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Bajo el título de ‘Ted Russell: Bob Dylan NYC 1961-1964’, la neoyorquina galería de Steven Kasher estuvo albergando –desde el 20 de abril hasta el pasado 3 de junio– una exposición de fotografías excepcionalmente interesantes del músico, poeta y Premio Nobel de Literatura 2016, Robert Allen Zimmerman, más conocido por Bob Dylan. Casualmente, me encontraba yo en la Gran Manzana en esos días y –tres o cuatro jornadas antes de su clausura– me planté en el 515 de la calle Oeste con la 26. La exposición, resumida en pocas palabras, no era más que una fresca mirada del fotógrafo Ted Russell (que en la actualidad tiene 87) años al interior del joven Bob Dylan, cuando éste vivía en un descuidado apartamento del Greenwich Village a principios de la década de los 60.

En noviembre de 1961, Bob Dylan tenía 20 años, y ya era un cantante bastante popular que se preparaba para una ascendente y prometedora carrera musical. Sus primeras actuaciones pagadas, sobre todo en el ‘Gerde’s Folk City’, despertaban interés. Una favorable e inesperada reseña en el ‘New York Times’ y la grabación y lanzamiento de “Song for Woody”, su primera composición original, tuvo un gran éxito e influyó en muchos cantantes y compositores de la época.

Por su parte Ted Russell –nacido en Londres en 1930– y residente en los Estados Unidos desde el año 1952, está considerado uno de los grandes fotógrafos del siglo XX. Comenzó a fotografiar a los 10 años y, a los 15, ya colaboraba con algunos periódicos londinenses. Al año siguiente, trabajó en ‘Acme Newspictures’ en Bruselas. Más tarde se unió al personal de ‘Now’, un magazine ilustrado, y posteriormente a la revista ‘Spotlight’. En el 52 abordó el Queen Mary para Nueva York, llegando con cuatro cámaras y 200 dólares. Pronto fue reclutado y se desempeñó como fotógrafo del Ejército. Después de asistir a la Universidad de California en Berkeley, regresó a Nueva York y se convirtió en fotógrafo de la revista ‘Life’ durante más de 12 años. Sus trabajos han aparecido además en las prestigiosas revistas ‘Newsweek’, ‘Time’, ‘Saturday Review’ y ‘New York’ e igualmente expuestas en el Centro Internacional de Fotografía y en el MOMA.

Por mi parte, debo confesar que fue una grata experiencia la visita que hice a la ‘Steven Kasher Gallery’, inspiradas por la música y los retratos de Bob Dylan. Estas fotografías de Dylan han sido una iluminación: cuando en 1961 su primer disco ni siquiera había sido promocionado, el músico de 21 años, con el pelo rizado y los ojos vivos, estaba a punto de proclamar su propia verdad al mundo, aunque nadie lo sospechaba. Armado con su máquina de escribir y su guitarra iba a aplastar y absorber la realidad y devolverle la vida dentro de una nueva forma, con un equilibrio perfecto entre una inocencia necesaria y ligera para hablar sinceramente al mundo y una tenacidad antigua, de siglos, para hacerlo. Fue Bob Dylan, sin duda, el joven que cambió el rock and roll en ese momento, la primera gran revolución musical desde que Elvis Presley la iniciara en Memphis en 1956.

Mr. Arriflex

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Estamos a punto de despedir este año que, para muchos de nosotros, ha transcurrido vertiginosamente. Durante el 2012, personajes de la literatura, la música, la pintura, el cine y el teatro celebraron distintos aniversarios: bicentenarios, centenarios y medio siglo de partida de su natalicio o fallecimiento. Algunos de ellos son universalmente conocidos: los escritores Charles Dickens, Bram Stocker, Jorge Amado y August Strindberg, o los pintores Antoni Tàpies y Jackson Pollock. Algunos de ellos fueron vanguardistas para su tiempo, rompieron moldes convencionales en sus respectivas disciplinas artísticas e influyeron a otros, y unos más crearon personajes que conectaron con el público y que hoy son parte del inconsciente colectivo.

AUGUST STRINDBERG (1849-1912)

Relaciones tormentosas, la lucha entre una sociedad caduca y la moderna y la violencia psicológica entre los personajes, son algunos de los temas que el dramaturgo sueco August Strindberg plasmó en obras como “El Pelícano”, “La Sonata de los espectros”, “La Danza de la muerte” y “La Señorita Julia”, entre otras, alejándose del romanticismo y precursor del teatro del siglo XX. Creador de una vasta producción en todos los géneros literarios, incursionó también en la fotografía y la pintura, y fundó varios teatros, donde presentó obras en un acto. Polémico por sus ideas y crítica social a la burguesía, pero igualmente popular, se señala que a su funeral acudieron 50 mil coterráneos. Su país lo ha honrado con una casa-museo y en 2005, con una exposición antológica de su obra plástica en la Galería Tate de Londres.

