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Para el compositor y director de orquesta Pierre Boulez, «sólo a Debussy podemos situarlo junto a Webern en una misma tendencia a destruir la organización formal preexistente en la obra, en un mismo recurrir a la belleza del sonido por sí mismo, en una misma pulverización elíptica del lenguaje». En detrimento de la tríada Stravinski, Schönberg y Bartok, para Boulez el verdadero precursor de la música contemporánea es este músico francés: sin su obra no se entendería no ya la de Ravel, sino tampoco la de Edgard Varèse u Olivier Messiaen. Fue Debussy, quien, al romper con la forma clásico-romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante, abierto a posibilidades infinitas. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner, establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros que rigen la composición musical. A pesar de ello, no hay que ver en Claude Debussy, un artista iconoclasta que reacciona contra el legado del pasado: la tradición, sobre todo la del Barroco francés, reviste una trascendental importancia en su música, particularmente en sus últimas composiciones, tales como las tres sonatas de cámara. Esta dualidad otorga al legado debussysta su perenne actualidad.

Nacido en el seno de una familia modesta sin preocupaciones artísticas, desde pequeño gozó de la protección de un acaudalado mecenas, Achille Rosa. Una discípula de Chopin, madame Mauté de Fleurville, lo preparó para afrontar las pruebas de acceso de París, que Debussy superó con brillantez cuando contaba diez años. En la época que pasó en dicha institución, el joven músico empezó a distinguirse por su inconformismo, su desprecio por las reglas académicas y su singular imaginación en el terreno de la armonía, cualidades que le acarrearon la enemistad de los profesores más conservadores. Aun así, en 1884 obtuvo el máximo galardón que concedía el Conservatorio, el prestigioso Premio de Roma. Sus obras de ese período revelan la fascinación que el futuro autor de Pelléas et Mélisande sentía entonces por la música de Wagner. Su estilo no empezó a adquirir un carácter personal hasta La demoiselle élue, cantata de inspiración simbolista que en su ambigua armonía y su gusto por lo indeterminado, la insinuación matizada y el ornamento refinado anuncia ya algunas constantes de su producción. Aunque en numerosas ocasiones se ha calificado su música de «impresionista», lo cierto es que se halla más cerca de la poética simbolista que del impresionismo pictórico de Monet o Pissarro.

En 1894 llegó su primera gran obra maestra, el Preludio a la siesta de un fauno, partitura orquestal inspirada en un poema de Mallarmé en la cual la música adquiere una dimensión puramente sonora. Algo similar puede decirse del posterior Pelléas et Mélisande, un drama lírico que sobresale por su atmósfera evocadora e indefinida, alejada de todo pathos posromántico. Su estreno convirtió a Debussy en el jefe de filas de la nueva generación de músicos franceses, a pesar de la hostilidad con que esta ópera innovadora y audaz fue acogida por la crítica y un sector del público. El tríptico sinfónico La mer supuso un nuevo salto adelante en el desarrollo de su estilo y un alejamiento de la estética de Pelléas que no todos sus seguidores comprendieron. Estrenada esta partitura en 1905, ese mismo año estuvo marcado por el escándalo público que supuso el divorcio del músico y su unión con Emma Bardac, esposa de un rico banquero. Los últimos años de Debussy estuvieron marcados por el cáncer que acabaría con su vida y por la Primera Guerra Mundial, a raíz de la cual su ideología y su música derivaron hacia posicionamientos de clara inspiración nacionalista.

Fuente: http://www.biografica.info/

En 1988, un grupo de destacados artistas de la canción anglosajona grabaron un álbum para homenajear a dos leyendas de la música norteamericana: Woody Guthrie y Leadbelly. La pareja de intérpretes que fueron objeto de este homenaje establecieron una tradición a la hora de escribir música, con tal conciencia social, que han influenciado en gran parte de las nuevas generaciones de cantautores de los Estados Unidos. Fueron amigos y cantaron juntos en innunmerables acontecimientos sociales de la década de los años cuarenta y sus canciones ensalzaban el espíritu americano al tiempo que denunciaban la avaricia, el racismo y los abusos del poder. A pesar de que tuvieron unas vidas difíciles y murieron en la pobreza, el mundo entero ha estado inspirado por su música.

En el cortometraje que se realizó para la ocasión –y que tuve la suerte de visionar ayer– se recogen las ya históricas imágenes de sus primeras grabaciones en 1930 y 1940. Bob Dylan, Fishbone, Emmylou Harris, Little Richard, John Mellencamp, Willie Nelson, Pete Seeger, Bruce Springsteen, Sweet Honey in the Rock, Little Red School House Chorus, Taj Mahal, U2 y Brian Wilson rindieron homenaje a estos dos míticos cantantes prestando toda su energía y emoción en la interpretación de las obras de ambos en conciertos, grabaciones de estudio y actuaciones al aire libre.

