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Las lágrimas de San Lorenzo

Chistian Mülhauser, suizo, subió, entre agosto y octubre de 2012, tres veces a la montaña más famosa de Suiza, el Matterhorn, para hacer esta buena y bella película/vídeo de 4,15 minutos. Se quedó a dormir algunas noches a 2.700 m. y con una temperatura de -12º centígrados. A esa altura y sin contaminación lumínica los cielos son una maravilla.
La música es de Roberto Cacciapaglia.

Vimeo.com

Para el compositor y director de orquesta Pierre Boulez, «sólo a Debussy podemos situarlo junto a Webern en una misma tendencia a destruir la organización formal preexistente en la obra, en un mismo recurrir a la belleza del sonido por sí mismo, en una misma pulverización elíptica del lenguaje». En detrimento de la tríada Stravinski, Schönberg y Bartok, para Boulez el verdadero precursor de la música contemporánea es este músico francés: sin su obra no se entendería no ya la de Ravel, sino tampoco la de Edgard Varèse u Olivier Messiaen. Fue Debussy, quien, al romper con la forma clásico-romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante, abierto a posibilidades infinitas. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner, establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros que rigen la composición musical. A pesar de ello, no hay que ver en Claude Debussy, un artista iconoclasta que reacciona contra el legado del pasado: la tradición, sobre todo la del Barroco francés, reviste una trascendental importancia en su música, particularmente en sus últimas composiciones, tales como las tres sonatas de cámara. Esta dualidad otorga al legado debussysta su perenne actualidad.

Nacido en el seno de una familia modesta sin preocupaciones artísticas, desde pequeño gozó de la protección de un acaudalado mecenas, Achille Rosa. Una discípula de Chopin, madame Mauté de Fleurville, lo preparó para afrontar las pruebas de acceso de París, que Debussy superó con brillantez cuando contaba diez años. En la época que pasó en dicha institución, el joven músico empezó a distinguirse por su inconformismo, su desprecio por las reglas académicas y su singular imaginación en el terreno de la armonía, cualidades que le acarrearon la enemistad de los profesores más conservadores. Aun así, en 1884 obtuvo el máximo galardón que concedía el Conservatorio, el prestigioso Premio de Roma. Sus obras de ese período revelan la fascinación que el futuro autor de Pelléas et Mélisande sentía entonces por la música de Wagner. Su estilo no empezó a adquirir un carácter personal hasta La demoiselle élue, cantata de inspiración simbolista que en su ambigua armonía y su gusto por lo indeterminado, la insinuación matizada y el ornamento refinado anuncia ya algunas constantes de su producción. Aunque en numerosas ocasiones se ha calificado su música de «impresionista», lo cierto es que se halla más cerca de la poética simbolista que del impresionismo pictórico de Monet o Pissarro.

En 1894 llegó su primera gran obra maestra, el Preludio a la siesta de un fauno, partitura orquestal inspirada en un poema de Mallarmé en la cual la música adquiere una dimensión puramente sonora. Algo similar puede decirse del posterior Pelléas et Mélisande, un drama lírico que sobresale por su atmósfera evocadora e indefinida, alejada de todo pathos posromántico. Su estreno convirtió a Debussy en el jefe de filas de la nueva generación de músicos franceses, a pesar de la hostilidad con que esta ópera innovadora y audaz fue acogida por la crítica y un sector del público. El tríptico sinfónico La mer supuso un nuevo salto adelante en el desarrollo de su estilo y un alejamiento de la estética de Pelléas que no todos sus seguidores comprendieron. Estrenada esta partitura en 1905, ese mismo año estuvo marcado por el escándalo público que supuso el divorcio del músico y su unión con Emma Bardac, esposa de un rico banquero. Los últimos años de Debussy estuvieron marcados por el cáncer que acabaría con su vida y por la Primera Guerra Mundial, a raíz de la cual su ideología y su música derivaron hacia posicionamientos de clara inspiración nacionalista.

Fuente: http://www.biografica.info/

Mi querido amigo Francisco, el Marqués de Garriga, me mandó una maravillosa exploración en 3D de “Guernica“, la obra magna de Pablo Picasso, que pueden ver aquí.