JACKSON POLLOCK (1912-1956)

El más distinguido representante del expresionismo abstracto es el pintor norteamericano Jackson Pollock, quién en vida gozó de gran reconocimiento. Discípulo del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, de gran importancia en su desarrollo artístico, aprendió con él distintas técnicas como el vertido y goteo de pintura, así como el manejo de la laca, pintura de esmalte y arena sobre la superficie de los cuadros. Pollock transitó de la figuración, donde incorporó motivos de Pablo Picasso y Joan Miró, a la abstracción, encontrando un estilo personal con influencias surrealistas como el automatismo e imágenes del subconsciente. A mediados de los 40 y 50 del siglo pasado, sus obras resultaron polémicas, aunque fue alabado por el crítico de arte Clement Greenberg. Influenció a movimientos posteriores como el Pop Art, Arte Minimal, entre otros, y es reconocido como uno de los más importantes creadores del siglo XX.

BRAM STOKER (1847-1912)

En el arte, hay ocasiones en que los personajes son más famosos que su creador. Miles de personas habrán leído o visto la película de “Drácula” en sus diferentes versiones: cine, teatro, televisión, animación, entre otras, pero pocos sabrán que su autor fue el escritor y crítico teatral irlandés Bram Stocker cumple durante el presente año 100 años de fallecido. Recientemente, el director Francis Ford Coppola le dió crédito al creador en el título de la obra y quizás sea de los pocos que lo han hecho. Escrita en 1897, Stoker jamás imaginó que a más de cien años su personaje e historia siga fascinando y provocando terror a multitudes, más allá de otras de sus novelas “El paso de la serpiente” y “La joya de las siete puntas”, igualmente del mismo género.

JOHN CAGE (1912-1992)

El artista norteamericano John Cage es considerado inclasificable y una de las figuras primordiales de la vanguardia de la Post-Guerra. Incursionó en la teoría y la composición musical, -uno de los más influyentes en el siglo XX-, también autor de música para danza, específicamente para las coreografías de Merce Cunningham; se interesó por la filosofía, la pintura y la poesía, igualmente, mantuvo una fuerte influencia del Budismo Zen y el I Ching en la manera de componer, en sus composiciones usaba el azar, como usar plantas como instrumentos. La experimentación en la obra de Cage tuvo gran influencia en diversas tendencias como el arte sonoro y la música electrónica, así como en los compositores, músicos y artistas visuales Brian Eno, Frank Zappa, Michael Parsons, Sonic Young y Stereolab, así como en la obra del pintor Robert Rauchemberg, por citar sólo algunos. Dicen los expertos que la intención de Cage con su música, es abrirse al silencio y los sonidos de la vida misma.

JOHN CHEEVER (1912-1982)

Considerado con un estilo influido por el escritor y dramaturgo ruso Antón Chejov, donde en una situación dada la apariencia de que “no pasa nada” presuntamente, en la superficie, detonan los conflictos dramáticos subyacentes la apariencia de familias felices, el escritor norteamericano plasmó en sus cuentos y novelas la infelicidad en los barrios residenciales, el regresó al paraíso de la infancia y la transformación de las ciudades modernas, es calificado como uno de los mejores cuentistas de su país. Con su obra, el ganador del Premio Pulitzer y el National Book Award, precisamente por “La Crónica de los Wapshot” y sus cuentos reunidos, es destacado por el crítico Harold Bloom, como un agudo observador de la realidad social de su país.

MICHELANGELO ANTONIONI (1912-2007)

“Blow-Up, deseo de una mañana de verano”, basada en el cuento corto “Las babas del diablo” del escritor argentino Julio Cortázar, es quizás una de las películas más celebradas de este director italiano. La cinta ganó la Palma de Oro al mejor director en 1966 en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Antonioni, que también fue pintor y escritor, filmó “La aventura”, “El eclipse”, “La noche” y “El reportero”, así como las últimas cintas en su carrera como “Más allá de las nubes”, co-dirigida por Win Wenders, y “La mirada de Michelangelo”, son parte de su prolífica realización fílmica. Precisamente la mirada de Antonioni en su cine, iba más allá de lo evidente, enfocándose en aspectos presuntamente ínfimos, de los que está hecho la vida.

GENE KELLY (1912-1996)

“Cantando bajo la lluvia” es la más famosa película musical del coreógrafo y bailarín Gene Kelly, considerado un revitalizador de la danza con un estilo más libre al del también bailarín de la época de los años 40 y 50, Fred Astaire. Bajo la dirección de Stanley Donnen, Kelly también filmó otras cintas musicales como “Un día en Nueva York” y “Siempre hace buen tiempo”, rodadas al aire libre, algo inusual e innovador en su tiempo. “Invitación a la danza”, dirigida por él mismo, y presentador de la recopilación de musicales de la MGM en los años 70, contribuyeron al auge de esta expresión, tanto en el cine como en el teatro, que tiene millones de seguidores en el mundo.

