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El 30 de octubre de 1938, la emisora de radio estadounidense CBS transmitió un programa en directo desde el Mercury Theatre de Nueva York que fue escuchado por más de 12 millones de personas. Se trataba de la adaptación de «La guerra de los mundos», de H. G. Wells, dirigida y narrada por un joven de 23 años llamado Orson Welles, que años más tarde se convertiría en uno de los mejores directores de toda la historia del cine.

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Tan solo unos meses después de que la CBS le ofreciera llevar a cabo un programa semanal basado en la dramatización de obras literarias, Welles lograba alcanzar los 59 minutos de radio más famosos de la historia. En un contexto marcado por la Gran Depresión, Welles pensó que tal adaptación –contada en forma de noticiario de última hora– calaría en el seno de la audiencia. Y vaya si lo hizo.

“Señoras y señores, interrumpimos nuestro programa para dar lectura a un boletín informativo urgente de Intercontinental Radio News: Faltando veinte minutos para las ocho, hora central, el profesor Farrell del Observatorio de Mount Jennings, de Chicago, Illinois, nos informa que han podido ser observadas varias explosiones de gas incandescente, que se están produciendo a intervalos regulares en el planeta Marte … ”

Tras estas palabras y para darle aún mayor veracidad a la noticia, Welles retomaba la supuesta emisión de una orquesta desde el Hotel Meridian Plaza para volver a parar a medida que la ficticia invasión extraterrestre se iba desarrollando, «damas y caballeros, tengo que anunciarles una grave noticia. Por increíble que parezca, tanto las observaciones científicas como la más palpable realidad nos obligan a creer que los extraños seres que han aterrizado esta noche en una zona rural de Jersey son la vanguardia de un ejército invasor procedente del planeta Marte…»

La orquesta que supuestamente tocaba desde el Meridian Plaza continuó con su programa de baile, pero periódicamente la interrumpían para informar de la ficticia invasión marciana. En una de las intervenciones más dramáticas, uno de los actores que participaban en el programa hizo creer que transmitía en directo desde Grovers Mill, Nueva Jersey, y con voz temblorosa gritó ante los micrófonos:

“¡Señoras y señores, esto es lo más terrorífico que nunca he presenciado..! ¡Dios mío! alguien está avanzando desde el fondo de ese agujero. Alguien… o algo. Puedo ver escudriñando desde ese hoyo negro dos discos luminosos… ¿Son ojos? Puede que sean una cara. Puede que sean…”

Que comenzara a cundir el pánico entre la población fue cuestión de minutos, y el miedo se propagó con mayor intensidad según los ‘boletines’ de la radio se iban haciendo más preocupantes y los marcianos comenzaban su avance imparable y sangriento hacia Nueva York.

War-Of-The-Worlds-301244La gente comenzó a salir a la calle, presa del pánico. Miles de personas colapsaron las centralitas de la policía, y fueron centenares los que corrieron a buscar armas y esconderse en sótanos y túneles. Hubo incluso quienes acudieron a comisarías de policía con toallas húmedas en la cara para protegerse del ‘gas venenoso’ con el que atacaban los marcianos. El caos fue tal que llegó a la portada del New York Times y a otros medios estadounidenses al día siguiente. Pero ¿cómo fue posible que la gente no se diera cuenta de que se trataba de un programa de ficción?

Welles advirtió a los oyentes de que se trataba de una farsa al principio del programa, pero no volvió a hacerlo hasta 40 minutos después. Los expertos creen que gran parte de los oyentes no escuchó el comienzo de la función, puesto que la cadena de radio rival emitió en esos momentos el Show de Charlie McCarthy, el de más audiencia del país. A los diez minutos del comienzo de ese programa se hacía una pausa publicitaria, lo que miles de oyentes aprovecharon para cambiar de cadena. Fue entonces cuando se encontraron con los ‘boletines informativos’ que interrumpían la programación de la Columbia Broadcasting System. Y para cuando llegó la nueva explicación de Welles, muchos habían caído ya presas del pánico.