Lena Gieseke, una artista de Nueva York, quien domina las más modernas técnicas de la infografía digital, decidió proponer una versión en 3D de la célebre obra y colocarla en Internet, en forma de video.

El resultado es fascinante y nos permite visualizar los detalles que, de otro modo, nos pasarían desapercibidos.  Recomiendo verla en pantalla completa.

“Guernica” es una obra impactante –una tela pintada al óleo de 782×351 cm– que Picasso presentó en 1937 en la Exposición Internacional de París.

La pintura, en blanco y negro, representa el dolor y la tragedia que sufrió la ciudad del mismo nombre por el bombardeo desde aviones alemanes el 26 de abril de 1937.  Esta obra actualmente está expuesta en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía, en Madrid.

Jumillano

Buscando información sobre mi admirado Vicente Huidobro encontré -en Wikipedia- que él era uno de los grandes exponentes del género nonsense, tal como Eduardo Chicharro, León de Greiff, Julián Ríos, Oliverio Girondo, Jorge Enrique Adoum y Guillermo Cabrera Infante, entre otros muchos.

El nonsense pertenece a una familia más grande de juegos de palabras, donde también cabe incluir a los limericks de Edward Lear, las palabras maleta de Carroll y las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, pero la característica más distintiva del nonsense es no tener sentido, ser decididamente absurdo.
Nonsense es una figura literaria que puede ser en verso o en prosa, que busca generar, juegos de palabras que trasgreden las formas comunes de la sintaxis y la semántica, juegos que resultan extraños, comúnmente humorísticos y absurdos. Literalmente “nonsense” significa “sin sentido”.


Dentro de éste género de juego de palabras, me llamó la atención las “palabras maletas” de Carrol -que desconocía- y que consiste en una fusión de dos palabras creando otra nueva de imprevisible significado respecto a las anteriores o, simplemente,  fusión de los significados.
Se me ha ocurrido que sería divertido jugar con mis querid@s amig@s  de éste Faro a crear nuevas palabras maletas,  convencido de que recibiremos un montón de ellas, conociendo el ingenio y capacidad de todos los que  nos visitan.
Para empezar el juego y motivaros, pondré unos cuantos ejemplos sacados del “Diccionario Samsonite” :

Acongojonado: acojonado al cuadrado.
Adúltoro.- Que le pone cuernos a su vaca.
Anocente.- Culo libre de culpa.
Beodoble.- Persona que, por su desmedida afición al alcohol, sufre disfunciones visuales
Broncemado.- Color negrillo que presenta la piel tras una excesiva exposición estival al sol.
Ciberdespacio.- Acceso a Internet que sufren la mayoría de usuarios.
Coñocimiento.- Entendimiento sobre una cuestión femenina.
Demoño.- Diablo, espíritu del mal, con el pelo recogido en la parte posterior de la cabeza.
Dialento.- Variedad regional de una lengua que se caracteriza por su pausada pronunciación.
Estrofado.- Guiso de carne compuesto poéticamente.
Follastero. El que no es de este meuble.
Fugitimo.- Que anda huyendo o escondiéndose de las personas a las que ha timado.
Indiota.- Natural de la India que muere de hambre contemplando una vaca.
Imputada.- Atribución de culpa que fastidia por inmerecida.
Matemágico.- Dícese del problema de aritmética que se resuelve solo.
Mientecato.- Persona necia que falta a la verdad.
Mefistofálico.- Pene diabólico.
Melancoholia :al final de la noche de madrugada (melancolia+alcohol)
Melonmanía.- Afición desmedida por los melones.
Mendiego.- Pedigüeño que se desdice y donde dijo digo dice diego.
Moriburdo.- Que está muriendo, pero de manera tosca y basta.
Neción.- País de gilipollas.
Palizía.- Cuerpo encargado del mantenimiento del orden, a base de caricias, mimos y arrumacos.
Patático: Dícese de aquella persona o circunstancia tan patética que ni siquiera es merecedor de dicho calificativo.
Remera.- Puta con piragua.
Trespiés.- Tropezón del famoso gato al que le buscaron y encontraron el tercer pie.
Trimeo.- Vehículo sin ruedas para mear sobre hielo.
Virgilante.- Persona que está despierta o vela para no perder su virginidad en un descuido.