LAWRENCE DURRELL (1912-1990)

Con las obras de “El Cuarteto de Alejandría”, en el que plasmó la historia de esta ciudad antes y después de la Segunda Guerra Mundial, le dieron el reconocimiento internacional al escritor hindú Lawrence Durrell. También autor de diarios de viajes, obras de teatro y otras novelas, fue la fascinación que provocó en los lectores y en otros autores con las piezas citadas a fines de los años 50 y principios de los años 60 del siglo XX, lo que hizo que decenas de escritores y cineastas vivieran en las naciones del norte de África, cautivados por el misterio de las culturas y su gente.

TRICENTENARIO

JEAN-JACQUES ROUSSEAU

“El hombre es bueno por naturaleza, es la sociedad quien lo corrompe”, es una de las premisas del filósofo y escritor suizo Jean-Jacques Rousseau, a tres siglos de su nacimiento, (1712-1778), tuvo una vida de penalidades, perseguido políticamente por sus ideas, viajó por diferentes países europeos y fue fustigado por otros pensadores como Voltaire y algunos reyes, al grado de sufrir delirio de persecución. Su ideales influyeron en la Revolución Francesa y en las posteriores que lograron el surgimiento y creación de distintas naciones. Sus obras “El Contrato social” ó “Emilio o la edcación”, por mencionar algunas, revolucionaron los sistemas de pensamiento y marcaron pautas para las sociedades modernas. Contradictorio, publicó libros y al mismo los detestaba, valoró el papel de la mujer, pero jamás se casó con su compañera y escribió las pautas de la educación infantil, pero dejó a sus hijos en un orfanatorio.

BICENTENARIOS

CHARLES DICKENS (1812-1870)

El novelista británico Charles Dickens retrató en sus obras realistas los ambientes populares y marginados, criticó las injusticias y arbitrariedades para con los oprimidos en plena Revolución Industrial londinense, por lo que fue sumamente popular en vida. Considerado el precursor de las actuales telenovelas, con el sistema de “novelas por entregas” en los periódicos de la época, -modelo que sería imitado por otros autores-, provocaron la ventas en miles de ejemplares de los periódicos en las que se publicaban. “Cuento de Navidad”, más conocida como “Mr. Scrooge”, “Oliver Twist” y “Grandes esperanzas”, entre otras, han sido llevadas a la televisión, el cine y la animación, incluso a la ópera y el teatro. Mostró en sus obras las pasiones humanas, se casó varias veces y tuvo 10 hijos, criticado y envidiado, pero también adorado y valorado a partes iguales, su vida también es una novela.

ROBERT BROWNING (1812-1889)

Al poeta británico Robert Browning se le atribuye la creación del poema-monólogo dramático, en verso, multivocal y de diferentes perspectivas, y fue durante su estancia en Italia, donde escribió este estilo en “Hombres y mujeres”, que incluye poemas sobre Fray Lippo Lippi y Andrea del Sarto, luego escribió “Dramatis personae”, a raíz de la muerte de su esposa, y en Londres, “El anillo y el lbro”, donde entremezcló diversas voces a manera coral. Admirador de los poetas románticos Lord Byron y Mary Shelley, la autora de Frankestein, el propio Browning influyó en otros autores que plasmarían en sus obras estas y otras técnicas literarias, la polifónica, como T. S. Elliot y Ezra Pound, hoy tan común en el teatro, la televisión y el cine.

MEDIO SIGLO DE PARTIDA

WILLIAM FAULKNER (1897-1962)

El poeta, guionista de cine y escritor norteamericano es considerado como “escritor para escritores” por la influencia que ha tenido por la experimentación en las estructuras complejas y técnicas narrativas como el libre fluir de la conciencia y diferentes puntos de vista de un suceso, entre otras, de sus obras como “El sonido y la furia”, “Mientras agonizo” o “Santuario”, por citar algunas, y los autores latinoamericanos Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Carlos Fuentes han destacado su legado literario. Faulkner ambientó sus novelas y cuentos en el ficticio “Condado de Yoknapatwpha” en los estados sureños estadounidenses al final de la Gran Depresión mostrando las relaciones interraciales y familiares, sobre todo la naturaleza humana en sus diversos registros. Autor imprescindible y prolífico, escribió 20 novelas y 85 relatos breves, obtuvo el Premio Nóbel de Literatura de 1949.

