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Arthur Cravan

Arthur Cravan

Un amigo artista alemán, Hans Winkler, tiene la fundada sospecha de que Arthur Cravan no murió en el Golfo de México, como se dice hasta ahora, sino de que pudo haber terminado sus días en Cuba o, por lo menos, confundido su identidad a su paso por la Isla para seguir viviendo errante por el mundo.

Habrá que comenzar esta historia situando las coordenadas de Arthur Cravan, uno de los personajes más controvertidos en el ambiente intelectual durante las dos primeras décadas del siglo pasado. Casi seguro estoy de que su doble condición de poeta y boxeador es única. En la meteórica, intensa y corta trayectoria conocida de este personaje, se entrecruzan matices sorprendentes y estrafalarios.

De origen inglés, nació en la ciudad suiza de Lausanne. Alardeaba de su árbol genealógico, en cuyas ramas solía encumbrar a Lord Tennyson y otros personajes vinculados con la corona británica. Sí que fue cierto su parentesco con Oscar Wilde: su madre era hermana del autor de La importancia de llamarse Ernesto. Y a no dudarlo, la fama de poeta maldito de Wilde probablemente influyó en los caminos de Cravan hacia el arte. Pero lo que inclinó definitivamente su vocación fue el espíritu que respiró muy joven en París.

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El Cine Arte ha sido un campo prolífico para la experimentación del medio cinematográfico. Un amplio abanico de cineastas catalanes, más o menos vinculados a las artes plásticas, se ha interesado por las posibilidades del soporte fílmico, ha cuestionado los códigos narrativos y ha analizado la estructura de la imagen.

Luis Buñuel y Salvador Dalí

Luis Buñuel y Salvador Dalí

Las vanguardias artísticas de principios de siglo marcan la pauta del cine experimental internacional. Los movimientos de vanguardia que condicionan la evolución de la pintura y la escultura del siglo XX también determinan la manera de entender la filmación y la proyección de imágenes en movimiento. El surrealismo cuenta con la figura del pintor catalán Salvador Dalí como uno de sus máximos exponentes. Sus colaboraciones con el cineasta Luis Buñuel, en las películas ‘Un chien andalou’ (1929) y ‘L’âge d’or’ (1930), se convierten en obras singulares hechas de impactos visuales, giros narrativos oníricos y elementos subversivos. El carácter lírico de estas dos producciones francesas mantiene puntos de contacto con cierto cine amateur realizado en Cataluña.

Dentro del campo del cine de animación experimental –a menudo catalogado con el nombre de fantasía–, hay que hacer referencia al nombre de Joaquim Puigvert. Este cineasta practica durante los años cincuenta una animación pictórica influenciada por la del canadiense Norman McLaren, reconocido exponente del cine pintado a mano sobre el celuloide. Jordi Artigas es otro de los realizadores de cine de animación abstracto, también llamado ‘cine sin cámara’.

esquizoLas ideas del poeta visual Joan Brossa y las composiciones musicales de Carles Santos hacen que Pere Portabella desarrolle una obra rica en matices, relacionada con las formas del ‘New American Cinema’ de Nueva York. Su film más paradigmático es ‘Vampir-Cuadecuc’ [Vampiro-Coladegusano] (1970), una película filmada en 16 mm, al margen de la industria. ‘Esquizo’ (1970), de Ricard Bofill, es otra obra destacada realizada en el entorno de la Escuela de Barcelona. En esta época también emerge el cine ‘underground’ del tarraconense Antoni Padrós y el cine militante de Llorenç Soler.

Alrededor del arte conceptual de los años setenta crecen una serie de colaboraciones fílmicas de un grupo de artistas catalanes establecidos en París. Benet Rossell, Joan Rabascall, Antoni Miralda y Jaume Xifra son sus protagonistas. La crítica a los medios de comunicación hecha a partir de imágenes recicladas y las investigaciones formales del cine estructural son dos de los intereses principales de Eugènia Balcells y Eugeni Bonet, cineastas de filmes insólitos como ‘133’ (1978-79). El videoarte catalán tiene en Antoni Muntadas y Francesc Torres sus artistas más internacionales.

Con la llegada del vídeo a Cataluña se amplía el campo de visión de unos artistas que mezclan los medios audiovisuales para poner en práctica inquietudes próximas a la videocreación, la videoinstalación, el videoclip, el cine de ficción, la televisión creativa y el documental heterodoxo. Isaki Lacuesta, Lluís Escartín y Oriol Sánchez son algunos de los nombres propios del Cine Arte actual.

Culturcat

Ayer  23  de agosto del año 2010, partió nuestro amigo Francisco de la Puente, aquel pintor de barbas largas amigo de todos, ese pintor con el cual compartí momento inolvidables en su taller de Santiago y su rincón secreto ubicado en las montañas del Ingenio, suena extraño saber que ya no está, que su obra se fue, que sus risas estarán guardadas en lo más profundo de nuestra alma.

