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Durante mi visita a Noruega –país al que viajé por primera vez el pasado verano para asistir al “Den Norske Film Festival” en la idílica ciudad de Haugesund– tuve ocasión de conocer el impresionante Frogner Park de Oslo, el mayor espacio de esculturas del mundo creadas por un mismo artista. Se trata de una colección de 212 estatuas de piedra, bronce y hierro fundido esculpidas por Gustav Vigeland, el más importante y revolucionario escultor de los países escandinavos que, según muchos críticos de arte, representan aspectos ciertamente inquietantes de las teorías evolucionistas de Darwin.

Muchas de las esculturas a tamaño natural incluyen docenas de pequeñas figuras, como el puente con 58 hombres, mujeres y niños desnudos en todas la posturas imaginables. «Sinnataggen» (Niño Enfadado) — que representa a un niño dando una patada airada al suelo y que  es la escultura más querida del parque. A veces recibe el apelativo de «La Mona Lisa de Vigeland». No muy lejos de allí está «Livshjulet» (La Rueda de la Vida), un círculo de personas entrelazadas con un diámetro de tres metros.

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La entrada al parque también resulta impresionante: la amplia puerta se compone de esbeltas figuras masculinas en diferentes fases de la vida que se agarran a las columnas de granito coronadas por lámparas de hierro forjado. La escultura más emblemática del parque, en sentido literal y figurado, es el «Monolitten» (Monolito). Se trata de una columna de 14 metros situada en el punto más elevado del parque; una reproducción gigantesca a la cual 3 picapedreros dedicaron 14 años de trabajo diario bajo la supervisión de Vigeland. Hecha a partir de un único bloque de granito macizo, parece como si las 121 figuras de la escultura treparan las unas encima de las otras para alcanzar el cielo; una metáfora del anhelo de las personas por lo divino y lo espiritual.

La mayoría de esculturas está agrupada en 5 conjuntos que recorren la avenida de 850 metros de largo. En la parte sur del parque está el estudio de Vigeland, conservado en su estado original desde el fallecimiento de este en 1943.

 


 

El escultor más famoso de Noruega

 

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Gustav Vigeland (1869-1943) nació y creció en Mandal, al sur de Noruega. De niño, sintió fascinación por las cuestiones espirituales, por dibujar y esculpir. Esta combinación marcó el resto de su vida. Sus padres le mandaron a Oslo para que aprendiera un oficio (grabado de madera) en la escuela técnica. Consiguió una beca estatal que utilizó para viajar por Europa. Pasando por Copenhague, Berlín y Florencia, consiguió llegar a París, donde trabajó en el estudio de Auguste Rodin. Ya de vuelta en Oslo, siguió trabajando para convertirse en el escultor más conocido y productivo que Noruega jamás haya tenido.

A los 19 años se puso en contacto con el escultor Bergslien que se convirtió en su maestro y medio año después presentó, por vez primera, un grupo de esculturas en la exposición de Ontono. En 1890 decide viajar por Europa visitando Copenhague, París, Berlín, Florencia y Roma, entre 1900 y 1901 viajó a Francia e Inglaterra. Se interesó por el arte egipcio, el clásico griego y por las esculturas de Miguel Ángel y de Rodin.

Vigeland se destacó enseguida como el escultor mas dotado de Noruega entre otras cosas por sus retratos y monumentos llenos de fantasía. La otra peculiaridad de la obra de Vigeland es el tema elegido para su obra: representa a hombres y mujeres que narran el ciclo completo de la vida, desde la infancia hasta la vejez y no solo eso, narra también las penas y las alegrías, el amor y la indiferencia, el entusiasmo y la resignación, el gozo y el dolor, todo reflejado en los hombres y mujeres, padres e hijos, jóvenes y viejos.

¿Qué mayor obra de arte podría desear un escultor? Durante 20 años, Gustav Vigeland trabajó en una exposición al aire libre en el patio de su casa y estudio en Frogner, un barrio de Oslo. Finalmente, se convirtió en el parque de esculturas más famoso del mundo, pero jamás pudo disfrutarlo en todo su esplendor, ya que la mayoría de las obras terminaron de trasladarse aquí en 1950, siete años después de su muerte.

Mr.  Arriflex

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Louise Caroline Bourgeois, una de las artistas mas influyente del siglo XX, murió en Nueva York el pasado 31 de mayo a la edad de 98 años. Bourgeois había nacido en París en 1911, estudió matemáticas en la Sorbona pero abandonó la carrera para matricularse en  Bellas Artes. Posteriormente  trabajó con Fernand Léger antes de instalarse definitivamente en la ciudad de los rascacielos.

La siguiente entrevista la concedió Louise Bourgeois, el 11 de abril de 1989, en la Robert Miller Gallery.