HERMANN HESSE (1877-1962)

Pocos autores logran conseguir la aceptación de la crítica y el público, como este poeta y escritor alemán, ganador del Premio Nóbel de Literatura en 1947, cuyas obras son consideradas como iniciáticas por sus múltiples admiradores en todo el mundo, particularmente la más famosa, “Siddhartha”, publicada en 1922, por la combinación de filosofía oriental y occidental y la búsqueda de la iluminación espiritual. Aunque sus obras son vistas con desdén por cierta crítica especializada, además de la novela citada, pueden encontrarse en las librerías “El lobo estepario” y “Demian”. A medio siglo de su desaparición física y a 90 años de la publicación de su obra más famosa, Hesse sigue teniendo sus lectores. Es simple, hay autores que conectan con el respetable.

GEORGES BATAILLE (1897-1962)

Transgresor y polémico por los temas del erotismo, la muerte y el misticismo, entre otros, que manejó en su prolífica producción, el escritor, antropólogo y pensador francés Georges Bataille, quién fundó revistas e integró grupos de literatos, no obtuvo mucha aceptación sino hasta después de su muerte, ya que su legado fue reconocido en la segunda mitad del siglo XX por los filósofos Michael Foucault y Jacques Derrida, por citar algunos. “La historia del ojo”, “Lágrimas de Eros” y “La parte Maldita” son algunas de las obras de este autor desaparecido hace cinco décadas.

HERNANDO GARZA en “Vida Universitaria”

Durante mi última visita al fascinante puerto de Hamburgo y, tras una típica y copiosa cena al más puro estilo alemán en el restaurante “Paulaner”, decidí dar una vuelta –junto a un grupo de amigos– por el mítico y marinero barrio de Sant Pauli, cercano al hotel donde nos alojábamos. Nos llamó la atención la gran cantidad de gente de todo tipo y edad que pululaba por sus calles, mezclados con grupos de turistas con su infaltable guía al frente. Decidimos seguir a uno de ellos –formado por italianos– a través de un estrecho callejón donde, inesperadamente,  nos topamos  con una placa conmemorativa en el lugar donde se encontraba el “Star Club”, el local donde comenzó a brillar el grupo musical más grande que ha dado la humanidad.

starclub amigos

Mis amigos de Hamburgo

Cualquiera conoce a los Beatles, pero no todos saben que su carrera empezó en Hamburgo. En 1960, los chicos de Liverpool llegaron a la ciudad. Hoy, su paso por estos lares se recuerda con monumentos y un nuevo museo.

Era el 17 de agosto de 1960. Sobre un escenario de la norteña ciudad de Hamburgo tocaban cinco desconocidos músicos de Liverpool. Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stuart Sutcliffe se hacían llamar por aquel entonces los “Silver Beatles” y nadie sospechaba aún que aquel día se estaba empezando a escribir un nuevo capítulo en la historia del pop y el rock.

En Hamburgo, los Beatles recaudaron sus primeros éxitos. Aquí nació su legendario e inconfundible “sonido”. “Hamburgo era uno de uno de esos sitios en los que las cosas transcurrían de un modo salvaje. La ciudad nos permitió desarrollar nuestro talento. En ella teníamos éxito”, dijo Peter Best, quien pronto fue sustituido en la batería por Ringo Starr.

“I don´t care too much for money”

El “Star-Club” les dio a los Beatles el “último empujón”. Mientras que en su ciudad de origen los Beatles apenas lograban contratos, Sant Pauli los integró desde el principio en su panorama nocturno. En este marinero barrio, marcado por las drogas, el sexo y la violencia, los de Liverpool recibían vítores y aplausos, los clubes hacían cola para verlos subidos a sus escenarios y el grupo tocaba una media de seis a ocho horas cada noche por un salario de 30 marcos. Las actuaciones eran duras: la cerveza, los bocadillos de Frikadellen (carne picada asada) y las pastillas las hacían más llevaderas.

beatles 2

“Vivíamos en el cine Bambi, cerca de los cuartos de baño. ¡Es cierto!”, recordaba Paul McCartney. También la comisaría de policía la frecuentaban con regularidad, acusados de alterar el orden público. Los Beatles dejaban en los bares un reguero de deudas tras de sí, se subían al escenario en ropa interior y gafas de buceo o armados con banderas británicas para recalcar su patriotismo. Los enfrentamientos con el público eran habituales.

“A shot of rhythm and blues”

Escuchando a los Beatles, los jóvenes alemanes se rebelaban contra la melosa música popular que les gustaba a sus padres. “Éramos artistas sobre los escenarios de los bares hamburgueses. ¡Tocábamos un rock fantástico!”, aseguraba John Lennon, y el arte de fascinar a las nuevas generaciones lo dominaban tan bien que Horst Fascher acabó contratándolos para que animasen las noches de su Star-Club. “¡Aquí recibieron el último empujón!”, cuenta Fascher.