Jean D’Ovigny

Son llamados incunables (del latín incunabulae, en la cuna) los libros impresos con tipos móviles desde la aparición de la imprenta hasta el año 1500 inclusive. Fue posiblemente Cornelius Beughem quien empleó la palabra por primera vez, en su Incunabula typographiae (1688).

incunables

En dicho período la industria tipográfica todavía no se había especializado: el impresor era dueño y manipulador de la prensa, fundidor de tipos, fabricante del papel, encuadernador, editor y librero. Era artesano, artista y erudito. Algunos de ellos dejaban una “marca de agua” en el papel que fabricaban, de esa manera sabemos quién la editó; pero hay muchos que carecían de firma y fecha, aunque hoy en día, estudios científicos que analizan los tipos de fundición utilizados, han ayudado a catalogar la mayoría de las ediciones existentes. Son documentos históricos que, por primera vez, pusieron la cultura al alcance de todos.

El término ‘incunable’ hace referencia a la época en que los libros se hallaban en la “cuna”, haciendo referencia a la “infancia” de la técnica moderna de hacer libros a través de la imprenta. Así, son reconocidos como incunables los libros impresos entre 1453 (fecha de la invención de la imprenta moderna) y 1500, procedentes de unas 1.200 imprentas, distribuidas entre 260 ciudades, con un lanzamiento aproximado de 35.000 obras distintas.

A Johann Gutenberg, de Maguncia, se le atribuye la invención de los caracteres móviles fundidos. Los primeros incunables salieron de su imprenta: entre ellos destaca la Biblia de Gutenberg (1453-55), en latín, de 42 líneas. Durante los primeros treinta años, la imprenta se expandió por Europa occidental y comenzó a dividirse en diferentes actividades especializadas. Los libros no tenían portada con caracteres, al principio, en letra gótica y las palabras presentadas con no pocas abreviaturas, imitando a los códices. Pero ya en el mismo siglo fueron adoptándose otros tipos de letras, especialmente la redonda o romana, la veneciana o itálica y cursiva, mucho más legibles que las primeras y que al fin prevalecieron sobre estos (salvo en Alemania) desde comienzos del siglo siguiente. Hacia finales de éste, se introdujo el tipo elzeviriano (del holandés Elzevir) más delgado que los anteriores y después siguieron otros caracteres de fantasía con la gran variedad hasta los de hoy en día.

Imprenta

Tipos de incunables

Antes de los tipos metálicos móviles, se usaban planchas de madera fija, que dieron lugar a los incunables xilográficos, entre los que destaca la Biblia Pauperum y la Biblia de los pobres. Los protoincunables son los libros impresos en los primeros talleres, entre 1472 y 1480. A su vez, se denominan post-incunables aquellos libros impresos a principios del siglo XVI que por error o debido a una insuficiente información han sido clasificados como incunables.

El primer impreso español que se conserva en la actualidad es el Sinodal, impreso por Juan Párix de Heidelberg (Johannes Parix) en 1472 que contiene unas actas de una reunión celebrada en Segovia. Incunables españoles de gran valor son la Biblia (impresa en Valencia en 1478), Los doce trabajos de Hércules (originalmente escrita en catalán con el título Los dotze treballs de Hèrcules) de Enrique de Villena (Zamora, 1483), Tirante el Blanco de Joanot Martorell (Valencia, 1490), Gramática de la lengua castellana de Antonio de Nebrija (Salamanca, 1492) y la primera edición de La Celestina de Fernando de Rojas (sin fecha ni lugar de impresión).

Entre las ediciones más importantes de incunables, se encuentran las de Gutemberg, Nicolas Jensen, William Caxton, y Aldo Manuzio.

