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“La magia de una palabra —DADA— que ha puesto a los periodistas ante la puerta de un mundo imprevisto, no tiene para nosotros ninguna importancia”

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El “Manifiesto Dadá” escrito por Tristan Tzara y publicado en 1918 en el número 3 de la revista DADA de Zurich, es el primer manifiesto del movimiento dadaísta. Otros textos importantes para la historia del dadaísmo son: el “Manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo“, también de Tzara, leído en París el 12 de diciembre de 1920 en la Galería Povolozky y publicado posteriormente en el número 4 de la revista “La vie des lettres” también de París y la plaquette de ocho folios sin numerar “La premiere aventure celeste de Mausleur Antipyrine“, que Tzara escribió y publicó en Zurich en 1916.

Ahora bien, el manifiesto de 1918 es sin duda alguna el texto más significativo de los que publicó el artista rumano y el más explícito en sus intenciones.

Vivió casi toda su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del movimiento Dadá, que fundó junto con Jean Arp y Hugo Ball, una corriente artística de vanguardia, totalmente revolucionaria en el sentido de que buscó romper con todos los parámetros establecidos a lo largo de la extensión de la historia del arte occidental, tanto que hoy día es catalogada como “antiarte“. El Dadá fue una especie de padre fundador para gran cantidad de movimientos artísticos, entre ellos el surrealismo, el estridentismo, y en cierta medida el Arte Pop de los años 60.
 
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El movimiento dadaísta se originó en Zúrich, durante la I Guerra Mundial;  Tzara (llamado también Izara) escribió los primeros textos Dadá — La Première Aventure céleste de Monsieur Antipyrine (“La primera aventura celestial del señor Antipirina”, 1916) y Vingt-cinq poèmes (“Veinticinco Poemas”, 1918), así como los manifiestos del movimiento: Sept manifestes Dada (“Siete manifiestos Dadá”, 1924). En París organizó, con sus compañeros de movimiento, espectáculos callejeros plenos de absurdismo para épater le bourgeois, “escandalizar a la burguesía”, y dio un poderoso impulso a la escena dadaísta. Hacia fines de 1929 se embarcó en el recién inaugurado movimiento surrealista de André Breton, Louis Aragon y otros autores; dedicó grandes esfuerzos a intentar conciliar las doctrinas filosóficas nihilistas y sofisticadas del movimiento con su propia afiliación marxista. Participó activamente en el desarrollo de los métodos de escritura automática, entre ellos el collage y el cadáver exquisito. De esa época data su libro   L’Homme approximatif  (“El hombre aproximativo”, 1931).

Durante la II Guerra Mundial se incorporó a la resistencia francesa; tras obtener la ciudadanía en 1947, se afilió al Partido Comunista Francés. Su militancia se extendería hasta 1956, cuando, tras la invasión de Hungría por las tropas soviéticas para apagar la revuelta popular, se apartó del partido. Su obra de la época es característicamente compleja, aunque más convencional que en su juventud; en ella destacan Parler seul (“Hablar solo”, 1950) y La face intérieure (“El rostro interior”, 1953). cuando él fue dadaísta.

Murió en diciembre de 1963 en París, y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse.

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He leído con auténtico deleite un extraordinario libro dedicado a uno de los artistas más extraños y conflictivos del siglo XX, ya de por sí tan repleto de artistas de máxima calidad e innovadores a ultranza. Se trata de Magritte. Signos e Imágenes. Efectivamente, René Magritte fue un artista desconcertante, no por las características formales de su obra –que se desarrolló en el seno de un hacer bastante convencional e incluso académico– sino por el “mensaje” implícito que contiene. De ello, este volumen de Harry Torczyner –que contó con la colaboración de Bella Besnard– es un ejemplo convincente.

Los Amantes, una de las obras más difundidas de Magritte

La definición clásica de surrealismo, propuesta por André Breton, como automatismo psíquico puro sin control ni censura de ninguna clase, ni ética, estética o moral, se puede aplicar a René Magritte en una versión que es diferente de entre la de otros surrealistas. Para René Magritte, el surrealismo más que un automatismo es más bien un control de imágenes, con el objetivo de alcanzar visiones sorpresivas. El surrealismo de Magritte estaría más cerca del chiste que del sueño, y estaría más atento a sorprender al observador de la obra que a la sorpresa que lo alcanzado pueda producir en su propio creador.