En Hamburgo, los Beatles grabaron su primer disco y, con una versión de My Bonnie is over the ocean, escalaron hasta el quinto puesto de las listas de éxitos alemanas. El fin de año de 1962, los cinco británicos dieron el que debía ser su último concierto en el Star-Club: los Beatles estaban listos para comerse el mundo.

“Get back to where you once belonged”

En 2008, el alcalde de Hamburgo inauguró una escultura: Harrison, Lennon, McCartney y Starr eternizados en acero y, al fondo, Sutcliffe, el quinto Beatle que murió en 1962 en Hamburgo a consecuencia de un derrame cerebral. Alrededor del monumento: unas 70 canciones del grupo grabadas en el suelo.

Hamburgo está orgullosa de haber servido de pasarela a los Beatles. El pasado 29 de mayo, casi medio siglo después de su primera actuación sobre un escenario hamburgués y tras 10 meses de intenso trabajo, la ciudad inauguró una exposición permanente dedicada al cuarteto: allí donde todo empezó, en las calles de Sant Pauli, un viejo museo del erotismo se retira y brinda cinco plantas de espacio para el culto a la “Beatlemanía”.

Autor: Michael Marek/ Luna Bolívar
Editora: Claudia Herrera Pahl
Fuente: http://www.dw-world.de/dw/article/0,,4296259,00.html

El musicólogo Piotr Nawrot, cabeza y alma del Festival de Chiquitos, explica por qué la música barroca americana fue más elaborada e intensa que la europea. Y revela el rol de los chilenos en la recuperación de este patrimonio.

misiones_jesuitas_ruinas_de_san-miguel1 Ruinas de la misión jesuita de San Miguel

La combinación fue explosiva: en el corazón de la selva Jeremy Irons y Robert De Niro eran dos misioneros sorprendidos por las habilidades musicales, supuestamente vírgenes, de los indígenas. “La misión” (1986) conquistó al gran público. Sin embargo, la música no era de los siglos XVII o XVIII, sino de días atrás. La acababa de componer Ennio Morricone, a pesar de que repertorio original había, y de sobra. “Si querían reconstruir la historia de las misiones, deberían haber utilizado la música de Moxos que entonces ya se conocía gracias al musicólogo chileno Samuel Claro”, revela Piotr Nawrot, director artístico del Festival de Música Barroca de Chiquitos (Bolivia).

Ya en 1966, Claro había catalogado dos mil páginas de música de la reducción jesuítica de Moxos, que hoy ya se han convertido en más de siete mil. Y lo mismo pasa en Chiquitos. Algunas partituras estaban en las viejas iglesias, pero la mayoría, en los hogares de los habitantes. Eran su tesoro más preciado, y sólo lo entregaron al comprobar que se volvía a tocar la música de sus ancestros.

“Cuando los jesuitas fueron expulsados (1767), la gente ya no tenía liturgias, pero seguía reuniéndose y tocando esta música, porque es su historia y su fe”, explica Nawrot, musicólogo polaco y sacerdote. Además, hacían sus propias copias, práctica que sigue vigente en el siglo XXI en Moxos.

“El indígena añade su propia personalidad al instrumentalizar las obras -o arreglarlas-, y por eso la música barroca de las misiones es mucho más sacra que en las catedrales de Europa. ‘Renunciemos a dos coros, hagamos solo uno, y en vez de una gran orquesta, hagamos algo simple’, dicen, porque para ellos la alabanza a Dios es más importante que el despliegue virtuoso”, revela el polaco. Por lo mismo, los compositores indígenas no firmaban sus obras. No lo necesitaban: eran los protagonistas de la fe. En las misiones se cantaba en lengua originaria.

Ya en el siglo XVIII, la selva era un tentador escenario musical incluso para el compositor con el mejor trabajo del mundo religioso: Domenico Zipoli. “Era maestro de capilla de la Chiesa Gesú en Roma, pero lo abandona todo y se viene cuando escucha la noticia de que los indígenas son muy buenos músicos”. Mientras estudia para ser sacerdote en Córdoba (Argentina), compone y envía a las misiones sus trabajos. Pero enferma y muere en 1726. No obstante, su música sobrevive hasta hoy, en dos versiones: una chiquiteña, y una moxeña, de acuerdo con cuáles indígenas la arreglaron.