Cómo recuerdo que mi Tata Pablo –amante del arte y la pintura–  me decía que me acercara al taller de Pancho y  lo ayudara a limpiar sus pinceles que,  de esa forma aprendería pintura y algo para desasnarme, como decía mi abuela…..cosa que nunca hice.

Siento su muerte como propia, siento que se  fue una parte de mí….  Me recuerdo de su habilidad para la cocina, un gozador siempre atento de prepararte algo rico con las cosas más sencillas y compartirlas con un tinto, el cual nunca faltaba en la mesa y en la conversa.

Conocí el éxito de su carrera artística del cual no hablaré ahora, pero él siempre humilde y acogedor, cariñoso con su hermana Carmen, su cuñado Sergio y sus sobrinos Jorge, Sergio y Tomás, y conmigo…, como sobrino agregado.

Capa, te fuiste a comer a la mejor mesa tomando el mejor vino y nos dejaste, pero por algo lo hiciste. Siempre tuviste las cosas tan claras y decididas, tu forma de vida te llevó a no transar tus principios en nada, lo cual es un gran mérito.

Fuiste  testigo presencial en la noche que reencontré  a la Malu en el Ingenio, estaba en tu mesa, en tu casa, bajo el cielo más estrellado que existiera.

Cuando el domingo pasado fui a buscar el balón de gas a la casa de Jorge y vi tu  auto Citroen viejo y añoso estacionado, me alegré mucho por que estabas ahí, te saludé y te juro que me hubiera quedado toda una tarde hablándote y riéndonos, con la fuerte risa de Jorge de música ambiental, pero nos despedimos rápido, porque para variar yo estaba apurado y me miraste de frente con la vista fija y me dijiste ADIOS.

José Miguel Ferrada Montt

¿Se puede escuchar un cuadro..? Compositores y pintores se plantean a menudo esta pregunta y conciben ideas de su mutua aproximación, prestando y tomando prestados procedimientos y conceptos. Recientemente, la dramaturga Victoria Szpunberg llevó a cabo una interesante intervención sonora basándose en la obra de Picasso Ciencia y Caridad (1897).  Una propuesta arriesgada, experimental, punto de partida para una posible investigación sobre el “sonido de la pintura” a través de un juego sutil, donde las voces fluctúan acompañadas de música clásica.

Cuadro del pintor granadino López Mezquita (1883-1954)

Muchos han sido los buenos pintores intérpretes de música y viceversa, así que la influencia recíproca ha sido continua. Un primer ejemplo puede ser la técnica impresionista de las “notas punteadas” de Claude Debussy y su supresión del principio del desarrollo musical en el tiempo a favor de yuxtaponer campos de contrastes tonales que parecen desprendidos del flujo temporal. O, más tarde, Igor Stravinsky, que elimina toda vaguedad y subjetiva evocación de sus composiciones para establecer una especie de “cubismo musical” a través de ásperas y discordantes estructuras de sonido.

Pero fue en el nacimiento de la abstracción pictórica pura, en los años anteriores y posteriores a la I Guerra Mundial, en el que la metáfora o modelo musical jugó un papel decisivo. En busca de un idioma visual adecuado al nuevo mundo, los artistas plásticos se vuelven a la música por diversas razones. Primeramente por su independencia de las trabas físicas y materiales y su máximo grado de abstracción.

"En la orquesta", Edgar Degas

La creación de lenguajes artísticos diferenciados en los procedimientos estéticos es propia de los diversos ismos a los que ha dado pie la dinámica de la vanguardia. En esa aventura plagada de cambios revolucionarios muchos pintores se vuelven a la música como modelo de creación, intrigados por su incorporeidad, su soberana independencia de lo visible y lo tangible y su no “necesidad” de imitación de lo naturaleza exterior para desarrollarse en su plena autonomía.

Parece un verdadero dilema semántico comparar algo visible con algo invisible, un arte que existe en el espacio con un arte que existe en el tiempo, pero lo cierto es que las artes, aun manteniendo sus límites, parecen necesitar contaminarse unas de otras. En el ambiente simbolista de fines del siglo XIX, Baudelaire formulaba precisamente su teoría de las correspondencias. Escribiendo en la Revue Européene en 1861, el poeta manifestaba que “sería verdaderamente sorprendente si un tono musical no generara un color, si los colores no evocaran un motivo melódico y si tonos y notas no se dispusieran para transmitir un pensamiento…”

A través de la música se manifiesta el espíritu sin mediaciones, es también metáfora de la creación pura; pero además la música tiene una organización muy pautado en elementos fácilmente identificables y manejables. Artistas como Kandinski, Mondrian o Malevich tratan de establecer los elementos conceptuales básicos de la acción pictórica: el punto, el plano, la línea, la organización empática de los colores en la superficie del cuadro. La armonía plástica imita la armonía musical.