Después de desenmascarar el engaño, los periódicos de Nueva York describieron este programa como un episodio cruelmente engañoso y pidieron un castigo para la CBS. Sin embargo, el programa de Welles se convirtió en la más famosa transmisión de radio en la historia y aseguró la fama del posterior genio del cine. También las autoridades estadounidenses reaccionaron enfurecidas, aunque en realidad la cadena de radio que emitió el programa no había vulnerado ninguna ley. A pesar de ello, la policía hizo una visita a la emisora y se incautó de todo el material empleado en la obra. Todo, menos una copia del guión que se llevó a casa Koch, y que 50 años después adquirió Steven Spielberg para dirigir la nueva adaptación cinematográfica del clásico.

Se puede afirmar que el resultado final de este programa fue el acto más inmediato y tangible de la persuasión de masas en la historia humana. “La radio es un medio completamente nuevo de comunicación, fundamental como un medio de control social y de influencia sobre los horizontes mentales de los hombres”, aseguró el profesor Hadley Cantril en su libro La invasión de Marte: un estudio en la psicología del pánico (1940).

En este sentido, la Fundación Rockefeller financió varios trabajos de investigación sobre la guerra psicológica y la manipulación de la opinión pública durante las guerras mundiales. El último de ellos, “Psychological Warfare” Research and the Rockefeller Foundation, fue publicado el 29 de abril de 2012.

Habría, pues, implicaciones mucho más graves y más serias que la alegre despedida de Welles cuando finalizó el programa que pretendía celebrar su particular Halloween: “Soy Orson Welles, señoras y señores, liberado ya del personaje y dispuesto a asegurarles que La Guerra de los Mundos no ha tenido otra intención que la de celebrar un día de fiesta con esta versión radiada del Mercury Theatre. Sólo hemos querido cubrirnos con una sábana blanca, escondernos detrás de un árbol y aparecer de pronto para gritarles:  ¡Úuuuuh..! ¡Feliz Halloween, amigos!”

Estamos a punto de despedir este año que, para muchos de nosotros, ha transcurrido vertiginosamente. Durante el 2012, personajes de la literatura, la música, la pintura, el cine y el teatro celebraron distintos aniversarios: bicentenarios, centenarios y medio siglo de partida de su natalicio o fallecimiento. Algunos de ellos son universalmente conocidos: los escritores Charles Dickens, Bram Stocker, Jorge Amado y August Strindberg, o los pintores Antoni Tàpies y Jackson Pollock. Algunos de ellos fueron vanguardistas para su tiempo, rompieron moldes convencionales en sus respectivas disciplinas artísticas e influyeron a otros, y unos más crearon personajes que conectaron con el público y que hoy son parte del inconsciente colectivo.

AUGUST STRINDBERG (1849-1912)

Relaciones tormentosas, la lucha entre una sociedad caduca y la moderna y la violencia psicológica entre los personajes, son algunos de los temas que el dramaturgo sueco August Strindberg plasmó en obras como “El Pelícano”, “La Sonata de los espectros”, “La Danza de la muerte” y “La Señorita Julia”, entre otras, alejándose del romanticismo y precursor del teatro del siglo XX. Creador de una vasta producción en todos los géneros literarios, incursionó también en la fotografía y la pintura, y fundó varios teatros, donde presentó obras en un acto. Polémico por sus ideas y crítica social a la burguesía, pero igualmente popular, se señala que a su funeral acudieron 50 mil coterráneos. Su país lo ha honrado con una casa-museo y en 2005, con una exposición antológica de su obra plástica en la Galería Tate de Londres.

JACKSON POLLOCK (1912-1956)

El más distinguido representante del expresionismo abstracto es el pintor norteamericano Jackson Pollock, quién en vida gozó de gran reconocimiento. Discípulo del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, de gran importancia en su desarrollo artístico, aprendió con él distintas técnicas como el vertido y goteo de pintura, así como el manejo de la laca, pintura de esmalte y arena sobre la superficie de los cuadros. Pollock transitó de la figuración, donde incorporó motivos de Pablo Picasso y Joan Miró, a la abstracción, encontrando un estilo personal con influencias surrealistas como el automatismo e imágenes del subconsciente. A mediados de los 40 y 50 del siglo pasado, sus obras resultaron polémicas, aunque fue alabado por el crítico de arte Clement Greenberg. Influenció a movimientos posteriores como el Pop Art, Arte Minimal, entre otros, y es reconocido como uno de los más importantes creadores del siglo XX.