Nawrot retoma la palabra: “La música acompañaba cada momento del día. Si salían a la chacra a trabajar, iban tocando flautas y tamborines. En cada pueblo misional había al menos 30 músicos profesionales, que empezaban a formarse a los seis años. En América, la música fue más elaborada y más intensa que en Europa. El propio Papa Benedicto XIV pone a las reducciones como modelo para las iglesias europeas, ya que los misioneros utilizan la música como instrumento de evangelización. Yo, que soy cura, creo que el Rosario, que repite 50 veces el Ave María, es una linda oración. Pero si entro en una iglesia y alguien canta un Ave María acompañado de instrumentos, la influencia estética y espiritual que tiene sobre mí es mayor que repetir 50 veces lo mismo”.

misiones-chiquitos1

Misión jesuita de Chiquitos

El repertorio sacro de las misiones es impresionante. “Corresponde a casi todos los momentos del año litúrgico: misas, vísperas, letanías, óperas sacras, antífonas marianas y música instrumental. El ordinario de la misa se cantaba en polifonía, y, entre Chiquitos y Moxos tenemos más de 80 misas polifónicas”.

En Moxos está todo el repertorio musical de la Semana Santa, en lengua indígena. Además, se está recuperando el acervo de las misiones franciscanas, y Chile tiene un rol estelar. Syntagma Musicum, de la Usach, reestrenó en 2008 las Misas Prohibidas de Guarayos. Antes había grabado los cantos catequéticos en mapudungún del Cancionero Chilidugú del padre Havestadt (1777), acervo chileno que testimonia la fusión mágica de la música y la fe.

En el Festival de Chiquitos han participado también Les Carillons, de la Universidad de Chile y Estudio MusicAntigua, de la UC, entre otros. La mayoría de los conciertos se realizan en las antiguas reducciones y son gratuitos. Su financiamiento es mixto. Con un presupuesto de 240 mil dólares, en 2008 hubo más de 130 conciertos, con casi 90 mil asistentes.

Romina de la Sotta Donoso
Fuente: El Mercurio.com

La crisis por la que atraviesa el arte en nuestras días es un problema conocido por todos y al cual prestigiosos teóricos están dedicando sus trabajos. Gillo Dorfles, uno de los más lúcidos estudiosos de esta problemática, ya afirmó en 1970: “Se trata de algo mucho más determinante que la desaparición de las supersticiones o la indiferencia. Estamos asistiendo a una “asunción” del arte, a un fin que no le estaba destinado, el de un fácil hedonismo, ni siquiera el de un refinada sadismo, o de un complicado erotismo, solo el de un acompañamiento neutro y amorfo a las actividades más triviales y cotidianas. Las formas artísticas se degradan y se insertan en las más bajas estratificaciones culturales, cuando su verdadera cualidad ha sido del todo o parcialmente alterada.”

Veamos como el cine, en este caso, nos ofrece formas artísticas deformadas y degradadas, contribuyendo a aumentar y difundir este problema de la obsolescencia artística.

ben-hurBen-Hur, de William Wyller. 1959

Como punto de partida hemos elegido el aspecto en que el cine adultera las esencias artísticas por él tratadas. Analicemos algunas de las numerosas producciones entresacadas de acontecimientos históricos y textos clásicos: “Los Diez Mandamientos”, “Ben-Hur”, “Ulises”, “La Odisea”, “La fierecilla domada”, etc. Estas películas, a las que se podrían agregar tantos y tantos títulos actuales, nos ofrecen una visión de la Historia completamente deformada. La adaptación realizada para el cine ha traído consigo una acentuación exagerada en las características del personaje, cosa que también sucede con las “tipos” secundarios, cuya importancia en el texto o en el suceso histórico es intrascendente y en la película se convierten en personajes llenos de virtudes,”adornados”, con rasgos de nobleza, generosos y bellos. La acentuación de estos rangos en el protagonista se intensifica y éste aparece rodeado de alguna que otra aureola que lo califica como “único”. Este carácter “único” del personaje está encasillado en un proceso de “tipificación a lo americano”, en un tratamiento melodramático de la historia y con un abuso en la técnica del primer plano.

El mismo resultado se da con aquellas manipulaciones deformadoras en los acontecimientos del pasado y en los clásicos, donde se esquematiza y se simplifica los rasgos y la historia del personaje, recortando aquello que se juzga poco interesante, dando visiones parciales y distintas por completo de la evolución de los hechos.

citizen-kane

Luego en lo que respecta a los valores espirituales, sociales y culturales de una época, de un pueblo o encarnados en un personaje, son difuminadas en el relato melodramático, con gestos y ademanes sublimes y cautivadores.

En segundo lugar analicemos la función que la música clásica viene desempeñando -con algunas excepciones- en el cine. El papel de la obsolescencia musical nos ofrece datos, (que el lector puede enriquecer y extender a nuevos puntos, con un poco de reflexión), fácilmente comprobables en nuestra vida diaria. Estamos ya acostumbrados a ver (y oír)  ciertos spots publicitarios en la televisión y el la radio, en donde se saquea el valor de la  música, dándole una importancia marginal y utilizándola como fondo de banalidades y frivolidades. Pensemos por un instante que dirían un Beethoven a un Bach, si vieran sus composiciones acompañando la sonrisa de una atractiva jóven que nos invita a comprar toda una serie de cosméticos, automóviles y electrodomésticos, o utilizada en melodramas de pésimo gusto.

