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Bajo el título de ‘Ted Russell: Bob Dylan NYC 1961-1964’, la neoyorquina galería de Steven Kasher estuvo albergando –desde el 20 de abril hasta el pasado 3 de junio– una exposición de fotografías excepcionalmente interesantes del músico, poeta y Premio Nobel de Literatura 2016, Robert Allen Zimmerman, más conocido por Bob Dylan. Casualmente, me encontraba yo en la Gran Manzana en esos días y –tres o cuatro jornadas antes de su clausura– me planté en el 515 de la calle Oeste con la 26. La exposición, resumida en pocas palabras, no era más que una fresca mirada del fotógrafo Ted Russell (que en la actualidad tiene 87) años al interior del joven Bob Dylan, cuando éste vivía en un descuidado apartamento del Greenwich Village a principios de la década de los 60.

En noviembre de 1961, Bob Dylan tenía 20 años, y ya era un cantante bastante popular que se preparaba para una ascendente y prometedora carrera musical. Sus primeras actuaciones pagadas, sobre todo en el ‘Gerde’s Folk City’, despertaban interés. Una favorable e inesperada reseña en el ‘New York Times’ y la grabación y lanzamiento de “Song for Woody”, su primera composición original, tuvo un gran éxito e influyó en muchos cantantes y compositores de la época.

Por su parte Ted Russell –nacido en Londres en 1930– y residente en los Estados Unidos desde el año 1952, está considerado uno de los grandes fotógrafos del siglo XX. Comenzó a fotografiar a los 10 años y, a los 15, ya colaboraba con algunos periódicos londinenses. Al año siguiente, trabajó en ‘Acme Newspictures’ en Bruselas. Más tarde se unió al personal de ‘Now’, un magazine ilustrado, y posteriormente a la revista ‘Spotlight’. En el 52 abordó el Queen Mary para Nueva York, llegando con cuatro cámaras y 200 dólares. Pronto fue reclutado y se desempeñó como fotógrafo del Ejército. Después de asistir a la Universidad de California en Berkeley, regresó a Nueva York y se convirtió en fotógrafo de la revista ‘Life’ durante más de 12 años. Sus trabajos han aparecido además en las prestigiosas revistas ‘Newsweek’, ‘Time’, ‘Saturday Review’ y ‘New York’ e igualmente expuestas en el Centro Internacional de Fotografía y en el MOMA.

Por mi parte, debo confesar que fue una grata experiencia la visita que hice a la ‘Steven Kasher Gallery’, inspiradas por la música y los retratos de Bob Dylan. Estas fotografías de Dylan han sido una iluminación: cuando en 1961 su primer disco ni siquiera había sido promocionado, el músico de 21 años, con el pelo rizado y los ojos vivos, estaba a punto de proclamar su propia verdad al mundo, aunque nadie lo sospechaba. Armado con su máquina de escribir y su guitarra iba a aplastar y absorber la realidad y devolverle la vida dentro de una nueva forma, con un equilibrio perfecto entre una inocencia necesaria y ligera para hablar sinceramente al mundo y una tenacidad antigua, de siglos, para hacerlo. Fue Bob Dylan, sin duda, el joven que cambió el rock and roll en ese momento, la primera gran revolución musical desde que Elvis Presley la iniciara en Memphis en 1956.

Mr. Arriflex

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‘The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows.’ Man Ray, 1916

A raíz de mi visita a la reciente exposición “Dalí, Duchamp, Man Ray. Una partida de ajedrez”, organizada por el museo de Cadaqués, y en la que a través de fotografías, pinturas, esculturas, dibujos, grabados y manuscritos se muestra la relación entre estos tres artistas universales y su vínculo con la maravillosa localidad de la Costa Brava catalana donde solían veranear juntos, me ha parecido oportuno rescatar estas notas sobre Ray publicadas hace ya algunos años en este mismo blog.

Y es que para mí, Man Ray (Filadelfia, 1890 – París, 1976) ha sido uno de los artistas más representativos de los años treinta. Conocido por sus pinturas surrealistas y sus films, fue la introducción de soportes y técnicas fotográficas en sus obras lo que motivó su destacado papel dentro del dadaísmo. Cuando comparaba sus rayogramas con las radiografías sólo quería expresar su desdén por los movimientos vaguardistas que trataban de mantener la relación del arte con la sociedad en que se inscribía.

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Las siguientes fotografías figuran en el catálogo editado por la Haiku Gallery de Londres, que montó a finales del pasado año una exposición con parte de la obra del fotógrafo chino Chin-san Long.

