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Durante mi último viaje a Europa –que incluyó una breve estancia en Alemania– tuve la oportunidad de visitar el Museo Ludwig de Colonia, que presentaba en esos días la primera exposición individual del pintor francés Balthus. “Balthus existe”, escribió el poeta Rainer Maria Rilke, queriendo borrar así las sospechas que rondaban en las mentes de muchos críticos de que se trataba de un personaje de ficción. Y añadió algo más sobre el entonces jovencísimo creador plástico: “Estoy convencido de que, en unos pocos años, se convertirá en un artista con talento, tal vez con genio.” Sin lugar a dudas, el vaticinio de Rilke se cumplió ampliamente.

"Paciencia", 1943

"Paciencia", 1943

Balthasar Klossowski de Rola –este era su auténtico nombre– nació en 1908 en París. Era hijo de un matrimonio de orígen polaco, residente en la capital francesa, formado por Erich Klossowski –destacado historiador de arte– y por Elisabeth Dorothea Spiro, conocida como Baladine Klossowska. Ambos formaban parte de la élite cultural de la Ciudad-Luz. El hermano mayor de Balthus, Pierre Klossowski, fue un conocido filósofo muy influido por los escritos del Marqués de Sade. Esta peculiar familia sirvió de inspiración a Jean Cocteau, que los visitaba asiduamente, para su conocida novela Les Enfants Terribles. Balthus murió, como correspondía a su condición social, en una aristocrática mansión situada junto a la ladera de una montaña cercana a los Alpes suizos.

Autorretrato

Autorretrato

Balthus, que se definía a sí mismo como  “el rey de los gatos” (su único autorretrato lleva precisamente ese título), era una persona bastante introvertida aunque muy relacionada con los grandes artistas de la década de los 30. Su trabajo comenzó a ser admirado por muchos intelectuales y artistas parisinos –entre los que se encontraban André Bretón y Pablo Picasso. El gato, por supuesto, fue siempre el animal preferido de este excepcional artista. Rilke llegó a escribir un breve prefació para un librito que Balthus escribió siendo casi un niño. Era la historia del seductor, inquietante y misterioso gato “Mitsou”, que aparecía de la nada y desaparecía en la nada. Las tranquilizadoras palabras del poeta, al final de su breve prefacio, aclaran: “El gato no, pero Balthus existe.

Y por supuesto que existía: era dueño de una serie de castillos en Francia y Suiza, y siempre afirmó que poseía un antiguo título nobiliario — el de Conde Klossowski de Rola– con raíces familiares en las Highlands escocesas. Afirmaba también ser pariente directo de Lord Byron, y poco importa comprobar si era cierto o no. Lo que verdaderamente interesa es su extraordinaria obra pictórica. Para mí, los rasgos que mejor definen sus lienzos son –además de la perturbadora belleza de sus trazos intemporalmente clásicos, alejados de las modas y vanguardias imperantes en  aquellos años– la rigurosa ordenación compositiva y su pasión por unos pocos artistas auténticamente importantes, que de alguna u otra manera influyeron en su concepción del arte, especialmente Piero della Francesca y Masaccio.

2Fueron muchos los que injustamente calificaron a Balthus de pintor ‘voyeurista’ y algo impúdico al que le atraían las adolescentes . El primer cuadro que llamó la atención del crítico de arte Wilhelm Uhde y de Adré Breton fue “La calle”, de 1933. Dos aspectos convierten esta tela en una obra maestra: su estructura compositiva y una escena inquietante que aparece camuflada en la zona izquierda de la obra. Y es que el erotismo, para Balthus, siempre estará subordinado a la pintura. En el año 1934 expuso en la Galería Pierre de París “La lección de guitarra”, un cuadro que inicia uno de los temas más habituales en su pintura, el de las nabokovianas “lolitas”. Las adolescentes de Balthus, presentadas frecuentemente en posiciones insinuantes, se encuentran en espacios cerrados, dedicadas a la lectura, abandonadas al sueño o enfrascadas en sus pensamientos. Ciertamente, constituyen la mejor prueba del significado más puro y último de su pintura: la imposible recuperación del único paraíso perdido en la vida del hombre, es decir, la infancia.