El musicólogo Piotr Nawrot, cabeza y alma del Festival de Chiquitos, explica por qué la música barroca americana fue más elaborada e intensa que la europea. Y revela el rol de los chilenos en la recuperación de este patrimonio.

misiones_jesuitas_ruinas_de_san-miguel1 Ruinas de la misión jesuita de San Miguel

La combinación fue explosiva: en el corazón de la selva Jeremy Irons y Robert De Niro eran dos misioneros sorprendidos por las habilidades musicales, supuestamente vírgenes, de los indígenas. “La misión” (1986) conquistó al gran público. Sin embargo, la música no era de los siglos XVII o XVIII, sino de días atrás. La acababa de componer Ennio Morricone, a pesar de que repertorio original había, y de sobra. “Si querían reconstruir la historia de las misiones, deberían haber utilizado la música de Moxos que entonces ya se conocía gracias al musicólogo chileno Samuel Claro”, revela Piotr Nawrot, director artístico del Festival de Música Barroca de Chiquitos (Bolivia).

Ya en 1966, Claro había catalogado dos mil páginas de música de la reducción jesuítica de Moxos, que hoy ya se han convertido en más de siete mil. Y lo mismo pasa en Chiquitos. Algunas partituras estaban en las viejas iglesias, pero la mayoría, en los hogares de los habitantes. Eran su tesoro más preciado, y sólo lo entregaron al comprobar que se volvía a tocar la música de sus ancestros.

“Cuando los jesuitas fueron expulsados (1767), la gente ya no tenía liturgias, pero seguía reuniéndose y tocando esta música, porque es su historia y su fe”, explica Nawrot, musicólogo polaco y sacerdote. Además, hacían sus propias copias, práctica que sigue vigente en el siglo XXI en Moxos.

“El indígena añade su propia personalidad al instrumentalizar las obras -o arreglarlas-, y por eso la música barroca de las misiones es mucho más sacra que en las catedrales de Europa. ‘Renunciemos a dos coros, hagamos solo uno, y en vez de una gran orquesta, hagamos algo simple’, dicen, porque para ellos la alabanza a Dios es más importante que el despliegue virtuoso”, revela el polaco. Por lo mismo, los compositores indígenas no firmaban sus obras. No lo necesitaban: eran los protagonistas de la fe. En las misiones se cantaba en lengua originaria.

Ya en el siglo XVIII, la selva era un tentador escenario musical incluso para el compositor con el mejor trabajo del mundo religioso: Domenico Zipoli. “Era maestro de capilla de la Chiesa Gesú en Roma, pero lo abandona todo y se viene cuando escucha la noticia de que los indígenas son muy buenos músicos”. Mientras estudia para ser sacerdote en Córdoba (Argentina), compone y envía a las misiones sus trabajos. Pero enferma y muere en 1726. No obstante, su música sobrevive hasta hoy, en dos versiones: una chiquiteña, y una moxeña, de acuerdo con cuáles indígenas la arreglaron.

Nawrot retoma la palabra: “La música acompañaba cada momento del día. Si salían a la chacra a trabajar, iban tocando flautas y tamborines. En cada pueblo misional había al menos 30 músicos profesionales, que empezaban a formarse a los seis años. En América, la música fue más elaborada y más intensa que en Europa. El propio Papa Benedicto XIV pone a las reducciones como modelo para las iglesias europeas, ya que los misioneros utilizan la música como instrumento de evangelización. Yo, que soy cura, creo que el Rosario, que repite 50 veces el Ave María, es una linda oración. Pero si entro en una iglesia y alguien canta un Ave María acompañado de instrumentos, la influencia estética y espiritual que tiene sobre mí es mayor que repetir 50 veces lo mismo”.

misiones-chiquitos1

Misión jesuita de Chiquitos

El repertorio sacro de las misiones es impresionante. “Corresponde a casi todos los momentos del año litúrgico: misas, vísperas, letanías, óperas sacras, antífonas marianas y música instrumental. El ordinario de la misa se cantaba en polifonía, y, entre Chiquitos y Moxos tenemos más de 80 misas polifónicas”.

En Moxos está todo el repertorio musical de la Semana Santa, en lengua indígena. Además, se está recuperando el acervo de las misiones franciscanas, y Chile tiene un rol estelar. Syntagma Musicum, de la Usach, reestrenó en 2008 las Misas Prohibidas de Guarayos. Antes había grabado los cantos catequéticos en mapudungún del Cancionero Chilidugú del padre Havestadt (1777), acervo chileno que testimonia la fusión mágica de la música y la fe.