En los numerosos programas y manifiestos de las vanguardias aparecen conceptos temporales como ritmo, dinamismo, velocidad o simultaneidad, o específicamente musicales como cadencia, disonancia, sinfonía, etc., que prueban la existencia de un estrecho vínculo entre las tendencias temporales en el arte y la recepción del fenómeno musical.

Vanacloche

Una vida de novela es la de esta belleza chilena, de origen boliviano, que deslumbró en los salones europeos y se convirtió en mecenas de los artistas más importantes de las vanguardias. Por su parte, fue señera en un concepto decorativo cercano al minimalismo y fue, probablemente, la primera en colgar un cuadro de Picasso sobre una cómoda francesa del siglo XVIII. Encarnó todo el esplendor de la Belle Epoque, siendo musa inspiradora.

eugenia huici 1Eugenia Huici de Errázuriz, por John Singer Seargent

Eugenia Huici Arguedas, hija de un acaudalado matrimonio boliviano afincado en Chile, nació en 1860 en el fundo familiar de La Calera. Desde niña destacó por su extraordinaria belleza que, sumada a sus impecables modales y distinción, la transformaron en una de las grandes exponentes femeninas de la Belle Epoque. De la vida rural chilena, de la zona central, pasó a estudiar a las Monjas Francesas de Valparaíso, casándose, a muy temprana edad, con el millonario pintor José Tomás Errázuriz Urmeneta, heredero de una incalculable fortuna y provisto de grandes relaciones sociales en el mundo.

Su primer año de casada lo pasa en la Hacienda Panquehue, donde tiene un hijo que muere a poco de nacer. Pero el espíritu de Eugenia estaba llamado a ser parte de los grandes procesos intelectuales, artísticos y estéticos que se estaban viviendo en Europa, con Paris como epicentro. Dueña de juventud, fortuna y relaciones convence a su marido, también interesado en desarrollar su arte, de trasladarse a la capital francesa. Su cuñado, el pintor, político y diplomático Ramón Subercaseaux era el cónsul en esta ciudad y estaba casado con otra belleza sudamericana, Amalia Errázuriz. Agreguemos que ellos son los abuelos de nuestro destacado y también refinado esteta, Senador Gabriel Valdés.

Eugenia, por Jacques-Emile Blanche

Eugenia, por Jacques-Emile Blanche

Se integra así a la alta sociedad parisina, conociendo a Sargent, Rodin y muchos artistas de renombre que no tardan en retratarla. El palco del cónsul era llamado “le balcon fleuri”, por las bellezas que se dejaban ver, destacando entre todas Eugenia Huici. En 1900 se traslada a Londres donde vive seis años, ampliando considerablemente sus relaciones con la alta sociedad. Pasa también una temporada en Madrid, donde traba amistad con Diaghilev y Stravinsky. Superada la Primera Guerra Mundial, vuelve a Francia.

Su concepción estética ya se había manifestado en espacios de gran simpleza, y casi minimalistas, que se adelantaron a su época. Su amistad con Cocteau la llevó a conocer a un joven Picasso con el que queda inmediatamente fascinada, convirtiéndose en su mecenas, amiga y confidente. Cuelga sus pinturas en muros blancos, desprovistos de molduras y acompañados de muebles de época de gran factura. El árbitro social y esteta por excelencia, Cecil Beaton, ensalza las atmósferas que Eugenia genera y el diseñador Jean Michel Frank la menciona como una de sus fuentes inspiradoras en la creación de ambientes.

Devota de las vanguardias pierde interés en la pintura tradicional y académica de su marido. Empieza a frecuentar Biarritz, donde adquiere una hermosa villa, que llama “La Mimoserie”, por la cantidad de mimosas que en su jardín florecían. En ella recibe frecuentemente a Picasso, quien pinta deslumbrantes murales en sus paredes. En tanto, ella lo aconseja y lo introduce en la alta sociedad, donde el cubismo aún no se conocía, además de apoyarlo financieramente. Stravinsky y el poeta Blaise Cendrars son otros de sus protegidos, a los que acoge, orienta y financia.

Queda viuda en 1927 con tres hijos, viendo su fortuna bastante menguada. Nunca se preocupó de las finanzas y sólo sabía gastar dinero en cosas bellas, atendiendo a sus amigos artistas. Piensa, entonces, volver a Chile. Casi todas sus amistades de juventud, representantes de la vida esplendorosa chilena y que dejaron en los salones europeos cuantiosas fortunas, ya habían regresado a su tierra natal. Le pide a Le Corbousier los planos para construir una casa en Viña del Mar. El proyecto es ejecutado en 1931 pero, por paradojas de la vida, la “Villa Eugenia” termina construyéndose en Japón.