BRAM STOKER (1847-1912)

En el arte, hay ocasiones en que los personajes son más famosos que su creador. Miles de personas habrán leído o visto la película de “Drácula” en sus diferentes versiones: cine, teatro, televisión, animación, entre otras, pero pocos sabrán que su autor fue el escritor y crítico teatral irlandés Bram Stocker cumple durante el presente año 100 años de fallecido. Recientemente, el director Francis Ford Coppola le dió crédito al creador en el título de la obra y quizás sea de los pocos que lo han hecho. Escrita en 1897, Stoker jamás imaginó que a más de cien años su personaje e historia siga fascinando y provocando terror a multitudes, más allá de otras de sus novelas “El paso de la serpiente” y “La joya de las siete puntas”, igualmente del mismo género.

JOHN CAGE (1912-1992)

El artista norteamericano John Cage es considerado inclasificable y una de las figuras primordiales de la vanguardia de la Post-Guerra. Incursionó en la teoría y la composición musical, -uno de los más influyentes en el siglo XX-, también autor de música para danza, específicamente para las coreografías de Merce Cunningham; se interesó por la filosofía, la pintura y la poesía, igualmente, mantuvo una fuerte influencia del Budismo Zen y el I Ching en la manera de componer, en sus composiciones usaba el azar, como usar plantas como instrumentos. La experimentación en la obra de Cage tuvo gran influencia en diversas tendencias como el arte sonoro y la música electrónica, así como en los compositores, músicos y artistas visuales Brian Eno, Frank Zappa, Michael Parsons, Sonic Young y Stereolab, así como en la obra del pintor Robert Rauchemberg, por citar sólo algunos. Dicen los expertos que la intención de Cage con su música, es abrirse al silencio y los sonidos de la vida misma.

JOHN CHEEVER (1912-1982)

Considerado con un estilo influido por el escritor y dramaturgo ruso Antón Chejov, donde en una situación dada la apariencia de que “no pasa nada” presuntamente, en la superficie, detonan los conflictos dramáticos subyacentes la apariencia de familias felices, el escritor norteamericano plasmó en sus cuentos y novelas la infelicidad en los barrios residenciales, el regresó al paraíso de la infancia y la transformación de las ciudades modernas, es calificado como uno de los mejores cuentistas de su país. Con su obra, el ganador del Premio Pulitzer y el National Book Award, precisamente por “La Crónica de los Wapshot” y sus cuentos reunidos, es destacado por el crítico Harold Bloom, como un agudo observador de la realidad social de su país.

MICHELANGELO ANTONIONI (1912-2007)

“Blow-Up, deseo de una mañana de verano”, basada en el cuento corto “Las babas del diablo” del escritor argentino Julio Cortázar, es quizás una de las películas más celebradas de este director italiano. La cinta ganó la Palma de Oro al mejor director en 1966 en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Antonioni, que también fue pintor y escritor, filmó “La aventura”, “El eclipse”, “La noche” y “El reportero”, así como las últimas cintas en su carrera como “Más allá de las nubes”, co-dirigida por Win Wenders, y “La mirada de Michelangelo”, son parte de su prolífica realización fílmica. Precisamente la mirada de Antonioni en su cine, iba más allá de lo evidente, enfocándose en aspectos presuntamente ínfimos, de los que está hecho la vida.

GENE KELLY (1912-1996)

“Cantando bajo la lluvia” es la más famosa película musical del coreógrafo y bailarín Gene Kelly, considerado un revitalizador de la danza con un estilo más libre al del también bailarín de la época de los años 40 y 50, Fred Astaire. Bajo la dirección de Stanley Donnen, Kelly también filmó otras cintas musicales como “Un día en Nueva York” y “Siempre hace buen tiempo”, rodadas al aire libre, algo inusual e innovador en su tiempo. “Invitación a la danza”, dirigida por él mismo, y presentador de la recopilación de musicales de la MGM en los años 70, contribuyeron al auge de esta expresión, tanto en el cine como en el teatro, que tiene millones de seguidores en el mundo.