Y precisamente ha sido el cine quien más ha contribuído a este estado desordenado de cosas. Antes  de ver, con más detenimiento, como es llevada la música clásica al cine en nuestros días, recordemos la opinión tan autorizada del gran director francés René Clair sobre el papel de la música en el cine: “No vamos al cine para oír música. Exigimos que ella profundice y prolongue en nosotros las impresiones visuales de la pantalla. Su tarea no consiste en explicar estas impresiones, sino en agregarles un matiz especificamente distinto, y si así no fuere, la música para películas habría de contentarse con ser perpetuamente redundante. Su tarea consiste, no en ser expresiva, agregando sus sentimientos a los de los presonajes o a los del director, sino en ser decorativa, uniendo su estructura rítmica a la estructura visual que se trama para nosotros en la pantalla. Por eso creo esencial que el músico cinematográfico desarrolle un estilo propio.”

Comprueban esta teoría, con magníficos resultados, entre otras obras de gran calidad, películas como: “L’atalante”, de Jean Vigo; “Ciudadano Kane”, de Orson Welles; “Enrique V”, de L. Olivier; “Hamlet”, del mísmo Olivier, etc. Pero no ha sido ésta, sin embargo, la tónica general del cine que, por el contrario, ha utilizado sin escrúpulos, masivamente, autores y obras maestras de la música clásica.

latalante

¿Qué papel le ha sido otorgado, pues, a la música en la produccián cinematográfica? La respuesta es clara y rotunda: un mero acompañamiento a escenas, encuadres y diálogos mediocres o de pésima calidad. Para hacer ésto ha tenido que ser alterado el valor artístico fundamental y el resultado ha sido una esquematización armónica, rítmica o fragmentaria; es decir, un tratamiento de “musiquilla” totalmente frívola. Este degradarse de las formas musicales lo estamos presenciando con la mayor pasividad; asimilando una estética del mal gusto, una divulgación deteriorada que, de no ser por el oportunismo de estos directores, seguirían en su mayor parte en el lugar que le corresponde.

Hagamos ahora referencia, (pues de lo contrario cabría pensar que esto tan solo ocurre en las película genéricamente llamadas “comerciales”), al al cine propiamente de autor.

Es ya una costumbre encontrar al trío Bach-Vivaldi-Mozart, en las obras de cineastas tan extraordinarios como Pasolini, Bergman, Fellini, etc; sirviéndose de éstas para definirnos ambientes y situaciones convencionales. Como dijo el crítico italiano Baldelli, “Bach ya se ha convertído en el color genérico de los intelectuales…”. Con estos tratamientos musicales, que no tienen nada que ver con el estilo propio del film, se pretende echar mano a un recurso más, expresivo de la idea, utilizado como algo secundario.

Si por “kitsch”, o estética del mal gusto, entendemos aquella obra prefabricada, que comunicada tiende a provocar el efecto en el público, veremos que la utilización de la música, tan empleada por estos cineastas, tan sólo persigue ese fin. Y si aún profundizamos más y consideramos que una obra es “kitsch”–según la definición de Umberto Eco– no sólo porque estimula efectos sentimentales, sino porque tiende continuamente a sugerir la idea de que, gozando de dichos efectos, el espectador está perfeccionando una experiencia estética única y privilegiada, veremos que también esta utilización que hacen los más representatívos directores actuales adolecen de esta característica.

El carácter de unidad de una obra nos viene dada por la organización de su estructura en “aquél modo de formar”, que constituye el estilo y en la que se manifiesta la personalidad del autor.

Es necesario un replanteamiento musical en el cine, para que no arrastre peculiaridades de una estética de mal gusto.

Mr. Arriflex

El pasado día 13 de marzo, el mítico cantautor Bob Dylan ofreció un inolvidable concierto en el “Arena Santiago”, ante unas ocho mil personas que acudieron a escuchar la extraordinaria actuación del artista norteamericano.

bob-dylan.jpgFue su segunda presentación en Chile. En esta ocasión el cantautor llegó acompañado de una banda compuesta por cinco extraordinarios músicos. Dylan interpretó canciones clásicas de su amplio repertorio, como Lay, Lady, Lay o When the deal goes down, de su reciente disco Modern Times. Uno de los momentos más emocionantes del concierto fue cuando el genial artista interpretó Like a rolling stone, que fue coreada y largamente aplaudida por todos los asistentes.

Tras su espectáculo que se extendió por dos horas, Dylan viajó a Buenos Aires donde continuó su gira sudamericana que comenzó el mes pasado en México.

