iniciar un corto viaje de dos días y conocer, al menos, algo de esa región de  indescriptible y sublime belleza que es la Patagonia de Aysén.

Pensé que después de haber estado en Las Torres del Paine, Alaska y los fiordos noruegos –sólo por citar  algunos lugares de características similares–, sería imposible sorprenderme nuevamente pero, tras habernos desplazado unos cuantos kilómetros al sudoeste  de Balmaceda,  no podía dar fe de lo que veían mis ojos. Tras cruzar la “Villa Cerro Castillo”, en dirección a Puerto Murta, el entorno de las montañas nevadas, ríos  y vegetación salvaje iban penetrando en mi alma  haciéndome sentir la pequeñez del ser humano, ante esos inhóspitos y desolados paisajes que me recordaban constantemente que “solo Dios ha podido crear tanta belleza”

Tras dos horas y media de Carretera Austral, bastante bien llevadera, llegamos a Puerto Murta –pueblo natal de mi entrañable amigo Ferrnando–,  al comienzo del lago General Carrera y, que es, el segundo  más grande de América del Sur (la región de Aysén es una de las mas extensas de Chile, con casi once millones de hectáreas y una población de menos de 100.000 personas).

Nuestra ruta estaba pensada en llegar a Chile Chico bordeando todo el lago y , por supuesto, con previa parada en la Catedral de Mármol para -la mañana siguiente- llegar al nacimiento del río Baker, Cocrhane, Caleta Tortél y Puerto Yungay.  En fin, hasta los pies del Campo de Hielo Norte, si nos daba el cuerpo y el viejo jeep.

El tiempo se nos pasó sin darnos cuenta y la noche se acercó por sorpresa. Tuvimos la suerte de llegar a un pequeño y exclusivo lodge a orillas del lago y conseguir una pequeña cabaña , ya que el administrador conocía a Fernando. Una vez acomodados –y dándonos cuenta que no habíamos comido nada en todo el dia– nos dirigimos al Club House para deleitarnos con un buen filete del sur y un mejor caldo (Cavernet Souvignon) de nuestra tierra. Mientras disfrutábamos  la cena, veíamos por el enorme ventanal  las montañas nevadas que se reflejaban en el lago, gracias a la enorme luna llena que coincidió esa noche.

No había más de cuatro mesas y eramos unos cuantos comensales cuando, repentinamente, se abrió la puerta del comedor y, junto con una ráfaga fria de viento, entraron ellos….  ¡No podía creerlo!

Una de las parejas más famosas del mundo cinematográfico y artístico se sentaron a nuestro lado. Estaban absolutamente felices y despreocupados al estar alejados del mundo y tener la certeza de poder pasar desapercibidos de todos los medios. Nos sonrieron con gran simpatía y sencillez y preguntaron qué tal era el vino que estábamos bebiendo… Al instante y de manera natural nos sentamos los cuatro en la misma mesa haciendo brindis por Chile y, sobre todo, por la Patagonia de Aysén.

Tras la cena –y ya en confianza– alrededor de la chimenea, con un buen scotch en la mano, nos contarón el motivo de su presencia en el fin del mundo: Tenían en Nueva York, entre tantas otras cosas, el principal estudio de grabación para las grandes figuras de la música actual y uno de sus grandes amigos, John Dever –que era un enamorado del sur de Chile– siempre les hablaba del proyecto de hacer un “estudio mágico” en la Patagonia chilena, donde traer a sus amigos por el tiempo que quisieran y, en ese entorno mágico de belleza , tranquilidad y aislamiento, –conjugado la última tecnología con la máxima comodidad–, los famosos músicos y artistas invitados pudieran crear y desarrollar sus mejores proyectos de arte.

Tenían ya prácticamente decidido donde lo harían y, también, seríamos de los pocos invitados con el privilegio de poder conocerlo en el momento oportuno. Terminamos de madrugada sintiéndonos verdaderos amigos y, el día siguiente, lo pasamos juntos en la estancia de Fernando.  Así de fascinante es a veces la vida…

Sé que estáis esperando saber quienes son esta famosísima pareja, pero prometimos no dar nombres ni detalles y –hasta ahora–  siempre trato de cumplir con mi palabra.

Luis Irles

PATAGONIA DE AYSÉN

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Espero -con gran ilusión- recibir vuestras colaboraciones, comentarios, fotos, vivencias y correos, que puedan ayudarme a ir desarrollando este Blog. El Faro del Fin del Mundo pretende seguir una línea entretenida y diversa -aunque debo confesar mi debilidad por los temas náuticos- pero, al mismo tiempo, publicando narraciones, poemas y textos de calidad y, por qué no, también con historias divertidas. El humor, no lo olvidemos, es importante en nuestras vidas. Gracias de nuevo.

Luis Irles

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