LAWRENCE DURRELL (1912-1990)

Con las obras de “El Cuarteto de Alejandría”, en el que plasmó la historia de esta ciudad antes y después de la Segunda Guerra Mundial, le dieron el reconocimiento internacional al escritor hindú Lawrence Durrell. También autor de diarios de viajes, obras de teatro y otras novelas, fue la fascinación que provocó en los lectores y en otros autores con las piezas citadas a fines de los años 50 y principios de los años 60 del siglo XX, lo que hizo que decenas de escritores y cineastas vivieran en las naciones del norte de África, cautivados por el misterio de las culturas y su gente.

TRICENTENARIO

JEAN-JACQUES ROUSSEAU

“El hombre es bueno por naturaleza, es la sociedad quien lo corrompe”, es una de las premisas del filósofo y escritor suizo Jean-Jacques Rousseau, a tres siglos de su nacimiento, (1712-1778), tuvo una vida de penalidades, perseguido políticamente por sus ideas, viajó por diferentes países europeos y fue fustigado por otros pensadores como Voltaire y algunos reyes, al grado de sufrir delirio de persecución. Su ideales influyeron en la Revolución Francesa y en las posteriores que lograron el surgimiento y creación de distintas naciones. Sus obras “El Contrato social” ó “Emilio o la edcación”, por mencionar algunas, revolucionaron los sistemas de pensamiento y marcaron pautas para las sociedades modernas. Contradictorio, publicó libros y al mismo los detestaba, valoró el papel de la mujer, pero jamás se casó con su compañera y escribió las pautas de la educación infantil, pero dejó a sus hijos en un orfanatorio.

BICENTENARIOS

CHARLES DICKENS (1812-1870)

El novelista británico Charles Dickens retrató en sus obras realistas los ambientes populares y marginados, criticó las injusticias y arbitrariedades para con los oprimidos en plena Revolución Industrial londinense, por lo que fue sumamente popular en vida. Considerado el precursor de las actuales telenovelas, con el sistema de “novelas por entregas” en los periódicos de la época, -modelo que sería imitado por otros autores-, provocaron la ventas en miles de ejemplares de los periódicos en las que se publicaban. “Cuento de Navidad”, más conocida como “Mr. Scrooge”, “Oliver Twist” y “Grandes esperanzas”, entre otras, han sido llevadas a la televisión, el cine y la animación, incluso a la ópera y el teatro. Mostró en sus obras las pasiones humanas, se casó varias veces y tuvo 10 hijos, criticado y envidiado, pero también adorado y valorado a partes iguales, su vida también es una novela.

ROBERT BROWNING (1812-1889)

Al poeta británico Robert Browning se le atribuye la creación del poema-monólogo dramático, en verso, multivocal y de diferentes perspectivas, y fue durante su estancia en Italia, donde escribió este estilo en “Hombres y mujeres”, que incluye poemas sobre Fray Lippo Lippi y Andrea del Sarto, luego escribió “Dramatis personae”, a raíz de la muerte de su esposa, y en Londres, “El anillo y el lbro”, donde entremezcló diversas voces a manera coral. Admirador de los poetas románticos Lord Byron y Mary Shelley, la autora de Frankestein, el propio Browning influyó en otros autores que plasmarían en sus obras estas y otras técnicas literarias, la polifónica, como T. S. Elliot y Ezra Pound, hoy tan común en el teatro, la televisión y el cine.

MEDIO SIGLO DE PARTIDA

WILLIAM FAULKNER (1897-1962)

El poeta, guionista de cine y escritor norteamericano es considerado como “escritor para escritores” por la influencia que ha tenido por la experimentación en las estructuras complejas y técnicas narrativas como el libre fluir de la conciencia y diferentes puntos de vista de un suceso, entre otras, de sus obras como “El sonido y la furia”, “Mientras agonizo” o “Santuario”, por citar algunas, y los autores latinoamericanos Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Carlos Fuentes han destacado su legado literario. Faulkner ambientó sus novelas y cuentos en el ficticio “Condado de Yoknapatwpha” en los estados sureños estadounidenses al final de la Gran Depresión mostrando las relaciones interraciales y familiares, sobre todo la naturaleza humana en sus diversos registros. Autor imprescindible y prolífico, escribió 20 novelas y 85 relatos breves, obtuvo el Premio Nóbel de Literatura de 1949.