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Museo Picasso, Barcelona.

Bajo el título Poemas en prosa, se publica por primera vez en castellano la obra literaria de Pablo Picasso, uno de los genios del arte del siglo XX. Los más de 350 poemas del pintor malagueño fueron editados inicialmente en francés –idioma en el que fueron escritos– por Editions Gallimard, en 1989. Casi veinte años después, la española Plataforma Editorial presenta este hermoso libro que, según declaró Enrique Mallén, experto en la obra pictórica y literaria de Picasso y profesor en la Sam Houston State University de Texas, “contiene poemas en prosa que son como cuadros cubistas: tienen distintas interpretaciones según qué línea se lea, son textos abiertos. En términos literarios, Picasso me parece fascinante: sus poesías esconden múltiples significados, es innovador, de vanguardia, una mina sin explorar”.

Deconocidos en Francia hasta finales de los ochenta, los poemas en prosa de Pablo Picasso –que empezó a escribir a partir de 1935, cuando a sus 55 años y meses antes de que estallase la Guerra Civil española (1936-1939) tuvo a su hija Maya con Marie-Thérèse Walter y comenzó una relación con la fotógrafa surrealista Dora Maar– certifican la plural y sublime genialidad artística de su autor. «Me dicen que escribes. Te creo capaz de cualquier cosa. Si un día me dijeran que has oficiado una misa, también me lo creería.» Con estas palabras se dirigió su madre a Picasso cuando conoció su faceta como escritor. Y es que la genialidad artística del pintor malagueño no encontraba límites. Los poemas reunidos en este libro recuerdan mucho a sus cuadros: la sorprendente diversidad que caracteriza a su obra plástica también está presente en sus textos, que se nos ofrecen al más puro estilo del collage picassiano, y que adquieren una brillante y poética dimensión visual.

… gritos de niños gritos de mujeres gritos de pájaros gritos de flores gritos de maderas y de piedras gritos de ladrillos gritos de muebles de camas de sillas de cortinas de cazuelas de gatos y de papeles…

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Así escribía Picasso. Saltándose todas las convenciones gramaticales y ortográficas. Pintando con las palabras, escribiendo con colores. Su “corpus literario” fue fructífero –además de los poemas también escribió tres obras de teatro–, sobre todo el que discurrió entre 1935 y 1936 y que después se fue atenuando hasta 1959, año en el que se fechó su último texto conocido.

Su espíritu experimental, al ensamblar y superponer imágenes buscando la musicalidad, lo consiguió a través de la repetición de palabras y la concatenación sin signos de puntuación como rezan las líneas: “La hija del ahijado la hija del papá la hija de mamá la hija de su hija y la hija mejor y la hija del padre y la hija de la madre …” ( 26-28 de septiembre de 1951).

El pintor malagueño, que según cuentan llegó a presumir de la edición de Gallimard, confesó, en los años 60, a su amigo el fotógrafo argentino Roberto Otero: “En el fondo, soy un poeta que se malogró. ¿No te parece?”

Los dos extraordinarios poemas de Manuel Altolaguirre, publicados por nuestra buena amiga Goroka en su blog Bilbolunya, me han hecho recordar ciertos detalles sobre la trayectoria de la que fue, y sin duda sigue siendo, la revista cultural más importante de España. A Goroka, pues, le dedico este artículo, agradeciéndole que me haya refrescado la memoria.

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Todo comenzó en la calle San Lorenzo de Málaga en un mes de noviembre de 1926. Allí, en una pequeña imprenta denominada «Sur», dos poetas malagueños: Emilio Prados y Manuel Altolaguirre sacan a la luz el primer ejemplar de la revista LITORAL. De ella diría posteriormente Rafael Alberti, en su autobiografía, que fue la revista más importante de su tiempo.