Madame Errazuriz, por Picasso

Madame Errazuriz, por Picasso

Continúa viviendo en Biarritz, pero sus grandes amigos, dueños ya del aprecio y reconocimiento mundial, la visitan cada vez menos. Acostumbrada a recibir elogios por toda una vida, le cuesta asumir que su belleza va disminuyendo y que se va transformando en una encantadora anciana. La salud, la juventud dorada y el dinero se han ido. Los tiempos de guerra se hacen sentir con la escasez y termina refugiándose en una pieza de su otrora concurrida casa, aunque sin perder el exquisito gusto con que disponía de sus posesiones. Su hijo Max ha muerto y la soledad la embarga.

Finalmente, terminada la Segunda Guerra Mundial, sube por primera vez a un avión para regresar a Chile. Sobrevive a un atropello y, ya con noventa años, se va apagando sin ganas de seguir viviendo. Atrás queda la leyenda y la imagen glamorosa, las pinturas esparcidas por el mundo de Sargent, Picasso, Helleu, Blanche y Boldini. La Mimoserie fue vendida y sus pinturas de Picasso también. Todo se fue y, como la mayoría de los chilenos que se convirtieron en estrellas cosmopolitas de los salones de la alta sociedad europea, terminó volviendo a su tierra natal cuando el oropel se extinguió. Sin embargo, su concepto, su gusto y su intuición dejaron una huella decisiva en las artes decorativas que perdura hasta hoy.

Por Cecilia García-Huidobro
fuente: nuestro.cl

¿Han deseado alguna vez destruir una obra de arte de valor incalculable? Con el Virtual Reality Museum Vandalism, ya pueden hacerlo. Esta sencilla aplicación de realidad virtual permite dar rienda suelta a los instintos vandálicos más ocultos, proporcionando una colección de obras maestras que esperan ser destruidas. El proyecto forma parte de uno de los centros expositivos más avanzados de Europa, el museo del futuro, en el corazón de la ciudad austriaca de Linz, junto a los edificios barrocos y la casa renacentista donde Mozart compuso La Sinfonía de la luz.

museo

A la espera que de que se acabe la construcción de su vanguardista sede a orillas del Danubio, el centro de arte y tecnología Ars Electronica ha inaugurado un nuevo montaje de su museo del futuro en un edificio de tres plantas en el cruce de la calle Graben con Dametzstraße. El centro acoge unas 50 instalaciones interactivas.

Las instalaciones interactivas del museo del futuro demuestran cómo humanos y ordenadores pueden comunicar sin la ayuda de un ratón o un teclado, obligando el público a poner en juego su cuerpo y sentidos. Aunque parezca imposible, el visitante tocará elementos gráficos e incluso percibirá su temperatura (Thermoesthesia de Kumiko Kushiyama) o interactuará con un libro virtual, ampliando detalles, animando fotografías y abriendo enlaces sin tocarlo, sólo ejecutando los movimientos en el aire.

La relación entre tecnología y naturaleza y el desarrollo de la comunicación audiovisual, protagonizan dos ámbitos temáticos. Uno, Adapted from Nature, reúne los proyectos de biónica, una ciencia que desarrolla soluciones tecnológicas basadas en los organismos vivos y en los procesos naturales, como Digital Pheromones, que se inspira en el sistema de comunicación de las hormigas para evitar los accidentes de tráfico.

El otro, Everything in Motion – From Image to Animation, plasma la transición de la imagen fija a la animación con proyectos que explican los secretos del movimiento, empezando en por qué el ojo humano lo percibe a partir de 16 imágenes por segundo. Aquí los visitantes verán cobrar vida a sus dibujos (Drawn de Zachary Lieberman) y podrán generar ilusiones ópticas con una versión del teatro de sombras chinescas (The Manual Input Station de Golan Levin).

Uno de los ámbitos más concurridos es Gulliver’s World, versión ampliada y mejorada de Gulliver’s Box, que permite al visitante crear su mundo con el world creator, una aplicación que reproduce la Tierra.

Atención a los jóvenes

El tipo de paisaje elegido por el visitante influye en la conducta de sus habitantes, cuyas características también pueden ser modificadas. El visitante entra en el juego con un avatar, que reproduce sus actitudes y movimientos, previamente grabados, miniaturizados y retransmitidos en tiempo real.

La formación de una generación, que ha nacido con el joystick en la mano, es una prioridad del museo: el montaje está concebido para un público infantil y juvenil, que además puede participar en talleres y actividades. Sin embargo, gracias al riguroso enfoque científico, los proyectos, además de ser entretenidos, tienen diversos grados de interactividad y niveles de lectura, por lo que atraen tanto al visitante casual como al experto.

Fuente: El País.com

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