Este extraordinario artista, muy poco conocido en Occidente, nació en la provincia de Zhejiang en 1892. En 1927 Chin-san Long se convirtió en uno de los primeros fotógrafos de prensa cuando el Shanghai Eastern Times, periódico para el que trabajaba, compró la primera rotativa en color del país. En 1939, Long perfeccionó un método que le permitió combinar múltiples imágenes en la cámara oscura. Los resultados fueron bellísimas fotografías que incorporaban la metodología de la tinta china tradicional, creando así una síntesis entre la técnica fotográfica occidental y la estética china. A lo largo de nueve décadas de trabajo, Chin-san Long consiguió popularizar la fotografía en China. Juzguen ustedes mismos contemplando los ejemplos que les mostramos aquí:
 


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El objeto cilíndrico que ven en la foto de arriba es, en realidad, una estructura del tamaño de un autobús escolar que fue desplegada por la NASA en el espacio exterior en 1984 y estuvo orbitando la Tierra durante cinco años y medio. Este artefacto –bautizado con el nombre de LDEF (Long Duration Exposure Facility)– no tenía otra misión que la de flotar en el cosmos y recoger datos sobre su exposición al peligroso entorno espacial, incluyendo los micrometeoritos y su efecto en la degradación de diversos materiales y sistemas de satélite (energía, propulsión, óptica…). Portaba 57 experimentos montados en 86 bandejas, con la participación de más de 200 investigadores de 33 compañías privadas, 21 universidades, 7 centros de la NASA, 9 laboratorios del Departamento de Defensa y 8 países extranjeros.

Para mí, y a pesar de que fue simplemente un humilde satélite de los tantos que giran sobre nuestras cabezas, LDEF demostró ser, ante todo, una auténtica obra de arte. Especialmente por las deslumbrantes bandejas que cubrían cada centímetro cuadrado de su superficie, (que inevitablemente recuerda la abstracción de ciertos pintores vanguardistas), por ese minimalismo cuadriculado que suele darse en el diseño gráfico o en la arquitectur utópica y por las formas y texturas de la superficie, tan propias de las películas de ciencia ficción. A esto habría que añadir la sutil paleta de colores, que salpican aquí y allá la involuntaria y casi accidental belleza de LDEF, incluso después de haber sido maltratada durante sus 32.422 órbitas a la Tierra.

Las imágenes siguientes pertenecen a cada una de las secciones individuales del exterior del LDEF, tal como fueron fotografiados en 1990, tras ser rescatado por el transbordador Columbia durante la misión STS-32.

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Precioso, ¿verdad?

Ahora, imagínense todo ese esplendor visual, esa impresionante exposición artística sideral, montada sobre una superficie cilíndrica de casi diez metros y viajando en silencio a 275 millas náuticas por encima de la Tierra…

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Espero que hayan disfrutado de estas maravillosas fotografías tanto como yo. Ah, y si desean saber más acerca de esta misión, de la nave, o de los resultados de este experimento, pueden ver la página de la NASA aquí.


Juan Rulfo combinó siempre la tarea de escritor y de fotógrafo. Su obra fotográfica más conocida está recopilada en una edición del Instituto Nacional de Bellas Artes, en 1980. El libro se compone de cien fotografías tomadas por Rulfo entre los años de 1940 y 1955. “Inframundo. El México de Juan Rulfo” revela el panorama de un México inquietante, al igual que lo hace su obra narrativa. En esa obra, Juan Rulfo se nos revela más que como un aficionado como un experto en el arte fotográfico, característica que influye inevitablemente en su estilo literario tan particular.

Diego Rivera habla sobre el debate de si la fotografía es únicamente un documento mecánico plástico gráfico o bien una técnica basada en fenómenos físico químicos, pero que sirve a la expresión de la sensibilidad artística. “Se han hecho ya tales obras en toda clase de géneros de fotografía –afirma Diego Rivera– desde el retrato estático hasta la cinematografía ultra instantánea, que sólo la obstinación, el reaccionarismo o la simple tontería, pueden seguir negando su calidad de arte a la fotografía, que posiblemente sea –sobre todo en la cinematografía y el reportaje fotográfico— la expresión más viva de la plástica moderna, con tanto derecho a la denominación de obra de arte como la que sea resultado de cualquier otra técnica. Lo que cuenta realmente es la sensibilidad, dice el famoso pintor, la imaginación, la inteligencia y la intención humana, más el equilibrio dinámico de la expresión del que se sirve de esas técnicas, que no le dan por sí –sólo por saberse servir de ellas en oficio– la cualidad de artista, sino que ésta proviene de las condiciones enumeradas anteriormente, presentes en la individualidad de quien se expresa, modelada por las circunstancias sociales y políticas dentro de la que se desarrolla la vida. […]