En el Festival de Chiquitos han participado también Les Carillons, de la Universidad de Chile y Estudio MusicAntigua, de la UC, entre otros. La mayoría de los conciertos se realizan en las antiguas reducciones y son gratuitos. Su financiamiento es mixto. Con un presupuesto de 240 mil dólares, en 2008 hubo más de 130 conciertos, con casi 90 mil asistentes.

Romina de la Sotta Donoso
Fuente: El Mercurio.com

Abel García, “un fiel seguidor de El Faro” como él mismo se define, nos ha enviado desde Bogotá este interesante artículo con el ruego de su publicación. Desde siempre, este blog ha estado abierto a la colaboración de sus lectores, así que lo hacemos encantados agradeciéndole sinceramente al amigo Abel su interesante artículo.

paz

El hombre, como creador de todas las cosas, oculta a veces su gran poder escondido detrás de sus propios demonios, que son: el miedo, el desconocimiento y su falta de amor a sí mismo. No tenemos que ir a buscar la repuesta a ningún sitio, esa respuesta que nos inquieta y nos preocupa sólo la tenemos nosotros. Tan sólo tenemos que “aprender” que en nuestro cuerpo existe algo más que lo que llamamos cabeza, o dicho de otra manera, mente, la cual creemos que sólo nos sirve para resolver problemas y decir aquello de: “pienso, luego existo”.

Pues no es así. Hay una frase importantísima que todos hemos oído constantemente: “Dios hizo al hombre a su imagen y semejanza”, y seguimos desde entonces sin ser totalmente conscientes de lo que ello significa.

El hombre es creador y esa es precisamente la semejanza a la que se refiere la frase. La creación del hombre es a través de su pensamiento, creando por lo tanto su propia realidad. Esta realidad es tan importante que incluso creamos nuestra propia mente. El 90% de los inventos no fueron causados porque les llegó la hora; sino por el propio hombre, ya que estamos creados para vivir mucho más tiempo del que vivimos, pero no cuidamos nuestra envoltura (o sea, nuestro cuerpo) y no disponenemos de todo el tiempo que necesitamos en una vida para evolucionar lo máximo posible.

Otra gran realidad, con relación a la mente creadora del hombre, es que cuando el cuerpo enferma no es ni más ni menos que la manifestación física de alarma que nos está indicando nuestro cuerpo, de que algo está mal en nuestro estado emocional. Como respuesta, seguimos tomando medicamentos para intentar resolver el problema. Todavía no somos conscientes de esa creación propia y menos de aceptarla individualmente.

A esto yo le llamo “la sanación del alma”, ya que el alma es el componente de todos nuestros sentimientos, tanto positivos como negativos. Para ello existen unos tipos de terapias tan sutiles como sutil es el alma, como son: la relajación, visualización, etc. que nos pueden ayudar a conocernos a nosotros mismos.

Conocer nuestro cuerpo, aprender a controlar y dominar nuestra mente iluminada y tomar conciencia de todo lo que somos y lo que podemos ser y crear. Sanar nuestra vida y nuestro cuerpo y sentir nuestro espíritu creciendo con un nivel de conciencia cada vez más elevado para saber que todo fluye desde nuestro interior. Cuando el pensamiento se convierte en obra, en materia yo lo puedo hacer. Piensa bien y enriquece tus pensamientos, así yo también podré crecer.

Abel García

wallachia-reino
Un peculiar golpe de Estado político tiene convulsionada a la República Checa hace años: la expulsión de Boleslav como monarca de Wallachia, un tranquilo reino donde los lugareños toman brandy de ciruela al desayuno y tienen una moneda respaldada en sus reservas de trigo.

El imaginario reino de Wallachia está en una esquina del noreste de la República Checa, a unos 370 km de Praga. Fue fundado como una elaborada broma en 1997 por el fotógrafo itinerante Tomas Harabis, quien actualmente es el canciller, escribió ayer The New York Times.

Rápidamente, la imaginación de los checos -que disfrutan del humor negro y las parodias-  fue capturada por el invento de Harabis. Wallachia, que también es un lugar real, se convirtió en una de las mayores atracciones turísticas del país y genera millones de euros en ingresos anuales.

