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Ingrid Bergman –que según una lista confeccionada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en toda la historia del cine– habría cumplido hoy 93 años. Curiosamente, por una de esa raras coincidencias del destino, falleció mientras celebraba su 67º cumpleaños.

La inolvidable actriz sueca, ganadora a lo largo de su carrera de tres premios Oscar y varios Globos de Oro, protagonizó películas como Luz que agoniza, Stromboli, Sonata de otoño, El Rolls-Royce amarillo, Juana de Arco,  Encadenados,  Por quién doblan las campanas, Intermezzo o la inmortal Casablanca, todo un mito en el universo cinematográfico.

Ingrid quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).

En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick “Intermezzo”. En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz “Casablanca”. 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Oscar, en este caso por su papel en la película “Por quién doblan las campanas”, aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Oscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en “Luz que agoniza”. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Oscar, esta vez por la película “Las campanas de Santa María”. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Oscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en “Juana de Arco”.

En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película “Stromboli”. Durante el rodaje comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas “Giovanna d’Arco al rogo” (1954).

En 1956 vuelve a ganar el Oscar a la mejor actriz por su interpretación en la película “Anastasia”, siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Oscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.

En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película “Asesinato en el Orient Express”.

Su última candidatura a los Oscar la recibió en 1978 por su papel en “Sonata de otoño”, del director sueco Ingmar Bergman.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

 

Datos biográficos via wikipedia.
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El mundo –ese lugar situado fuera de los Estados Unidos– siempre atrajo a los guionistas de Hollywood para ambientar sus películas. Algunas de ellas fueron inolvidables. Sin embargo, para el llamado “cine negro” –mayoritariamente localizado en Chicago, Nueva York o Los Ángeles– rodar thrillers en ciudades ‘exóticas’ no fue algo habitual, pero lo hicieron. La película paradigmática fue Casablanca –¿alguno de ustedes la ha visto?–, aunque también filmaron otras menos famosas, pero excelentes.

En este último caso cabe situar especialmente películas como The Shangai Gesture (1941, El embrujo de Shangai), Macao (1952, Una aventurera en Macao), World for Ransom (1954) que transcurría en Singapur, y House of Bamboo (1955, La casa de bambú) que acontecía en Tokio. Recuérdese también Calcutta (1947, Calcuta), Algiers (1938, Argel) y la nueva versión de éste, Casbah (1948, Casbah), en lo que concierne a parajes lejanos y distintas civilizaciones. Es obvio que en muchos films de este carácter el cine negro confluía con el género de aventuras, así como con las intrigas de espionaje.

Un escritor afiliado a historias de espías, el británico Eric Ambler, proporcionó materiales para dos films de lenguaje eminentemente negro con hincapié geográfico, parcial o total, en Turquía y con uso de un mismo personaje, el coronel Haki, al que encarnaron sucesivamente Orson Welles y Kurt Katch, Journey into Fear (1943, Estambul) y The Mask of Dimitrios (1944, La máscara de Dimitrius). La trama compleja del segundo film, como la de Mr. Arkadin (1955, Mr. Arkadin), se extendía por diferentes países europeos. Este continente albergó la acción de 13 Rue Madeleine (1946, 13 Rue Madeleine), So Dark the Night (1946), Berlin Express (1948), entre otros films noires; Londres constituyó la escena urbana de Ministry of Fear (1945) y Night and the City (1950), para limitar las citas a dos sobresalientes ejemplos.

Buenos Aires, como Río de Janeiro en Notorious (1946, Encadenados), fue centro de actividades subterráneas con signo nazi en Cornered (1945, Venganza) y también en la famosísima Gilda (1946), protagonizada por la sex symbol de la época Rita Hayworth o Margarita Cansinos, hija de un murciano emigrado a los Estados Unidos. Cuba acogió gran parte de las intrigas de The Chase (1946, Acosados) y A Lady without Passport (1950). Pero la zona latinoamericana que resultó más solicitada per el cine negro correspondió a México. Aparte de las facilidades, para desarrollos dramáticos y para los propios rodajes, que otorgaba la vecindad geográfica, se daba la circunstancia de que las tierras mexicanas suponían inmediatos refugios para los fugitivos de la justicia y los consecuentes sueños de libertad. Importantes secuencias de ambientación mexicana surgieron en Out of the Pass (1947, Retorno al pasado), The Lady From Shangai (1948, La dama de Shangai) y His Kind of Woman (1951, Las fronteras del crimen). Y el protagonista del primer film, Robert Mitchum, volvió a tales latitudes con motivo de The Big Steal (1949) y Second Chance (1953, Perseguida). La pequeña población de Ride the Pink Horse (1947, Persecución en la noche) estaba situada en New Mexico pero prestaba un escenario característico de al sur de la frontera. Con frecuencia los personajes del cine negro hablaban de México como de un feliz destino o de un definitivo retiro, por lo que este país, sin aparecer en las imágenes, estaba muchas veces presente en los diálogos, y representaba un específico exotismo: el de la paz final, más allá del reino de la violencia.

Mr. Arriflex

Los americanos lo denominan Cult. Se trata de cierto fanatismo cinéfilo que mueve a los afectados por esta patología benigna, a ver una y otra vez determinadas películas sacralizadas.

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Un espectador ansioso se sienta en la sala oscura y ve la película por decimoséptima vez. Para él es otra obra. Descubre nuevos giros y detalles que en un primer momento le habían podido pasar desapercibidos. Se llega a aprender los diálogos de memoria, con tan prodigiosa retención que luego será capaz de repetirlos en voz baja mientras los personajes prosiguen con sus textos.

Ese apasionado espectador al que sólo le calma la imagen en la pantalla, puede estar viendo Casablanca o Ciudadano Kane, con una devoción fetichista por la obra. Coleccionará los carteles, se hará con la música y esperará pacientemente que la película sea repuesta en algún cine de barrio, en la televisión, o en un cineclub.

Quizás esas sean las características del “culter”, aquel que necesita de estas imágenes-talismanes para creer que en ellas radica la posibilidad de todo. Una especie de iluminación mística que le sebrevendrá al término de cada función. Los norteamericanos acuñan el término cult cuando se refieren a películas como The Rocky Horror Picture Show, o The Night of the Living Deads, ambas de la denominada ‘serie B’ que llevan bastantes años consecutivos en cartelera en cines de Los Angeles y Nueva York. Allí acude, casi como un rito, un público que sigue de memoria el argumento. Acúden una y otra vez sin cansarse de ver las mismas películas, que sin embargo son otras, gracias a la participación de tan ferviente público.

claquetaok.jpg En nuestro país, el cult se manifiesta de un forma más equilibrada, casi como pequeños delirios personales con películas clásicas. Por supuesto, la televisión y el DVD no cuentan para el cult. Sentirse así frente a la pequeña pantalla, es casi ridículo para un ritual que requiere los 35 mm de film. La pantalla grande y la oscuridad de la sala son indispensables para saborear las proezas visuales de un Orson Welles, de unos Hermanos Marx o de un Wenders; éste último considerado por muchos como uno de los connotados del cult contemporáneo; junto al joven director francés J. J. Beiniex.

El culter espera la noche, se meterá en un cine y, después de la película, dormirá satisfecho esperando la siguiente sesión.

Julio Arriflex de Notal

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