Yoon Bong Seo
Universidad de Guadalajara (México)
Fragmento del artículo “Juan Rulfo, escritor y fotógrafo: dos artes en conjunción”.
Publicado en sololiteratura.com Leer el texto completo aquí

Aprovechando el viaje relámpago que hice a Nueva York hace un par de semanas, pude disfrutar de una de las mejores exposiciones fotográficas que se han llevado a cabo en la ciudad de los rascacielos en los últimos tiempos. La Gagosian Gallery exhibió –desde el 4 de mayo hasta el pasado 27 de julio– una portentosa exhibición de los legendarios murales y retratos realizados por el gran Richard Avedon, uno de mis fotógrafos preferidos.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, muestran a un genial fotógrafo capaz de plasmar rasgos inesperados en los rostros de personajes tan conocidos como Marilyn Monroe, Truman Capote, Henry Miller o Humphrey Bogart, entre muchos otros. Sus imágenes son una meditación sobre la vida, la muerte, la belleza, la raza y la identidad. Durante sus casi 60 años de carrera, Avedon fotografió a escritores, artistas y famosas modelos, pero también a personas anónimas y acontecimientos históricos como el movimiento norteamericano por los Derechos Civiles o la caída de Muro de Berlín.

Richard Avedon

Pero la muestra más impresionante de su trabajo es, para mi gusto, el formidable In the American West 1979-1984 —que el Metropolitan Museum de Nueva York dedicó a este fotógrafo neoyorquino nacido en 1923 y fallecido en 2004— y que es una de esas experiencias fascinantes y esclarecedoras que revela la existencia y ubicación exacta de uno de esos tantos otros mundos que están en éste.

Yo nunca había visto un Far West así: con un fondo blanco donde hombres y mujeres flotan en un vacío absoluto que sólo pueden llenar sus rostros y sus cuerpos. Avedon, sin embargo, no pretende denunciar nada. Ni tampoco se limita a mostrar. A mí me parece que —lo mismo ocurre con los cuadros del pintor Edward Hopper— Avedon narra. Cada foto de la serie In the American West puede leerse como capítulos de esa gran novela del realismo sucio que tal vez nadie escribió todavía porque ya están estos retratos, estas miradas, en ese blanco y ese negro donde van a dar todas las cosas y del que no hay retorno posible.

Es curiosos que durante buena parte de su vida, Avedon fue cazador de ropa cara y de famosos más caros todavía. Fotografió a todo aquel que valiera la pena fotografiar. Basta con hojear los libros An Autobiography, Evidence 1944-1994 o The Sixties o con ser espectador del brillante documental biográfico que se proyecta en una de las salas de la muestra para experimentar el vértigo de la Historia en nuestras pupilas. Hasta que un día el Museo Amon Carter de Forth Worth le encargó documentar la forma de vida de los trabajadores del Oeste de los Estados Unidos. Avedon fue, vio y reveló. Granjas, minas de carbón, campos petroleros, oficinas, restaurantes de carretera, rodeos, ferias rurales y los seres que las habitan. Todos los sujetos que Avedon eligió en el camino tienen algo en común: una naturaleza fugitiva, algo asombrada, como la de esos ciervos que se cruzan de noche frente a un auto y parecen paralizarse y posar para el flash de los faros. In the American West es, también, un punto de fuga para Avedon, una huida hacia delante para poder escapar de su propia leyenda dejando de lado a las celebridades y la sofisticación y encontrar lo más básico con modales que recuerdan y homenajean un poco a la estética freak de la suicida Diane Arbus, su amiga que también empezó fotografiando bellezas y terminó fotografiando monstruos o —lo que para muchos es lo mismo— absolutos desconocidos.

Estos retratos –según relató el propio Avedon — se hicieron de la siguiente manera: fotografiaba al sujeto delante de una hoja de papel de unos tres metros de ancho por dos de alto fijada sobre un muro, un edificio, a veces sobre el lateral de un tráiler […] Estoy lo suficientemente cerca del sujeto como para tocarlo y entre nosotros no hay nada salvo lo que ocurre mientras nos observamos mutuamente durante la realización del retrato. Ese intercambio implica manipulaciones, sumisiones. Se suponen cosas y se actúa en consecuencia, suposiciones que raramente podrían hacerse impunemente en la vida real. Un fotógrafo retratista depende de la otra persona para completar su fotografía […] Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad.