Asimismo, todos estos artistas comentaron ante las cámaras el profundo efecto que la música de estos dos cantautores ha tenido en sus vidas y a la hora de escribir sus canciones. De alguna manera, estas actuaciones llenas de emoción y los elocuenes testimonios prestaron nueva vida a estas figuras legendarias del folk americano a traves de este festival de música con raíces en la tradicion de los pueblos. Y estas actuaciones han quedado registradas para el futuro mediante un disco titulado “Folkways: A Vision Shared – A Tribute to Woody Guthrie and Leadbelly”, que obtuvo un premio Grammy.

Todas las revisiones de las canciones ponen un halo de luz sobre sus autores, a la vez que redefinen la producción de estos cantantes y Bob Dylan es quien tiende un puente hacia el presente. Su version de “Pretty boy Floyd” con guitarra acústica y armónica, está llena de la sorpresa violenta de un hombre que busca su pasado y, contra todo pronóstico, llega a encontrarlo.

Las dos canciones de Bruce tocan el fondo de otra de las facetas de Guthrie: toda la rabia amarga y desesperada con el orgullo que utilizó para escribir sobre la sociedad que deseaba.

Asimismo, la desgarrada versión de los U 2 del “Jesus Christ” tiene una fuerza musical que se ajusta fácilmente al sonido de la actualidad. A pesar de las periódicas reconciliaciones, el rock siempre ha mirado al folk con una cierta incomodidad. Para los amantes del segundo, el rock arriesgaba un compromiso social, mientras que los roqueros siempre desconfiaron de lo que denominaban mojigatería de los dedicados al folklore.

Una producción, este homenaje, que te deja un gusto por una época de las música de nuestro tiempo y otras décadas claves para entender lo que está sucediendo a nuestro alrededor.

Nino Rota

Y seguimos escuchando música, en este caso a través de la palabra escrita. Hace poco más de 33 años fallecía en Roma Nino Rota. Entre los muchos libros que se han escrito sobre él uno de ellos (publicado al cumplirse el onceavo aniversario de su desaparición) deviene motivo de inflamado recuerdo, de un justo homenaje, del apasionado análisis de su obra, de la aproximación a la persona y al compositor, del avisado comentario del panorama histórico-cultural-musical italiano, a través de las páginas de “Nino Rota, la imagen de la música”, de José María Latorre; suerte de asignatura personal pendiente, como cabe deducir de la confesión del autor en el prólogo a propósito de que este es un libro que se debía a sí mismo. Latorre se acerca a Rota y a su música con el corazón, desde posiciones de rendido admirador que no duda en manifestar que la música del “maestro” le ha acompañado siempre.

Contraviniendo el manido tópico del Rota “músico de cine”, del Rota felliniano, cuando no del Rota estrictamente desconocido, la mirada de Latorre incide tanto en su labor de compositor de bandas sonoras para el cine como de óperas, música sinfónica, sacra y hasta de ballets. A medida que avanza el libro se va perfilando el dibujo de un Rota generoso, fértil, afable, amigo de sus amigos, siempre disponible, melancólico y feliz, incapaz de una negativa, de ahí que sólo se arrepintiera de una cosa: de haber trabajado demasiado en cine.

Mr. Arriflex

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Sibelius es para muchos la voz de un país, especialmente su poema “Finlandia”, símbolo de independencia frente a la soberanía rusa. Cada una de sus muchas composiciones parecen hablarnos de cada uno de los escenarios de su patria: las largas noches nevadas, el vuelo del cisne y de la grulla, los bosques de abedules y pinos; pero sobre todo del apasionado amor que el compositor tuvo siempre a la libertad. Ofreció al mundo el agua pura y cristalina de los lagos finlandeses que fluyó durante más de medio siglo en las salas de concierto, transportando a sus oyentes hacia la naturaleza libre e inmaculada del gran país que le vio nacer.

Jan Sibelius nació el 8 de diciembre de 1865 en la ciudad de Hämeenlinna. Su padre, Christian Gustaf Sibelius, hizo su doctorado en ginecología y, tras ejercer como doctor militar en Turku, pasó a ser médico municipal en Tampere, desempeñando finalmente el mismo puesto en la localidad donde nació el compositor como fruto de su matrimonio con Charlotta Borg, hija del pastor.

Jan, que en realidad fue bautizado como Johan Julius Christian, creció huérfano, pues su padre murió contagiado de tifus por un paciente cuando el niño apenas tenía dos años de edad. El conocido investigador de Sibelius, Erik Tawaststjerna describe así la vida familiar: “La atmósfera de aquella casa de la Residenssinkatu en Hämeenlinna era ligeramente más bohemia que aburguesada. El ginecólogo dedicó más dinero a la adquisición de libros y música que a completar los más elementales utensilios caseros. No podía comprar un piano de cola y se tenía que contentar con alquilar uno”.

La Naturaleza como maestra

Una visita a la casa de Aino, mujer de Sibelius y donde el compositor pasó la mayor parte de su vida, sirve para convencernos que Jan heredó de su padre la austeridad que siempre le distinguió. Allí, a orillas del lago Tuusulanjärvi, a unos 30 kilómetros de Helsinki, cuando los cantos de los pájaros rompían el silencio del jardín, Sibelius, muchas veces acompañado por su amigo el pintor Pekka Halonen, trazaba las notas de sus obras.