HERMANN HESSE (1877-1962)

Pocos autores logran conseguir la aceptación de la crítica y el público, como este poeta y escritor alemán, ganador del Premio Nóbel de Literatura en 1947, cuyas obras son consideradas como iniciáticas por sus múltiples admiradores en todo el mundo, particularmente la más famosa, “Siddhartha”, publicada en 1922, por la combinación de filosofía oriental y occidental y la búsqueda de la iluminación espiritual. Aunque sus obras son vistas con desdén por cierta crítica especializada, además de la novela citada, pueden encontrarse en las librerías “El lobo estepario” y “Demian”. A medio siglo de su desaparición física y a 90 años de la publicación de su obra más famosa, Hesse sigue teniendo sus lectores. Es simple, hay autores que conectan con el respetable.

GEORGES BATAILLE (1897-1962)

Transgresor y polémico por los temas del erotismo, la muerte y el misticismo, entre otros, que manejó en su prolífica producción, el escritor, antropólogo y pensador francés Georges Bataille, quién fundó revistas e integró grupos de literatos, no obtuvo mucha aceptación sino hasta después de su muerte, ya que su legado fue reconocido en la segunda mitad del siglo XX por los filósofos Michael Foucault y Jacques Derrida, por citar algunos. “La historia del ojo”, “Lágrimas de Eros” y “La parte Maldita” son algunas de las obras de este autor desaparecido hace cinco décadas.

HERNANDO GARZA en “Vida Universitaria”

Una feroz polémica ya se había convertido en casi unánime aceptación, cuando un novelista norteamericano atizó de nuevo el brasero y sugirió que la creación de un venerable arquitecto chino tenía algo que ver con el Santo Grial.

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Estar en la zona donde concluye la historia de El Código Da Vinci, es quizá el menor de los logros obtenidos por la Pirámide del Louvre, la parte icónica, más visible, espectacular y reconocible, del amplio proyecto de reforma del legendario museo parisino, encabezado por Ieoh Ming Pei a finales de los años ochenta.

El Grand Louvre, nombre de proyecto que Pei debió defender ante la mayor polémica provocada en Francia por una obra arquitectónica desde la Torre Eiffel, cumplió el pasado 30 de marzo su vigésimo aniversario. La obra sentó un dramático antes y después en el recinto que sirve de casa a “La Gioconda” y la “Venus de Milo”.

Antes de la reforma, el Museo del Louvre ni siquiera era el más visitado de París, pues sus 3 millones de visitantes eran menos de la mitad de los que recibía el moderno Centro Georges Pompidou. Esas cifras ascendieron paulatinamente, de tal forma que en lo que va de la década, han estado por encima de los 8 millones de visitantes (8.5 en el 2008), lo que lo ha vuelto el museo más visitado del orbe.

El antiguo castillo donde el rey Carlos V de Francia acumulaba sus colecciones artísticas desde el Siglo XIV, puede ahora recibir ese alud de gente gracias a las espectaculares ampliaciones de espacio y la modernización de sus servicios que trajo aparejada la reforma del Grand Louvre. “Todo está hecho para olvidar aquel antiguo museo en el que, como decía Pei, nunca se sabía dónde estaban los lavabos”, decía una crónica de la época del diario El País.

Cierto que al escuchar la palabra Louvre, se impone hoy en día una reverencia. Pero no siempre fue así. El gran museo nacional de Francia, con más de 300 mil obras en su acervo, que van desde la prehistoria hasta los primeros atisbos de vanguardia de finales del Siglo XIX.

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En 1985, André Chastel, investigador del Colegio de Francia, afirmaba que el Louvre era el peor conservado, menos vigilado y el más sucio de todos los museos internacionales. “Una obra maestra de incoherencia, en la que los cuadros están distribuidos sin orden ni razón y se pasa del Siglo XIX a la prehistoria sin la menor explicación”.

Tal situación no era por pura negligencia. Los acervos del museo eran mucho más grandes que el espacio disponible para exhibirlos y además, la institución debía compartir una buena porción del antiguo palacio con el Ministerio de Finanzas francés, que tenía sus oficinas en el ala que daba a la calle Rivoli.

Una de las primeras decisiones del gran artífice político del proyecto del Grand Louvre, Francois Miterrand, al llegar a la Presidencia francesa, fue hacer que su ministerio de finanzas se mudara a donde diera menos lata. Esa sencilla operación le dio al museo un 80% más de espacio. Pero el afán renovador no se quedó ahí.