Soy una especie de reclusa y no necesito continuar y continuar cada vez más rápido, ni necesito enseñar mi trabajo, ni explicarlo. Si el trabajo no se comunica contigo por sí solo, relájate. ¿Tienes que definirte a ti mismo? Es muy difícil definirse y es mucho más difícil mostrarse.

No estoy interesada en otros artistas, disfruto con algunos inmensamente, pero es un placer sin relación con mi trabajo. De hecho es casi como unas vacaciones cuando salgo a ver una exposición.

Tengo una casa de campo en Suiza, a la que cualquiera puede ir, pero he descubierto que quieren que haga crítica de su trabajo. Bien, esto es ridículo. Yo torturo mi cerebro para la crítica, hago crítica constructiva y ellos se lamentan porque no quieren ser criticados, ellos quieren ser amados y animados.
Esto no es posible, no se puede animar a todo el mundo. Puedo pasar horas hablando de su trabajo pero ellos no pueden pretender que lo ame. Y algunas veces no me gusta. No puedo comprometerme a decir que me gusta algo que no lo hace. Aprecio esas tardes pero siento al final de ellas que algo ha fallado. Siento que toda esa gente ha venido por algo que no ha conseguido. La gente espera demasiado; pretenden que les estimule a convertirse en Picasso, el cielo es el límite. Esto es lo que veo en los estudiantes, ellos desean el show y las grandes ventas, y no hay límite en esto.
Me recuerda a un viejo cuento de hadas: un niño quería dejar su casa, olvidarse de ella, y corrió hacia el bosque hasta las seis de la tarde, después quiso volver pero no pudo rehacer sus pasos.
La idea de vender es nueva, en el pasado los artistas trabajaban, hacían sus exposiciones y después llevaban sus trabajos de vuelta a casa. –nada se vendía, naturalmente.  Esto me ha sucedido a mí. Un montón de artistas abandonaban, pero era una gran experiencia ver el trabajo lejos del estudio en una exposición.
Recuerdo que cuando Stuart Davis tuvo éxito y le hicieron una gran exposición en el MOMA, él dijo: “nunca podré pintar de nuevo” y eso era cierto. No sé qué clase de síndrome es éste, pero muchos artistas no pueden soportar el éxito. Y tampoco puedes vivir continuamente en el fracaso… de modo que puedes decir que el arte es una adicción que no puedes controlar.

"Mamá", una de sus más famosas esculturas, frente al Museo Guggenheim de Bilbao.

El material es sólo el material, está ahí para servirte y dar lo mejor de sí, si quieres o esperas algo más, simplemente cambias de material. El mármol es interesante para mí porque posee una magnífica resistencia y al mismo tiempo es frágil, se rompe. Uno busca una cosa y encuentra algo diferente; si quieres algo demasiado rompes la piedra.

La resistencia del material es semejante a la resistencia de las personas; cuando quieres seducirlas y ellas no lo desean, lo que tú quieres es la base, pero tienes que ajustar.
El romance con la materia es absurdo, una noción académica, los materiales son lo que son, no son un fin sino un medio para conseguir un fin, ha de servirte. La finalidad es conseguir lo que quieres decir. Tanto si lo que quieres es entender como si lo que quieres es entenderte el material no es el fin.

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Ayer  23  de agosto del año 2010, partió nuestro amigo Francisco de la Puente, aquel pintor de barbas largas amigo de todos, ese pintor con el cual compartí momento inolvidables en su taller de Santiago y su rincón secreto ubicado en las montañas del Ingenio, suena extraño saber que ya no está, que su obra se fue, que sus risas estarán guardadas en lo más profundo de nuestra alma.

Cómo recuerdo que mi Tata Pablo –amante del arte y la pintura–  me decía que me acercara al taller de Pancho y  lo ayudara a limpiar sus pinceles que,  de esa forma aprendería pintura y algo para desasnarme, como decía mi abuela…..cosa que nunca hice.

Siento su muerte como propia, siento que se  fue una parte de mí….  Me recuerdo de su habilidad para la cocina, un gozador siempre atento de prepararte algo rico con las cosas más sencillas y compartirlas con un tinto, el cual nunca faltaba en la mesa y en la conversa.

Conocí el éxito de su carrera artística del cual no hablaré ahora, pero él siempre humilde y acogedor, cariñoso con su hermana Carmen, su cuñado Sergio y sus sobrinos Jorge, Sergio y Tomás, y conmigo…, como sobrino agregado.

Capa, te fuiste a comer a la mejor mesa tomando el mejor vino y nos dejaste, pero por algo lo hiciste. Siempre tuviste las cosas tan claras y decididas, tu forma de vida te llevó a no transar tus principios en nada, lo cual es un gran mérito.