El reino tiene los requisitos para ser un verdadero estado: una moneda propia -el jurovalsar-, consulados en el wallachia-tomas2Círculo Ártico y Togo, una armada consistente en 40 canoas de madera, una vieja limusina para trasladar a los dignatarios que visitan el lugar y un pasaporte que cuesta cerca de 8 dólares y es su principal fuente de ingresos.

El problema político que se desató en Wallachia se remonta a 1997, cuando Harabis coronó al reconocido actor y payaso Bolek Polivka como monarca. El desde entonces rey Boleslav I se convirtió en el rostro del reino.

Pero un año después, Harabis acusó al rey de abrir consulados sin su permiso y de pedir cerca de US$ 27 mil por su trabajo de monarca. El fotógrafo firmó un edicto reemplazando a Boleslav por un obrero de la construcción del lugar, a quien coronó como Vladimir II.

La pelea siguió en la corte, ante la que Boleslav reclamó los derechos de marca del reino. El caso copó las primeras wallachia-limusina2planas hasta que en el otoño boreal pasado, la justicia falló contra el derrocado monarca. Pero Boleslav no se da por vencido, e insiste en que 23 de los 28 municipios de Wallachia aún lo consideran como el legítimo rey.

El diario neoyorquino comenta que aunque disfrutan del humor absurdo, los habitantes de la verdadera Wallachia -cuna de Sigmund Freud durante el dominio austríaco- no se toman tan en serio la pelea como lo hacen sus “dignatarios”.

Fuente: El Mercurio

olsen
Olsen, en su estudio del barrio madrileño de Lavapiés

El artista plástico, fotógrafo y escritor neozelandés afincado en Madrid, Charles Olsen –su pasión por la guitarra flamenca fue el motivo que le impulsó a elegir España como país de residencia– ha venido construyendo una obra de creación absolutamente innovadora empeñada en demostrarnos que el elemento lingüístico no es imprescindible para la comunicación literaria o pictórica. El artista sabe que la palabra es a lo sumo un elemento visual más, pero no el único ni el más importante. Si hemos de creer a San Agustín, quien afirmaba que la situación humana viene determinada por la experiencia de la oscuridad que nos envuelve, hemos de concluir que es justamente la palabra –aun la más inocente– la que mejor se presta al hermetismo, o a lo ya no significante en su propia estructura, a la destrucción. Así, la obra de Olsen –desconocida todavía para el gran público– se centra en la experimentación como concepción de un mundo que debe ser visto y también dicho de otra manera, y cuya mirada ha sufrido incomprensiones y desfiguraciones de todo tipo por parte de quienes entienden lo poético como algo restringido a la palabra. “La aspiración al arte puro –escribió Ortega y Gasset en los años veinte– no es como se cree a menudo, una forma de soberbia, sino al contrario una forma de gran modestia”. Y este es el caso de Charles Olsen –un artista modesto en el sentido orteguiano– que ha entendido que la función de la obra es la de manifestarse como una forma destruidora de formas, como una negación de las relaciones lógicas de la estructura convencional del lenguaje y todo ello sin la altanería retórica de algunos críticos, pero sí con la genialidad de un creador que ha sabido hacer de su arte una extraña forma de vida.

Los poemas visuales de este peculiar artista parecen seguir aquel verso tan radical de Alberto Caeiro: “Yo ni siquiera soy poeta: veo”. Así la mirada apacible de este artista –más irónica y desmitificadora que la del heterónimo pessoano– nos brinda una lección poética de quien, como este heterodoxo, no necesita la palabra ni el pincel para mostrar el mundo con intensidad, honestidad y ternura. “Cierro los ojos y percibo el mundo con el olfato y el oído… bailo, leo, sueño”, ha dejado escrito en el muro de su página web.

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Gracias a nuestra amiga Narkia por este bonito premio.

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Nuestra muy querida amiga Capitana nos ha honrado con este bonito premio. Le agradecemos muy mucho el detalle que ha tenido con nosotros.

PREMIO OTORGADO POR TIACHEA Y, NUEVAMENTE, POR JON KEPA

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Tiachea, desde su Bitácora de Melusina nos ha honrado con este hermoso premio. Le agradecemos muy sinceramente su hermoso gesto. Así mismo, mil gracias a mi colega y amigo Jon Kepa, que ha tenido la gentileza de volver a compartirlo con nosotros.

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