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   Habitación de Gabriela Mistral

Cumpliéndose hoy 120 años del nacimiento de Gabriela Mistral y encaminándonos al Bicentenario de Chile, cabe alegrarse por cuánto ganaremos gracias a la supervivencia de sus manuscritos. El celoso esmero de Doris Dana y la generosa inteligencia de Doris Atkinson permiten que Chile pueda ir recobrando los espléndidos filones de su obra.

Lo válido es averiguar cuándo, dónde y cómo se gestaron sus poemas, los editados y los inéditos, atendiendo siempre a la transmutación de su vida en arte. Es decir, catando su genio poético. La prosa tanto como la poesía. Ambas continúan en secuencia de aparición, de deleite por venir.

Fiesta aparte son sus copiosos y variados epistolarios. Permiten apreciar la mudanza de lo circunstancial a lo trascendente, y nos acercan a su habla escrita, asombrosamente expresiva, que camaleonizaba la carta según a quien iba. Y despliegan la historia de Chile en los trechos que le convivieran y asimismo desde la querendona distancia, un país reflejado en los percances de su política y de su economía. Poeta cónsul, propagó una versión subjetiva y objetiva, lírica y documentada de nuestro país ante lectores extranjeros.

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Su poesía nos convida a leerla más allá de “Desolación“, adentrándonos en “Tala” y en “Lagar” I y II. Su prosa convida a gozar el esplendor de sus ensayos o “recados” sobre pintura, escultura, literatura, viajes, educación, política y religión. El altísimo voltaje verbal de esa prosa en colores y en cinco sentidos acompaña la fuerza y musicalidad de su poesía. Son dos regiones expresivas que se iluminan mutuamente.

Aprovecharemos a Gabriela Mistral mediante su poesía y prosa recuperadas; nos puede a la vez atizar la indolencia y alhajar la mente, amadrinando a Chile para sus doscientos años. Y por doscientos años más.

Luis Vargas Saavedra
Académico y editor de “Almácigo”.

Las mujeres y los hombres unidos para eliminar la violencia contra la mujer y la niña

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Todos nosotros – hombres y mujeres, soldados y agentes de mantenimiento de la paz, ciudadanos y líderes – tenemos la responsabilidad de contribuir a eliminar la violencia contra la mujer. Los Estados deben cumplir con sus obligaciones de prevenir la violencia, enjuiciar a los perpetradores y proporcionar reparaciones a las víctimas. Y cada uno de nosotros debe hablar claramente en la familia, en el lugar de trabajo y en la comunidad, de modo que cesen los actos de violencia contra la mujer.

Ban Ki-moon, Secretario General de las Naciones Unidas

El pasado lunes, 19 de enero, se cumplieron 200 años del nacimiento, en Boston, de Edgar Allan Poe. A los diversos y destacados homenajes que en lo literario le aguardan, in memoriam, al excelso escritor, quizá valga la pena dedicar un minuto de reflexión sobre su capacidad de exploración del terreno científico de su época, a raíz de una lectura de La narración de Arthur Gordon Pym.

poeRecientemente finalicé la relectura de “La narración de Arthur Gordon Pym” (The narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket) , en la excelente traducción de Cortázar (Alianza Editorial). Mis sensaciones fueron otras a las tenidas en la adolescencia. Suele pasar con casi todas las relecturas. Recordaba un relato marinero fantástico, un viaje al Polo Sur cuando el mundo era mucho más grande y no existían los medios de navegación actuales –ni marítimos ni, obviamente, aéreos–, ni los satélites artificiales con los que escudriñar nuestro punto azul pálido. Tampoco la basura espacial dificultaba la visión de nuestro mundo, ni la observación del cielo, por otra parte. El misterio acechaba en el piélago a los marinos que perseguían completar las cartas de navegación descubriendo nuevas islas, no holladas por pie humano, o habitadas por tribus ignotas.

Encontramos en el relato, como no podía ser de otro modo, un Poe imaginativo y descriptivo, que nos descubre algunas especies improbables, y otras imposibles –aunque verosímiles en el mundo del siglo XIX–, seguramente influenciado en un contexto en el que llegaban a Europa constantemente nuevas especies para coleccionistas y registros de las sociedades científicas, museos y jardines botánicos.