«¿Málaga existe? Fuera de España, y un poquito fuera del mundo, tal vez», escribía en este primer número José Bergamín, y era verdad. Málaga existía como un continente fuera del mundo. Ahí estaba la Poesía, la Pintura, la Música. Allí estaban Picasso, Alberti, García Lorca, Aleixandre, Guillén, Cernuda… y todas aquellas voces que vencieron el tiempo de la palabra.

LITORAL fue el inicio de lo que después se llamaría Generación del 27. Fue un hotel de papel que albergó todo el pensar y sentimiento de estas figuras que hoy componen el panorama de la Poesía Española Contemporánea. Sólo se publican nueve números en esta etapa, noviembre de 1926 hasta junio de 1929. Y es importante citar el homenaje que la revista dedica en un número extraordinario a don Luis de Góngora en el tricentenario de su muerte. Colaboran en este citado número: Juan Gris, Picasso, Benjamín Palencia, Togores, M. Ángeles Ortiz, Dalí, Ucelay, G. Prieto, Peinado, Huguet, Viñez, Bores y Moreno Villa entre los pintores. Y Alberti, Aleixandre, Altolaguirre, Bergamín, Cernuda, Gerardo Diego, García Lorca, Garfias, Guillén, Hinojosa, Prados entre los poetas. La música es de Manuel de Falla.

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Manuel Altolaguirre. Dibujo de Gregorio Prieto.

En LITORAL y con el nombre de «Romances Gitanos» anticipa García Lorca algunos poemas de los que constituirían después su «Romancero Gitano», publicado en la Revista de Occidente. Rafael Alberti publica en uno de sus suplementos «La Amante» y José Bergamín, «Caracteres». Jorge Guillén adelanta parte de su «Cántico» y publican allí: Cernuda, «Perfil de Aire»; Gerardo Diego, «Fábula de Equis y Zeda»; Hinojosa, «La Rosa de los Vientos»; Prados, «Tiempo»; Aleixandre, «Ámbito» y tantos otros nombres del renacer poético.

Al llegar la guerra civil de 36 y en el éxodo de la inmensa mayoría de la intelectualidad española renace LITORAL en México, y a Emilio Padros y Manuel Altolaguirre se unen en la dirección José Moreno Villa, Juan Rejano y Francisco Giner de los Ríos. Se editan cuatro números. El último un homenaje a Enrique Díez Canedo. En aquella época mexicana, colaboran Juan Ramón Jiménez, Ramón Gaya, Max Aub, León Felipe, etc.

En el mes de mayo de 1968, esta vez desde Málaga, José María Amado resucita la revista LITORAL con la colaboran inicial de Jesús de Ussía, Manuel Morel y Ángel Caffarena Such. Vuelven a ella los escasos supervivientes de aquella generación. Dibujan de nuevo Picasso, M. Ángeles Ortiz, Palencia y colaboran Alberti, Bergamín, Aleixandre y a ellos se unen algunos poetas de la “generación perdida” y jóvenes poetas y pintores.

En esta nueva época LITORAL publica ochenta números, entre ellos homenajes a Alberti, García Lorca, Machado, a Prados y Altolaguirre, a Carlos Edmundo de Ory, Picasso, León Felipe, Manuel de Falla. Números monográficos dedicados a Miguel Hernández, César Vallejo, a los poetas del Exilio, a la Revolución de Mayo en París… Importante es mencionar la publicación con carácter inédito de «Roma, Peligro para Caminantes», de Rafael Alberti; «La Claridad Desierta», de José Bergamín; «En Breve», último libro de Dionisio Ridruelo y «Cuaderno de Rute» de Rafael Alberti. Libros transcendentales en la literatura de hoy.

En 1976 recibió LITORAL el premio «RESEÑA», junto al diario «El País», como las dos aportaciones más importantes a una labor de «clarificación» y aportación cultural. No es de extrañar que Rafael Alberti y otras figuras calificaran su «esfuerzo» de heroico en un época que no se podía tener voz en España.

Luis Irles

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