El gran músico y compositor, nacido con el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, Estados Unidos, está considerado unánimemente como uno de los mejores cantautores del siglo XX. Algunas de sus canciones, como Blowin in the Wind y The Times They Are Changin, se convirtieron en himnos pacifistas y antibélicos de los movimientos civiles norteamericanos en la década de los 60.

Mr Tambourine Man

Artículo de Tedd Temkin, publicado en el diario “El Mercurio” de Valparaíso, sobre la actuación de Dylan en Santiago de Chile.

 

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De la misma manera que, hace unas semanas, subimos a nuestro blog la sorprendente “Última Cena” -que un portal italiano difundió- por su extraordinaria técnica fotográfica en alta definición y avances de última generación, ahora queremos que disfrutéis de esta otra maravilla de creatividad e ingeniería computacional “Women in Art”.

Pinche AQUÍ para ver el video. No le defraudará.

 

UN BLOG SUMAMENTE ECLÉCTICO

BIENVENIDOS AL FARO…

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Espero -con gran ilusión- recibir vuestras colaboraciones, comentarios, fotos, vivencias y correos, que puedan ayudarme a ir desarrollando este Blog. El Faro del Fin del Mundo pretende seguir una línea entretenida y diversa -aunque debo confesar mi debilidad por los temas náuticos- pero, al mismo tiempo, publicando narraciones, poemas y textos de calidad y, por qué no, también con historias divertidas. El humor, no lo olvidemos, es importante en nuestras vidas. Gracias de nuevo.

Luis Irles

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UN BONITO REGALO DE TONY T., DE “CAFÉ & BLOGS”

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Nuestro entrañable amigo Tony T., miembro del grupo Café & Blogs, nos ha sorprendido muy gratamente al crear EL FARO MAGAZINE, una bitácora en la que ha comenzado a publicar una selección de artículos aparecidos en este Faro desde su inicio. Desde aquí le damos las gracias por el hermoso detalle que ha tenido con nosotros.

EN NUESTRAS PÁGINAS

FOTOS: "La triste y solitaria vida de los marinos..."

AMICI MIEI: La Barcelona de mi niñez, por Tony Tarazona.

MÚSICA: NOVEDADES: El mejor 'duet' de toda la historia: "Summertime", por Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. "Nine Below Zero", "Peces de Ciudad", "Cesária Évora" y mucho más...

POESÍA: "Soliloquio del Farero", de Luis Cernuda.

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PREMIOS A ESTE BLOG

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Premio otorgado por Jon Kepa y su blog "Enseñanzas Náuticas"

Gracias por el premio, navegante de mares de papel.

PREMIO DARDO

Otorgado a este Faro por el blog El mar, qué gran tema para hablar, capitaneado por nuestro colega y buen amigo José, al que quedamos sumamente agradecidos.

PREMIO CALIDEZ

Gracias a Patricia Gómez, Binah, excepcional ser humano y poeta, por concedernos este hermoso premio.

PREMIO AL ESFUERZO PERSONAL

Nuestro generoso e incansable amigo Funkoffizier, de El mar qué gran tema para hablar, vuelve a premiar a este Faro, lo cual nos llena de orgullo y agradecimiento.

PREMIO CAMPANHA DE AMIZADE

Agradecemos profundamente a Jon Kepa, creador del blog Enseñanzas Náuticas el habernos concedido el premio Campanha de Amizade. Muito obrigado, amigo.

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Gracias a nuestra amiga Narkia por este bonito premio.

PREMIO OTORGADO POR CAPITANA

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Nuestra muy querida amiga Capitana nos ha honrado con este bonito premio. Le agradecemos muy mucho el detalle que ha tenido con nosotros.

PREMIO OTORGADO POR TIACHEA Y, NUEVAMENTE, POR JON KEPA

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Tiachea, desde su Bitácora de Melusina nos ha honrado con este hermoso premio. Le agradecemos muy sinceramente su hermoso gesto. Así mismo, mil gracias a mi colega y amigo Jon Kepa, que ha tenido la gentileza de volver a compartirlo con nosotros.

PREMIO A LA HONESTIDAD

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El Grand Chef de Oídococina!, ha tenido la gentileza de obsequiarnos con un exquisito plato recién salido de sus creativos fogones. Le quedamos enormemente agradecidos por este hermoso detalle.

UN REGALO DE 'TINTERO Y PINCEL'

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Nuestra admirada amiga María, cuyo talento artístico puede comprobarse en su blog Tintero y Pincel, nos ha honrado con este simpático "Cracking Crispmouse Bloggywog Award". Un detalle que le agradecemos de todo corazón.

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SANTIAGO DE CHILE

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TIERRA SENTIDA

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OBRAS DEL ARTISTA SEBASTIÁN MÁRQUEZ

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BARCELONA

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