Hoy, la sencilla casa de madera, convertida en Monumento Nacional, es lugar de peregrinaje para los amantes de la música; visita obligada para comprender mejor la música de este hombre que ya con cinco años tocaba el piano y componía. A los diez escribió “Gotas de lluvia” para violín y violonchelo, despuntando ya su amor por la Naturaleza. Con un violín bajo el brazo vagabundeaba por los bosques; se detenía de pronto y, subiéndose a una roca, tocaba con el corazón henchido de gozo. “Toco para devolver a los árboles y a los pájaros lo que ellos me han dado”, decía.

En su relación con los pájaros había algo de misticismo. Tenía un oído tan agudo y un sentido musical tan profundo que era capaz de determinar el tono y tesitura del gorjeo de las aves.

Actualmente, en la Academia Sibelius, uno de los más grandes conservatorios  de Europa con más de 1.700 alumnos matriculados, se enseña el papel que la Naturaleza juega en la obra de Jan.  Baste un ejemplo: El compositor solía guardar musgo en una caja de cerillas y lo olía de vez en cuando, porque, según él, su fragancia le traía el rumor del viento en los árboles y el canto de las aves.

Finlandia en el pentagrama

En el estreno de “Kullervo”, inspirado en un episodio del “Kalevala”, la epopeya nacional de Finlandia, ya se advertía claramente un sentimiento reivindicativo de la cultura autóctona finlandesa frente a la colonización rusa y sueca que se ejercía en aquella sociedad. “Jamás se ha escuchado una música parecida. Ésta ha sido la primera composición realmente finlandesa”, dijo un periódico de Helsinki.

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Su obra maestra es, sin duda, “Finlandia”. Compuesta en otoño de 1899 para un festival que iba a celebrarse en el Teatro Sueco de Helsinki, formaba parte de la apoteosis final. Los incendiarios acordes de aquel poema sinfónico despertaron el sentimiento patriótico de los asistentes, convencidos como estaban de que la obra era una defensa de la libertad de expresión y una enardecida protesta contra los opresores. Era un iluminado libre pensador.

La vida y obra de Sibelius se recrea en una sala reservada del Museo Sibelius de Turku, que exhibe más de 1.400 instrumentos musicales. El monumento de Eila Hiltuneni en Helsinki representa su rostro sobre una roca de granito, con las clásicas marcas en el entrecejo. Una estructura metálica y fuerte como los tubos de un enorme órgano recuerda al hombre musculoso y corpulento de su etapa adulta tan distinta a su juventud.

Infatigable, tanto para la composición como para las juergas, Jan Sibelius tenía como dieta cigarros puros, vino, coñac y abundantes alimentos. Mantenía su cuerpo en buen estado gracias a la sauna y a las friegas de agua helada que se daba. Conseguía su mayor felicidad cuando creaba música sin apenas valorar el dinero. Por una cantidad irrisoria y una caja de puros vendió su obra más popular, “Vals triste”.

En el crepúsculo de su vida sufrió amargamente al no poder finalizar su Octava Sinfonía. Murió el 20 de setiembre de 1957 en su querida casa de madera, a orillas del lago. Muchos proyectos acabaron consumidos por el fuego, pero nos dejó un patrimonio de más de doscientas composiciones musicales, muchas de ellas obras maestras. Para los finlandeses, además, la conciencia de su espíritu patrio y el orgullo de la belleza de su país.

Por Alberto López Echevarrieta (ArtesHoy)

El pasado día 13 de marzo, el mítico cantautor Bob Dylan ofreció un inolvidable concierto en el “Arena Santiago”, ante unas ocho mil personas que acudieron a escuchar la extraordinaria actuación del artista norteamericano.

bob-dylan.jpgFue su segunda presentación en Chile. En esta ocasión el cantautor llegó acompañado de una banda compuesta por cinco extraordinarios músicos. Dylan interpretó canciones clásicas de su amplio repertorio, como Lay, Lady, Lay o When the deal goes down, de su reciente disco Modern Times. Uno de los momentos más emocionantes del concierto fue cuando el genial artista interpretó Like a rolling stone, que fue coreada y largamente aplaudida por todos los asistentes.

Tras su espectáculo que se extendió por dos horas, Dylan viajó a Buenos Aires donde continuó su gira sudamericana que comenzó el mes pasado en México.

El gran músico y compositor, nacido con el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, Estados Unidos, está considerado unánimemente como uno de los mejores cantautores del siglo XX. Algunas de sus canciones, como Blowin in the Wind y The Times They Are Changin, se convirtieron en himnos pacifistas y antibélicos de los movimientos civiles norteamericanos en la década de los 60.

Mr Tambourine Man

Artículo de Tedd Temkin, publicado en el diario “El Mercurio” de Valparaíso, sobre la actuación de Dylan en Santiago de Chile.

 

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