Magritte intenta contraponer, en sus obras, elementos que no mantienen entre sí relación alguna; o bien, si la mantienen, contraponiendo la relación continente-contenido, invirtiéndola, para que así aparezca la sorpresa. Y, es bien evidente, todo ello reúne más los mecanismos del chiste, todos ellos controlados, que los mecanismos del asociacionismo inconsciente, que es lo que pretendia liberar el automatismo surrealista.

René Magritte nació el 1898 en la región belga de Hainaud, zona habitada por gente dura de carácter, puesto que la vida allí es también muy dura. Su madre se suicidó cuando el muchacho contaba catorce años; es decir, en una edad de plena conciencia pero aún de incomprensión de los hechos. En 1916 estudia arte en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Las enseñanzas académicas allí recibidas las mantendrá toda la vida y su obra será fundamentalmente figurativa, en el sentido de un dibujo coloreado; sólo durante unos años, después de la Segunda Guerra Mundial, recurrirá a la técnica impresionista, pero siempre sin abandonar la figuración como corsé estructurante y organizativo de la pincelada.

Se ha dicho –y ello es en parte verdad– que, pictóricamente, sus cuadros son pobres. Pero hay que tomar en consideración que lo que más importa a Magritte no es el vehiculo, la pintura, sino lo representado y cómo está representado. Con tal de que la pintura cumpla su cometido de ofrecer las imágenes que a él le interesan, ya basta. René Margritte hubiera podido ser un escritor –en realidad le gustó también escribir y escribió mucho, si bien acerca de su arte y de las teorías sobre las que el mismo se sustenta–, al igual que fue pintor; lo que le interesaba era plasmar de una u otra manera sus ideas, su concepto chocante de la vida y del entorno del hombre.

Y esa es su obra: un perpetuo juego, del que ese libro es un testimonio constante de imágenes. “Mis cuadros, escribe, han sido concebidos para ser signos materiales de la libertad del pensamiento.” Asi, si pinta una sirena, no se someterá al cánon que establece que se trata de una hermosa muchacha con cola de pez, en lugar de sexo y piernas. La concebirá exactamente al contrario: unas piernas y un sexo que culminan con una cabeza de pez. Cuando pinta una pipa de fumar, escribe inmediatamente debajo, “esto no es una pipa”; razón: una pipa puede ser llenada de tabaco y encendida, pero con la pipa pintada no se puede hacer nada de eso. Un cuadro puede ser una ventana y, para ello, convierte el cuadro que está en el caballete de pintar en una ventana; pero una ventana puede ser un cuadro, lo que queda ejemplificado cuando un trozo de esa ventana cae, como podría caer un cuadro que se partiera. Siempre en la obra de Magritte hay ese elemento chocante, inesperado; ese retrato de la cosa retratada que se vuelve sobre sí misma. La obra tiene que ser enigmática, nunca debe entregarse; pero para que sea enigmática tiene que ofrecerse o representarse algo que no lo sea, porque entonces la cuestión se plantea ya en otro terreno: en descifrar la representación, en descifrar el signo. Si el signo es normal, es una palabra, por ejemplo, que todo el mundo entiende, el enigma aparece y se manifiesta cuando –a pesar de ello– no se entiende la palabra, no se entiende el signo. Una silla y una cola de león son muy normales; pero una silla con cola de león es algo que no se entiende, es enigmático. Ahi está, en gran parte, el juego plástico de René Magritte. Todo es normal, pero no tiene el sentido normal.

La razón de la sinrazón, no obstante, no se explica como en el chiste, en el cual la clave consiste en tomar la palabra en doble sentido. No; en la obra de Magritte no juega el doble sentido; se trata de los mismos signos pero en dos lenguajes diferentes, sin traducción interna posible.

Obra extraña y banal, al mismo tiempo, gusta y repugna, atrae y repele.

Se le acusó de repetitivo; pero es que resulta muy difícil estar constantemente innovando, constantemente encontrando nuevas representaciones de incongruencias congruentes. Por ello su obra denota una cierta fatiga creativa. Seguramente es a consecuencia de ello que Magritte escribía; en ese ámbito lo imaginado, por no tener que ser realizado plásticamente, puede ser mucho más fluido.

Magritte murió en Bruselas en 1968. Había viajado mucho y su vida fisica había sido muy sencilla. Lo complejo era su cerebro; en el fondo el de un moralista escéptico.

Y este libro de Torczyner que expone su vida y sus tesis ofrece al lector esa misma conclusión. Muy de nuestro tiempo.

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Luis Irles

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