Con los datos meteorológicos a su alcance, Poe crea atmósferas diversas en las que las galernas y los temporales salpican al lector, y elucubra zonas templadas cerca de la Antártida, basándose en las registradas corrientes cálidas subantárticas, en las que inventa islas con extraños moradores. La verosimilitud del relato de Gordon Pym se cierra con una avalancha de datos de navegación reales, de récords de navegación, cuando llegar un grado más al Sur era toda una proeza marinera: no todos los paralelos terrestres eran conocidos.

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Las duras dificultades que desde el principio impone a sus personajes producen un descenso dantesco a lo más miserable del alma humana, cuando el hambre y las calamidades imponen su ley a la razón. Poe sabía que el mundo se alejaba de la naturaleza y, por eso, nos devuelve a ella, a nuestra naturaleza más profunda. Porque es en lo psicológico, como siempre, donde Poe triunfa y expone entonces sus más abyectas manías, que van de la locura al canibalismo, imponiendo la ley de su pensamiento al indefenso lector.

Les recomiendo la obra de Poe fuera de un contexto científico como éste. Poe no tuvo la capacidad de anticipación de Verne, ni asimiló totalmente la ciencia de su tiempo en sus novelas. Uno puede esbozar una sonrisa en determinadas descripciones de animales fantásticos subantárticos. Ahora bien, tuvo la imaginación –y la erudición– suficiente como para inventarse especies, mundos y lenguas, que, aunque no existiesen en realidad, fomentaron e influyeron al género fantástico y la ciencia ficción posterior, desde H.P.Lovecraft a Anne Rice.

Lean la novela inconclusa, la novela abierta que supone La narración de Arthur Gordon Pym, que el propio Verne intentó rematar en La esfinge de los hielos. Personalmente me he animado a seguir –en verano que tendré algo más de tiempo– a ver qué imaginó Verne en la Antártida. Disfruten con los maestros y los orígenes de la ciencia ficción.

Toni Hernández
En: e-ciencia

Ingrid Bergman –que según una lista confeccionada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en toda la historia del cine– habría cumplido hoy 93 años. Curiosamente, por una de esa raras coincidencias del destino, falleció mientras celebraba su 67º cumpleaños.

La inolvidable actriz sueca, ganadora a lo largo de su carrera de tres premios Oscar y varios Globos de Oro, protagonizó películas como Luz que agoniza, Stromboli, Sonata de otoño, El Rolls-Royce amarillo, Juana de Arco,  Encadenados,  Por quién doblan las campanas, Intermezzo o la inmortal Casablanca, todo un mito en el universo cinematográfico.

Ingrid quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).

En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick “Intermezzo”. En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz “Casablanca”. 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Oscar, en este caso por su papel en la película “Por quién doblan las campanas”, aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Oscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en “Luz que agoniza”. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Oscar, esta vez por la película “Las campanas de Santa María”. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Oscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en “Juana de Arco”.

En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película “Stromboli”. Durante el rodaje comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas “Giovanna d’Arco al rogo” (1954).

En 1956 vuelve a ganar el Oscar a la mejor actriz por su interpretación en la película “Anastasia”, siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Oscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.

En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película “Asesinato en el Orient Express”.

Su última candidatura a los Oscar la recibió en 1978 por su papel en “Sonata de otoño”, del director sueco Ingmar Bergman.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

 

Datos biográficos via wikipedia.

El 11 de agosto de 1956 –es decir, hace exactamente 52 años– moría en un trágico accidente de automóvil ocurrido en la localidad de Springs, en Nueva York, uno de los artistas plásticos más importantes e influyentes del siglo XX. Nos referimos al gran pintor estadounidense Jackson Pollock, el miembro más destacado –junto a De Kooning— del llamado expresionismo abstracto.


Nacido en Cody, Wyoming, Pollock estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El artista estuvo viajando por el país, realizando cientos de dibujos de la geografía física y humana de los Estados Unidos. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York). A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, tendencia pictórica de la que fue el representante más conocido y destacado,  desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar colocados en el suelo… Después los trabajaba o extendía con palos u otras herramientas, e incluso a veces dándole una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Pollock fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

Sus obras, que siguen ejerciendo una gran influencia en la pintura actual, son cada vez más valoradas y se hallan expuestas permanentemente en los principales museos de arte moderno del mundo, especialmente en el MOMA y en el Guggenheim de Nueva York.