Esta explicación —que arranca de lo meramente descriptivo para alcanzar cuestiones casi metafísicas— omite, está claro, el ingrediente secreto y el factor inasible de la ecuación: el genio único de un fotógrafo único. Así, en esta atmósfera controlada y sin adornos de realismo absoluto, Avedon consigue y nos ofrece una hazaña admirable: ese camionero de Texas con el torso al aire adquiere la nobleza inmortal de algo de Miguel Ángel, ese albino cubierto de abejas bien puede ser un alien dueño de la sabiduría absoluta del universo, ese vagabundo capturado en uno de los bordes de la carretera estatal 18 no desentonaría en absoluto junto a los Rolling Stones.

Sí, dicen que las fotografías te roban el alma… En mi opinión, sin embargo, las de Avedon te la devuelven.

Mr. Arriflex


El día 17 de agosto del pasado año publiqué en este blog un breve artículo titulado La Gran Regata del Bicentenario, en el cual comentaba la celebración de este emotivo acontecimiento náutico en el 2010 como parte de los actos conmemorativos del Bicentenario de la Independencia de Chile que, finalmente, tuvo lugar desde día 13, hasta el pasado domingo 18 de abril.

Esperaba con impaciencia el momento de poder disfrutar de este maravilloso espectáculo naval en este querido puerto de Valparaíso… Y así lo hice, junto a miles de personas que esperaban en tierra la llegada de los once fantásticos veleros: el “Esmeralda”, de Chile; “Libertad”, de Argentina; “Sagres”, de Portugal; “Sebastián Elcano”, de España; “Simón Bolívar”, de Venezuela; “Guayas”, de Ecuador; “Cisne Branco”, de Brasil; “Gloria”, de Colombia; “Cuauhtémoc”, de México; “Capitán Miranda”, de Uruguay y el “Europa”, de Holanda.

Fue mucha la gente que acudió a presenciar el impresionante espectáculo nocturno en el borde costero de Valparaíso, donde los buques-escuela lucían su iluminación de gala. Quiero compartir con mis buen@s amig@s estas maravillosas fotos (verlas completas en Terra.cl)  donde aparecen algunas imágenes nocturnas de las naves atracados en el molo de abrigo durante la noche y, así mismo, un video –verlo aquí— de un radioaficionado durante el zarpe de los veleros, continuando la regata rumbo a Antofagasta. Espero que las disfruten.


da-vinci150.jpgLos avances y la calidad en la fotografía digital han llegado a unos límites de perfección increíbles. Un portal italiano de internet ha difundido fotografías de alta definición de “La Última Cena”, de Leonardo da Vinci. Gracias a esta iniciativa, se puede contemplar desde el monitor todos los detalles que esconde la obra.

El genial maestro trabajó en esta magna pintura mural para el refectorio del monasterio milanés de Santa Maria delle Grazie, desde 1495 a 1497. Actualmente sólo se permite un número restringido de visitas: un máximo de 300.000 personas al año pueden verlo de cerca. Si pincha en el enlace que figura más abajo, podrá contemplar con absoluta nitidez –y eligiendo las zonas que desea observar con más detalle– una de las obras más famosas del gran artista del Renacimiento.

» PINCHE AQUÍ PARA VER “LA ÚLTIMA CENA”

Hemos creído oportuno publicar por separado este magnífico texto de Tony Tarazona, autor del post sobre la Polinesia que figura más abajo, porque consideramos que viene a complementar un aspecto muy importante del mismo: la entrañable y lúcida reflexión que él hace sobre una de las fotografías con la que ilustramos dicho artículo. Tony escribe con sinceridad, profundidad y ternura sobre los sentimientos que despertaron en él la imagen de la madre que sostiene a su bebé en brazos. El texto que plasma sobre esta mujer y su bebé es verdaderamente conmovedor, y sobre todo, revelador de su capacidad para captar el sentido de las cosas. Un instinto fuera de lo común, y una curiosidad por todo, especialmente por el ser humano. Hacia él, y hacia la naturaleza, van dirigidas sus letras y a través de ellas sus sentimientos más hondos.

(Luis Irles)

/Leer el artículo completo de Tony Tarazona

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Luis Irles

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