Fuiste  testigo presencial en la noche que reencontré  a la Malu en el Ingenio, estaba en tu mesa, en tu casa, bajo el cielo más estrellado que existiera.

Cuando el domingo pasado fui a buscar el balón de gas a la casa de Jorge y vi tu  auto Citroen viejo y añoso estacionado, me alegré mucho por que estabas ahí, te saludé y te juro que me hubiera quedado toda una tarde hablándote y riéndonos, con la fuerte risa de Jorge de música ambiental, pero nos despedimos rápido, porque para variar yo estaba apurado y me miraste de frente con la vista fija y me dijiste ADIOS.

José Miguel Ferrada Montt

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“Hemos potenciado el elemento humano y el reto de la modernidad”

Realizar una entrevista con Giovanni Camieri, reconocido pintor italiano y actual director del Museo de Bellas Artes de Crotone (Reggione di Calabria), a pocas semanas del casi seguro nombramiento del escultor Vito Donato para ese mismo cargo, es como entrar en los jardines de Bomarzo y perderse. Tal es la sutileza aterciopelada, la ubicuidad dialéctica, la seductora timidez del entrevistado.

Como un informático de Sillicon Valley, Il Maestro Camieri se ajustaba sus gafas finas y respondía a las preguntas con la eficacia de una computadora. El hombre que ha cambiado la faz cultural y educativa de Calabria, colegí en el acto, era un experto en subirse por las ramas. Pero este hombre no es ni un intelectual ni menos un filósofo, es sencillamente un artista: ni siquiera se permite bromas cultas en su discurso. Camieri, el italianizante, como un nuevo Torquemada meridionale es también un animal político (fue tres veces alcalde de su pueblo natal) que juega sus cartas con habilidad de tahur. Vaya, pensé, heme aquí ante Super Camieri y lancé la primera pregunta acodándome en la mesa circular.

-¿Qué relación ve usted entre la Calabria profunda y la moderna?
-Calabria tiene un potencial dinámico y creativo, si bien había carecido de medios de producción cultural que la situaran dentro de una región avanzada en Europa. Nosotros hemos recuperado en diez años las carencias de un siglo. Hemos potenciado el elemento humano y el reto de la modernidad.
-Se ha dicho que a sus expensas se ha creado una casta político-cultural de privilegiados. Una suerte de apesebramiento de intelectuales…
-Bueno, eso requiere una reflexión. Cuando se crece en infraestructura aparecen esos peligros. Pero no ha sido esa la intención ni menos los resultados. Yo he ofrecido cargos a personas de relevancia cultural sin ningún tipo de compromiso. Concretando que es lo importante, el Museo, por ejemplo, es una apuesta de futuro y su proyecto conceptual no ha querido contentar a nadie. Nuestra política ha sido la de abrirse hacia afuera con una orientación internacional, no hemos querido caer en la autocomplacencia.
-A eso algunos le han llamado despotismo ilustrado…
-La obligación de cualquier artista comprometido es establecer los impulsos necesarios para avanzar más. Trasladar aspiraciones de mucha gente de transformar la sociedad y su cultura. Es cierto que hay fuerzas retardatarias muy numerosas en el terreno artístico, pero es el conjunto de hombres y mujeres anónimos los que hacen una apuesta por el progreso.
-¿Cómo definiría usted la sensibilidad calabresa?
-Con excepción de las polémicas que genera cualquier proyecto innovador aquí no hay indiferencia. Hay apasionamiento y eso es clave. Ese elemento elimina el despotismo ilustrado, la gente lo asume como algo propio.
-¿No ha tenido nunca la tentación de dejar ésto y volver a pintar?
-Las opciones de vida creativa, tanto en arte, literatura, etc., son muy nobles y válidas. Pero para mí lo importante es comunicar, por eso estoy aquí.
-¿Piensa que los calabreses son los «pringaos» del país?
-Le diré algo reflexivo: no estoy de acuerdo con el sentimiento victimista. Llevar al pesimismo es un agravio comparativo y no conduce a la creatividad, a querer influir y ser influido. Hay que huir de un particularismo que puede ahogar.

Don Giovanni se quita las gafas y me mira con ojos simpáticos. Enciende su Cohibas número siete. Me resisto a resignarme a su discurso inexorable. Intento hacerle una pregunta personal y me llevo una sorpresa. Al director del Museo le chifla Adriano Celentano.

Y la pena es que sus paisanos no lo hayan sacado hasta ahora en procesión, con su semblante de profesor de Oxford animando el tedio de la parada del autobús que te lleva a Catanzaro. El gran artista calabrés habría roto muchos corazones. Pues al fin de cuentas, amado lector, vuelvo a colegir que lo que realmente se admira de Camieri son sus rizos celestiales.

 

Paolo Bermelli, corresponsal de Il Faro en Italia

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Luis Irles

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