UN BLOG SUMAMENTE ECLÉCTICO

BIENVENIDOS AL FARO…

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Espero -con gran ilusión- recibir vuestras colaboraciones, comentarios, fotos, vivencias y correos, que puedan ayudarme a ir desarrollando este Blog. El Faro del Fin del Mundo pretende seguir una línea entretenida y diversa -aunque debo confesar mi debilidad por los temas náuticos- pero, al mismo tiempo, publicando narraciones, poemas y textos de calidad y, por qué no, también con historias divertidas. El humor, no lo olvidemos, es importante en nuestras vidas. Gracias de nuevo.

Luis Irles

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VISITAS A ESTE FARO DESDE EL 16 DE JUNIO DE 2007

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UN BONITO REGALO DE TONY T., DE “CAFÉ & BLOGS”

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Nuestro entrañable amigo Tony T., miembro del grupo Café & Blogs, nos ha sorprendido muy gratamente al crear EL FARO MAGAZINE, una bitácora en la que ha comenzado a publicar una selección de artículos aparecidos en este Faro desde su inicio. Desde aquí le damos las gracias por el hermoso detalle que ha tenido con nosotros.

EN NUESTRAS PÁGINAS

FOTOS: "La triste y solitaria vida de los marinos..."

AMICI MIEI: La Barcelona de mi niñez, por Tony Tarazona.

MÚSICA: NOVEDADES: El mejor 'duet' de toda la historia: "Summertime", por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. "Nine Below Zero", "Peces de Ciudad", "Cesária Évora" y mucho más...

POESÍA: "Soliloquio del Farero", de Luis Cernuda.

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PREMIOS A ESTE BLOG

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Premio otorgado por Jon Kepa y su blog "Enseñanzas Náuticas"

Gracias por el premio, navegante de mares de papel.

PREMIO DARDO

Otorgado a este Faro por el blog El mar, qué gran tema para hablar, capitaneado por nuestro colega y buen amigo José, al que quedamos sumamente agradecidos.

PREMIO CALIDEZ

Gracias a Patricia Gómez, Binah, excepcional ser humano y poeta, por concedernos este hermoso premio.

PREMIO AL ESFUERZO PERSONAL

Nuestro generoso e incansable amigo Funkoffizier, de El mar qué gran tema para hablar, vuelve a premiar a este Faro, lo cual nos llena de orgullo y agradecimiento.

PREMIO CAMPANHA DE AMIZADE

Agradecemos profundamente a Jon Kepa, creador del blog Enseñanzas Náuticas el habernos concedido el premio Campanha de Amizade. Muito obrigado, amigo.

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Gracias a nuestra amiga Narkia por este bonito premio.

PREMIO OTORGADO POR CAPITANA

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Nuestra muy querida amiga Capitana nos ha honrado con este bonito premio. Le agradecemos muy mucho el detalle que ha tenido con nosotros.

PREMIO OTORGADO POR TIACHEA Y, NUEVAMENTE, POR JON KEPA

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Tiachea, desde su Bitácora de Melusina nos ha honrado con este hermoso premio. Le agradecemos muy sinceramente su hermoso gesto. Así mismo, mil gracias a mi colega y amigo Jon Kepa, que ha tenido la gentileza de volver a compartirlo con nosotros.

PREMIO A LA HONESTIDAD

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El Grand Chef de Oídococina!, ha tenido la gentileza de obsequiarnos con un exquisito plato recién salido de sus creativos fogones. Le quedamos enormemente agradecidos por este hermoso detalle.

UN REGALO DE 'TINTERO Y PINCEL'

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Nuestra admirada amiga María, cuyo talento artístico puede comprobarse en su blog Tintero y Pincel, nos ha honrado con este simpático "Cracking Crispmouse Bloggywog Award". Un detalle que le agradecemos de todo corazón.

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SANTIAGO DE CHILE

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TIERRA SENTIDA

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OBRAS DEL ARTISTA SEBASTIÁN MÁRQUEZ

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BARCELONA

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