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¿Se puede escuchar un cuadro..? Compositores y pintores se plantean a menudo esta pregunta y conciben ideas de su mutua aproximación, prestando y tomando prestados procedimientos y conceptos. Recientemente, la dramaturga Victoria Szpunberg llevó a cabo una interesante intervención sonora basándose en la obra de Picasso Ciencia y Caridad (1897).  Una propuesta arriesgada, experimental, punto de partida para una posible investigación sobre el “sonido de la pintura” a través de un juego sutil, donde las voces fluctúan acompañadas de música clásica.

Cuadro del pintor granadino López Mezquita (1883-1954)

Muchos han sido los buenos pintores intérpretes de música y viceversa, así que la influencia recíproca ha sido continua. Un primer ejemplo puede ser la técnica impresionista de las “notas punteadas” de Claude Debussy y su supresión del principio del desarrollo musical en el tiempo a favor de yuxtaponer campos de contrastes tonales que parecen desprendidos del flujo temporal. O, más tarde, Igor Stravinsky, que elimina toda vaguedad y subjetiva evocación de sus composiciones para establecer una especie de “cubismo musical” a través de ásperas y discordantes estructuras de sonido.

Pero fue en el nacimiento de la abstracción pictórica pura, en los años anteriores y posteriores a la I Guerra Mundial, en el que la metáfora o modelo musical jugó un papel decisivo. En busca de un idioma visual adecuado al nuevo mundo, los artistas plásticos se vuelven a la música por diversas razones. Primeramente por su independencia de las trabas físicas y materiales y su máximo grado de abstracción.

"En la orquesta", Edgar Degas

La creación de lenguajes artísticos diferenciados en los procedimientos estéticos es propia de los diversos ismos a los que ha dado pie la dinámica de la vanguardia. En esa aventura plagada de cambios revolucionarios muchos pintores se vuelven a la música como modelo de creación, intrigados por su incorporeidad, su soberana independencia de lo visible y lo tangible y su no “necesidad” de imitación de lo naturaleza exterior para desarrollarse en su plena autonomía.

Parece un verdadero dilema semántico comparar algo visible con algo invisible, un arte que existe en el espacio con un arte que existe en el tiempo, pero lo cierto es que las artes, aun manteniendo sus límites, parecen necesitar contaminarse unas de otras. En el ambiente simbolista de fines del siglo XIX, Baudelaire formulaba precisamente su teoría de las correspondencias. Escribiendo en la Revue Européene en 1861, el poeta manifestaba que “sería verdaderamente sorprendente si un tono musical no generara un color, si los colores no evocaran un motivo melódico y si tonos y notas no se dispusieran para transmitir un pensamiento…”

A través de la música se manifiesta el espíritu sin mediaciones, es también metáfora de la creación pura; pero además la música tiene una organización muy pautado en elementos fácilmente identificables y manejables. Artistas como Kandinski, Mondrian o Malevich tratan de establecer los elementos conceptuales básicos de la acción pictórica: el punto, el plano, la línea, la organización empática de los colores en la superficie del cuadro. La armonía plástica imita la armonía musical.

En los numerosos programas y manifiestos de las vanguardias aparecen conceptos temporales como ritmo, dinamismo, velocidad o simultaneidad, o específicamente musicales como cadencia, disonancia, sinfonía, etc., que prueban la existencia de un estrecho vínculo entre las tendencias temporales en el arte y la recepción del fenómeno musical.

Vanacloche

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La revisión de la producción artística de los pintores españoles fundamentales de los últimos cincuenta años (Tàpies, Saura, Millares, Arroyo, Equipo Crónica, etc.) a través de muestras personales en Madrid (Centro de Arte Reina Sofía), Barcelona (Casa de la Caritat) y Valencia (Instituto Valenciano de Arte Moderno) permitió a muchos hacerse una idea de lo que pasó en este país, a nivel artístico, en el periodo franquista, hacer un balance de las aportaciones de los grupos renovadores (Dau al Set, El Paso, Crónica de la Realidad, etc.) y saber la dimensión de esos artistas a nivel internacional.

Antonio Saura (Huesca, 1930 – Cuenca, 1998) fue sin lugar a dudas uno de nuestros pintores más cosmopolitas, mejor reconocido a nivel museístico europeo y con una obra personal muy significada.

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La selección de obras de Rainer Michael Mason para la muestra itinerante de Antoni Saura en Valencia (que tuve la suerte de contemplar hace unos años), permitió al público adentrarse en las distintas etapas del artista aragonés. La mujer como punto de referencia de los primeros cuadros y dibujos de los años cincuenta. Aquí habría que rememorar su famosa Brigitte Bardot expuesta en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Las crucifixiones: como reflexión al Cristo de Velázquez del Museo del Prado. Los perros como interpretación libre de los temas de Goya. Las multitudes como reflexión, casi fotográfica, del yo multitudinario.

Estamos ante uno de los autores más sobrios que más partido le sacó, desde los presupuestos del expresionismo abstracto, al blanco y negro. Pintor con un grafismo muy personal, composición diáfana, gesto fuerte, su obra fue evolucionando lentamente, sin saltos en el vacío de ningún tipo.

Si hubiera que citar a un artista coherente con su estética, su obra y sus argumentos, habría que poner en primer lugar a Antonio Saura.

Al Saura pintor de cuadros, autor de una amplia obra gráfica e ilustrador de textos, hay que añadirle siempre otras facetas que a veces, en una muestra museística, se pierden de vista. Su condición de pensador, analizador de la realidad, escritor de arte. Él formó parte de esa reducida saga de artistas con un discurso teórico-estético-literario que se inicia con Picasso a inicios de siglo pasado, continúa de manera surrealizante con Dalí, prosigue literariamente con Ramón Gaya y llega a nuestros días con Antoni Tàpies, Eduardo Arroyo y el Equipo Crónica.

El día que podamos leer, reunidos en un libro, la antología de sus escritos, comprenderemos seguramente mejor las razones de su obra, entenderemos mejor qué es eso del arte español y qué cuestiones de interés cultural se han debatido en este país en los últimos años.

La cita con Saura en Valencia ayudó, sin duda, a comprender algunas de las razones del arte español del siglo veinte.

El 11 de agosto de 1956 –es decir, hace exactamente 52 años– moría en un trágico accidente de automóvil ocurrido en la localidad de Springs, en Nueva York, uno de los artistas plásticos más importantes e influyentes del siglo XX. Nos referimos al gran pintor estadounidense Jackson Pollock, el miembro más destacado –junto a De Kooning— del llamado expresionismo abstracto.


Nacido en Cody, Wyoming, Pollock estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El artista estuvo viajando por el país, realizando cientos de dibujos de la geografía física y humana de los Estados Unidos. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York). A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, tendencia pictórica de la que fue el representante más conocido y destacado,  desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar colocados en el suelo… Después los trabajaba o extendía con palos u otras herramientas, e incluso a veces dándole una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Pollock fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

Sus obras, que siguen ejerciendo una gran influencia en la pintura actual, son cada vez más valoradas y se hallan expuestas permanentemente en los principales museos de arte moderno del mundo, especialmente en el MOMA y en el Guggenheim de Nueva York.

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